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klavierkunst für eine bessere welt

am 28. Oktober 2009

Er scheint ein ganz normaler junger Pianist zu sein, so wie er in Jeans und schwarzem Hemd auf die Bühne des Frankfurter Hofes kommt. Aber in Kai Schumacher steckt mehr. Denn wer „The People United Will Never Be Defeated“ aufnimmt (für das Mainzer Label Wergo) und auch noch live spielt, der muss etwa Besonderes sein. Schließlich ist Frederic Rzewskis riesiger Variationenzyklus nicht irgend ein Werk.

Zum einen sind da die technischen Schwierigkeiten: In diesen gut sechzig Minuten ist eine Menge verpackt – rasende Läufe, donnernde Akkorde, wilde Sprünge, brutale Lautstärke und subtile Feinheiten wechseln ständig. Und die musikalischen Anforderungen sind auch nicht gering: Diese 36 Variationen erfordern viel Gestaltungskraft, viel Übersicht und gleichzeitig enorme Konzentration im Detail.

Es geht aber noch weiter: Wer diese Musik spielt, bezieht immer auch irgend eine politische Position. Schließlich ist das Musik, die etwas verändern will. Denn Rzewski hat nicht irgend eine Melodie als Grundlage genommen, sondern das chilenische „El pueblo unido jamás será vencido“, das Anfang der 1970er Jahre zum musikalischen Symbol des Widerstands gegen Pinochet wurde.

Kai Schumacher macht das im Frankfurter Hof überdeutlich, er lässt nämlich erst einmal das Original einspielen – gleich ein erster Gänsehaut-Moment. Davon wird es noch eine ganze Menge geben. Denn was Rzewski komponiert hat, das ist nicht nur hochvirtuos und vielfältig, artifiziell und natürlich zugleich. Sondern auch so voller Ideen, Stile, Anklänge, dass es ungeheuer viel zu entdecken gibt. Und Kai Schumacher scheint das alles im Blick zu haben. Seine Interpretation dieses aufgrund seiner hohen Schwierigkeit nahezu nie gespielten Werkes ist gerade dadurch ausgezeichnet, die kunstvolle Gestalt der Musik besonders in den Fokus zu holen.

Andererseits verliert der Zyklus dadurch an Schärfe – und auch die Gewissheit, dass das geeinte Volk wirklich niemals besiegt werden wird. Vielleicht ist das zwangsläufig so, die weltgeschichtliche Entwicklung seit 1975, als Rzewski das Mammutwerk komponierte, ist ja keine reine Erfolgsgeschichte der Befreiung unterdrückter Völker. Gerade diese Spannung zwischen Optimismus und dem Bewusstsein um Niederlage und Unterdrückung auf der anderen Seite führt Schumacher immer wieder ganz besonders hervor.

So realisiert er mit elastischem Ton, mit federnder Kraft ein sehr offenes Kunstwerk: Das hier ist eine Aufführung, die gerade die stilistische Vielfalt der Variationen, von den analytisch die Melodie zersplitternden Sätzen über virtuose Tastendonnermomente bis zu Jazz- und Blues-Impressionen, besonders deutlich macht. Diese Kontraste arbeitet Schumacher sehr stark heraus – und ist doch immer wieder dann besonders überzeugend, wenn er sich ganz in die Musik versenken kann, wenn die zarten und zerbrechlichen Momente auch ihn selbst neu ergreifen und berühren.

“Alte Musik, die Kunst …

von Matthias

am 2. August 2009

in musik

… des vorletzten und vorvorletzten Jahrhunderts. O je. Wie kam man als gesunder Mensch dazu, sich das anzuhören? Man musste doch neueste, neue Musik hören!” (moritz von uslar, waldstein oder der tod des walter gieseking am 6. juni 2005, 69)

angebissen: der don-camillo-chor auf cd

von Matthias

am 5. Juli 2009

in kritik, musik, pop

Musik dazu verwenden, jemanden zu verführen, ist keine neue Idee. Das Opfer mit der Musik als Köder zur Musik zu begehren, ist schon etwas ungewöhnlicher. Und wenn ein Chor das dann auch noch so offen und direkt unternimmt wie der „Don-Camillo-Chor“ aus dem Münchner Umland, dann gehen jeder Zielperson schnell die Argumente für den Widerstand aus.

Das liegt, wie ihre neueste (und erste) CD mit dem passenden Titel „Good Bait“ beweist, zu großem Teil an der jugendlichen Frische und dem unbändigen Überschwang, mit dem der gesamte Chor sich auf sein Repertoire vorwiegend aus Jazz und Pop stürzt. So eine freizügige Freude teilt sich dem Hörer in jedem Moment mit, dass er mit dem größten Vergnügen anbeißt.

Das Vergnügen ist allerdings nicht nur ein Verdienst der Sänger und ihres Chorleiters, der sie immer wieder knackig auf den Punkt fokussiert. Es liegt zu einem großen Teil auch an den angenehm einfallsreichen Arrangements, die mehrheitlich vom Dirigenten selbst oder aus der bewährten Feder des um keine Pointe verlegenen Oliver Gies stammen.

Das reicht vom feurigen „Chili con Carne“ aus dem Fundus der „Real Group“ über aufgefrische Swing-Klassiker bis zu – in ihren komplexen Arrangements kaum noch erkennbaren – Pop-Hits der letzten Jahrzehnte. Mit einer recht freien Bearbeitung von Brahms’ „Guten Abend, gut’ Nacht“ beweist der Don-Camillo-Chor dann nebenbei auch noch, dass er mehr als nur reiner Jazz-Pop-Chor ist: Diese jungen Sänger und Sängerinnen fühlen sich in vielen Gefilden zu Hause. Mit Recht. Denn „Good Bait“ ist nicht nur eine schöne, gelungene Leistungsschau, sondern auch einfach gute Unterhaltung.

Don Camillo Chor: Good Bait. Spektral SRL4-09049, 2009.

(geschrieben für die neue chorzeit)

orff, bartók und gershwin glücklich vereint

von Matthias

am 9. Juni 2009

in kritik, musik

Béla Bartók, George Gershwin und Carl Orff haben wenig gemein. Und doch passen sie alle in das Konzert des Bachchores in der Christuskirche. Denn kleine Übereinstimmungen finden sich doch. Zum Beispiel, um ganz pragmatisch anzufangen, es gibt von jedem Musik für zwei Klaviere – wenn man schon zwei hochklassige Pianisten wie die Brüder Paratore zur Verfügung hat, muss man das ja auch nutzen. Und sie komponierten (fast) zur gleichen Zeit: Gershwins „Rhapsody in Blue“ war 1924 erstmals zu hören, Bartóks Sonate für zwei Klaviere und Schlagzeug im Januar 1938 und Orffs „Carmina burana“ entstand ab 1934. Das hört man ihnen aber kaum an, denn trotz der zeitlichen Nähe bleibt diese Trias grundverschieden.

Bartóks Sonate zum Beispiel ist ein eher sprödes, auch nur selten aufgeführtes Werk. Und eigentlich klingt es auch nicht so harmlos, wie hier in der Christuskirche. Da trägt der Raum große Mitschuld, der vieles weichzeichnet und verschwimmen lässt. Anthony und Joseph Paratore versuchen zwar, durch knackige Pointierungen dem etwas entgegenzusetzen. Aber so richtig weit kommen sie damit nicht. So bleibt die Sonate mit der ungewöhnlichen Besetzung für zwei Klaviere und zwei Schlagwerker (die aus dem Ensemble Babette Haag kamen) für dieses Mal fast eine verwunschene Feenmusik, deren weich fließende, stellenweise sogar ins rauschhaft taumelnde Klangwelten aber durchaus auch bedrohlichere Szenarien herbeizaubert. Doch noch bleibt alles Rohe und Wilde in sicherer Distanz und fest eingezäunt.

Gershwins Musik kennt solche Gefahren nicht. Routiniert arbeiten sich die Pianisten mit jahrzehntelanger Erfahrung durch die Rhapsody in Blue. Das Schlagwerk bleibt hier aber eher rasselnder und scheppernder Fremdkörper, was dem Zauber aber nicht weiter schadet.

Dafür dürfen die Percussionisten danach noch einmal alles geben: Die „Carmina burana“, die der Bachchor in der vom Orff-Schüler Wilhelm Killmayer angefertigten Fassung für zwei Klavier und Schlagwerk präsentierte, bietet ja nicht nur dem Chor reichlich Möglichkeiten zum Brillieren. Dem aber ungedingt auch – und der Bachchor nutzt die wie immer ganz selbstverständlich. Unter Ralf Ottos beseelter Leitung ergibt sich organisch eines aus dem anderen, laufen Chorsätze nahtlos in Soli und umgekehrt, verbinden sich Humoreske und Folklore, Liebesleid und Freudentaumel zu einer mächtigen, klangewaltigen Einheit. Besonders auszeichnend dabei: Die unerschüttliche Präzision – nicht nur technisch, sondern auch klanglich und emotional treffen Otto und seine Sänger immer genau auf den Punkt. Auch die Solisten passen gut dazu: Daniel Sans gefällt mit beherrschter Sicherheit, der komödiantisch begabte Klaus Häger mit seinem unkompliziertem Bass und die Sopranistin Valentina Farcas fügt sich mit selbst in großer Höhe klarer Stimme wunderbar ins Gesamtbild. Kein Wunder, dass die ausverkaufte Christuskirche restlos begeistert ist.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

mal wieder: jazz und sinfonik gemixt (oder auch nicht)

von Matthias

am 26. April 2009

in musik

Sinfonieorchester und Jazz – das sind zwei Welten, die sich oft sehr fremd sind. Und wenn es dann doch zu einem Rendezvous kommt, darf natürlich George Gershwins „Rhapsody in Blue“ auf keinen Fall fehlen. Aber der Klassiker ist wohl nie so zu hören wie beim Konzert des Philharmonischen Staatsorchesters in der Phönixhalle. Doch schon in der ersten Hälfte war eine Menge guter Musik auf der Grenze zwischen Jazz und Sinfonik zu hören. Ohne großes Vorgeplänkel stiegen das Orchester mit der Unterstützung einiger Jazz-Solisten sofot in Earle Hagens „Harlem Nocturne“ ein. Und schon waren sie und das Publikum mittendrin im Hörkino, das direkt nach New York führte – einer Stadt, der die Musiker an diesem Abend noch öfters einen Besuch abstatten würden. Zunächst also Harlem bei Nacht, zu erleben beim eleganten Cruisen durch mehr oder weniger belebte Straßen. Reiche Bilder ziehen hier vorm inneren Auge vorbei. Und das liegt nicht nur am Komponisten, sondern vor allem an zwei Dingen: Den Arrangements von Sebastian Hernandez-Laverny, die die Imagination mit ihrer verschwenderischen Ideenfülle immer wieder zu Höchstleistung anfeuern. Und an den Musikern. Nicht nur das Orchester spielt engagiert swingend auf, auch Saxophonis Oleg Berlin sorgt mit glasklarem Ton und prägnanter Phrasierung für Jazzfeeling und Kurzweil. Drummer Gerhard Stütz und Bassist Götz Ommert liefern derweil ein solides Fundament und Hernandez-Laverny springt zwischen Dirigentenpult und Klavier flink hin und her, ergänzt sein Arrangement immer wieder durch kurze pianistische Einwürfe.

Für mehr besondere Momente sorgt auch Malte Schäfer bei den Standards „Come, fly with me“ und „Fly me to the moon“. Der Bratscher ist diesmal ausschließlich als Sänger im Einsatz – aber dass dies nicht sein Hauptberuf ist, merkt man ihm nicht an: Locker und geschmeidig bringt er die Stimmung wunderbar auf den Punkt. Genau wie der Mainzer Klarinettist Ates Yilmaz, der bei Jorge Calandrellis virtuosem „Solfeggietto/Metamorphosis“ nach einer Vorlage von Carl Philipp Emanuel Bach ein echtes Heimspiel hat.

Apropos Heimspiel: Das hat auch Nick Benjamin, der mit launigen Moderationen dafür sorgt, dass Publikum entspannt und gut gelaunt bleibt – was angesichts der Menge guter Musik gar nicht nötig gewesen wäre. Das ganze kuluminiert schließlich in Gershwins „Rhapsody in Blue“. Die alleine wäre Hernandez-Laverny aber offenbar zu langweilig gewesen. Deswegen unterbricht er das Original immer wieder, um gemeinsam mit Ommert und Stütz mit weit ausholenden Improvisationen über Gershwins Themen dem ganzen noch mehr Jazz einzuverleiben. Ein sehr symphatischer Einfall, der – vor allem durch die phantasiereiche, energische und konzentrierte Improvisationskunst der drei Musiker – das Publikum zu Recht zu standig ovations hinreißt.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

brittens “war requiem” — politik und/oder musik

von Matthias

am 23. April 2009

in musik

Es hat sich einiges wunderbar gefügt für dieses Konzert: Zum Prolog für den diesjährigen Kultursommer Rheinland-Pfalz zeigte sich die Sonne schon sommerlich. Und es gab noch dazu einige Übereinstimmungen zur Uraufführung des „War Requiem“, die Benjamin Britten sicherlich gefreut hätten. Genau wie die europäische Zusammensetzung der Musiker: Chöre aus Frankreich, Deutschland und Polen nehmen sich gemeinsam mit dem Landesjugendorchester Rheinland-Pfalz unter Klaus Arp des Requiems an.

Genau wie 1962 in Coventry fand auch die Mainzer Aufführung im Rahmen der kleinen Tournee dieses Projektes, die von Frankreich über Rheinland-Pfalz nach Polen führt, in einem im Zweiten Weltkrieg zerstörten Gotteshaus, der Christuskirche, statt. Und genau wie damals stammen die Solisten aus verschiedenen Ländern – gut, statt aus Russland kommt die Sopranistin Justyna Bachowska aus Polen. Aber der Bariton Jens Hamann ist Deutscher, der Tenor Deryck Huw Webb Brite – genau wie vor über vierzig Jaren. Die Voraussetzungen waren also ziemlich gut und bereits sehr sybmolisch aufgeladen. Nur der Raum erwies sich, trotz seiner symbolischen Kraft, als nur mäßig geeignet. Akustisch war die Riesenbesetzung in der Christuskirche nämlich nicht besonders gut aufgehoben.

Klaus Arp tat aber trotzdem sein Bestes, aus Orchester und Chören eine klangliche Einheit zu formen. Und das Ergebnis konnte sich durchaus hören lassen. Das Jugendorchester spielte ausgesprochen diszipliniert und genau. Freilich ließ Arp auch niemand aus dem Blick: Seine Argusaugen und sein fordernder Dirigentenstab hatten die Musiker permanent voll unter Kontrolle. Auch die jugendlich klingenden Chöre: Neben dem heimischen Landesjugendchor und dem Kinderchor Maîtrise de Dijon, der sich stimmlich schon sehr erwachsen präsentierte, war noch der Kammerchor der Musikakademie aus Kattowitz dabei. Doch trotz der starken Besetzung blieb der Chor leider an Durchschlagskraft hinter den Erwartungen zurück – die Sänger hatten es oft schwer, gegen den satten Orchesterklang anzukommen. Dafür entschädigten sie mit ausgesprochen delikaten Feinheiten und zarten Pianissimi.

Zusammen mit den sehr sicher und überzeugend agierenden Solisten enstand so in der Christuskirche eine intensiv mahnende, von der Richtigkeit ihres Anliegens sehr überzeugte Aufführung des „War Requiems“. Und die ließ sowohl die kleinen Unzulänglichkeiten als auch die symbolische Überhöhung des Konzertes vergessen: Denn egal wer und wo und warum das „War Requiem“ aufführt – diese Komposition setzt ihr Programm des Pazifimus, der Trauer über allem Kriegsleid unbedingt durch. Erst recht, wenn sie mit so viel Engagement und Sachverstand musiziert wird wie hier.

(gechrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

passionsmusik aus siebenbürgen

von Matthias

am 7. April 2009

in kritik, musik

Siebenbürgen ist nicht gerade ein Zentrum deutscher Kirchenmusik. Genauer gesagt, ist es eher ein Zentrum von gar nichts. Manchmal sind aber die Ränder durchaus interessanter als die Mitte. Etwa, wenn dort bestimmte Traditionen überleben, wie zum Beispiel die über lange Zeit weitergegebenen lokalen Passionsmusiken. Das sollte man wissen, wenn man sich die „Siebenbürgische Passionsmusik“ für Chor, Solisten und Orgel von Hans Peter Türk anhört. Denn Türk ist ein siebenbürgischer Komponist.

Eine neue Matthäus-Passion also, als Fortführung noch erhaltener Bräuche – aber dennoch überhaupt nicht bloß bewahrend, sondern eben weiterführend. Denn Türk ist zwar kein Avantgardist, aber doch – trotz seiner geographischen Randlage – als Kompositionsprofessor ein Kenner der Entwicklungen und Techniken in der Musik. Und zwar nicht nur der Musik der letzten Jahre. Denn seine „Siebenbürgische Passionsmusik“ bedient sich bei Formen und Techniken aus eigentlich der ganzen abendländischen Musikgeschichte. Das führt zu einigen eigenartigen und bemerkenswerten Ergebnissen, die die Einspielung mit der Meißner Kantorei 1961 unter Christfried Brödel und mit Ursula Philippi an der Orgel eindrücklich vorführt.
Denn wie immer, wenn sich Bekanntes mit Fremdem, Vertrautes mit Exotischem mischt, entdeckt man reilich Neues und Interessantes – in Beidem. Der Text bleibt ganz auf vertrautem Boden, in der Musik entwickelt der 1940 geborene Siebenbürge aber einen eigenen Ton. Dabei vertraut Türk auf die Worte – und zwar sehr stark. Daraus und damit entwickelt er eine Musik, die sich dem Hörer unmittelbar unmitteilt. Und sie zeigt deutlich: Hier geht es nicht darum, um jeden Preis außergewöhnliche Musik zu finden. Türk strebt offenbar viel mehr danach, der Passionserzählung ein zeitgemäßes musikalisches Gewand zu geben, sie aber zuallererst als Erzählung zu verstehen. Und das kann dann eben auch heißen, sich als Komponist extrem zurückzunehmen. Auch in dieser konzentrierten Form, mit wenigen Einwürfen, behutsam untermalenden Tönen der Orgel etwa gelingt es ihm ohne Weiteres, starke Kontraste und nahegehende Stimmungen zu vermitteln, spannende Rezitative zu schreiben, die natürlich und kunstvoll zugleich wirken. Und vor allem hochgradig einfühlsame, intensiv vibrierende Choräle, die den wahren Kern dieser Passionsmusik bilden.

Das ist dann in der Summe eine durchaus moderne Musik, die verständlich und unbedingt zugänglich auch für Nicht-Kenner der zeitgenössischen Musik ist. Und eigentlich sogar für deren Verächter zu ertragen. Gut funktionierende Kirchenmusik also.

Hans Peter Türk: Siebenbürgische Passionsmusik für den Karfreitag nach dem Evangelisten Matthäus für Chor, Solisten und Orgel. Ursula Philippi, Orgel. Meißner Kantorei 1961, Christfried Brödel. Musikproduktion Dabringhaus und Grimm 2009. MDG 902 1554–6.

(geschrieben für die neue chorzeit)

beethoven und das motorrad

von Matthias

am 30. Oktober 2008

in kritik, musik

so, ersteinmal der „offizielle” text, den ich für die mainzer rhein-zeitung geschrieben habe:

Motorräder kommen im klassischen Konzertleben recht selten vor. Aber andererseits sind auch Posaunenkonzerte im traditionellen Repertoire eher dürftig gesät. Was liegt also näher, als diese beiden Seltenheiten zur potenzierten Unwahrscheinlichkeit zu kombinieren?
Der Posaunist Christian Lindberg hat keinen Hinderungsgrund gefunden. Er geht sogar noch einen Schritt weiter: Um das „Motorbike Concerto” von Jan Sandström so richtig authentisch aufzuführen – schließlich ist es eigens für ihn komponiert worden – schlüpft er sogar in eine passende Motorradkluft. Nur das Motorrad fehlt also noch in der Rheingoldhalle. Aber zusammen mit der Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz und deren Dirigenten Ari Rasilainen entfaltete Lindberg immerhin eine täuschend echte Geräuschkulisse.Das Motorrad, das Lindberg hier eloquent und mit vollem Einsatz verkörpert, dröhnt und röhrt, quietscht und braust durch die diversen Landschaften. Sehr pittoresk ist das alles, serviert immer mit einem gehörigen Schuss Komik. Denn Sandström hat hier Programmmusik reinsten Wassers geschrieben. Bekanntermaßen ist ja ein Motorrad mehr als ein bloßes Fortbewegungsmittel, sondern ein regelrechter Lebensstil. Und auf Tour bekommt so einiges mit – so viel, dass auch das „Motorbike Concerto” noch nach allen Seiten von Eindrücken und Einfällen überquillt.¹
Ganz im Gegensatz dazu dann der Klassiker überhaupt, Beethoven. Und gleich noch seine „Über&”-Sinfonie, die Fünfte. Hochtrabende und gewichtige Deutungen umranken und überwuchern das Werk seit der Uraufführung vor ziemlich genau zweihundert Jahren. Aber das schein Rasilainen gar nicht so sehr zu bekümmern. Ohne besonders übereifrige Überhöhung nimmt er sie erst einmal einfach als das, was sie schließlich ist: Musik. Und so offen bleibend, ohne der Vagheit anheim zu fallen, entwickelte die Staatsphilharmonie ein sehr geschlossenes Klangbild. Der Dirigent profilierte sich als fließender Erzähler, der ganze Lebensentwürfe und Geschichten entfaltet.² Ohne Zweifel oder auch nur das leiseste Zögern überstehen die selbst die harten Konfrontationen mit der Realität im dritten Satz. Und immer wieder überwältigend ist natürlich die Wucht dieses unzerstörten Glaubens an die Kraft des Individuums, die das Finale unter der herrisch gebietenden Hand des Dirigenten entfaltet. Und auch wenn die Staatsphilharmonie ausgerechnet auf der Zielgeraden, in den letzten Takten, das Ende schon vorwegnimmt und deutlich an Präzision und Klarheit verliert, bleibt das Zusammenwirken aller Kräfte selbstverständlich immer noch triumphal – anders kann Beethovens Fünfte gar nicht enden.³

Show 3 footnotes

und da haben wir auch schon eines der zentralen probleme: im prinzip hat sandström die form nämlich überhaupt nicht bewältigt. das ist bloß eine einfallslose aneinanderreihung von episoden. anderer probleme sind aber gravierender: die aussage dieser musik nämlich gleich null. eigentlich ist das nur ein sehr aufwändiger kindergarten: sandström erfuhr, was lindberg auf der posaune so alles anstellen kann. und was er schon gehört hat. das hat er dann — weitgehend traditionell (das modernste moment ist die emanzipation des geräusches (aber nur als geräusch, nicht als musikalischer faktor), die aber auch schon seit hundert jahren gegessen ist) — hingeschrieben. technisch mag das ziemlich bis sehr anspruchsvoll sein, der posaunist muss so einiges tun für sein geld. aber das meiste sind eben mätzchen. und die sind musikalisch so überhaupt nicht motiviert. das schlimmste daran ist ja fast, dass so etwas natürlich großen erfolg beim publikum hat: die oberfläche ist halt nett, nicht so arg kompliziert und vor allem sehr sehr pittoresk. denken muss man nicht dabei. das ist wahrscheinlich der größte erfolgsfaktor dieser musik, dass sie denkerischen mitvollzug eigentlich sogar unterbindet, nicht nur nicht fördert oder fordert. ↩
nur so nebenbei: der unterschied zur erzählweise sandströms ist enorm: denn beethoven hat inhalte — so unspezifisch sie im musikalischen ausdrucksverfahren bleiben mögen. sandström hat nur eine bloße bilderfolge, keine narration, keine — inhaltlich gefüllte — erzählung. und das ist ein wesentlicher unterschied. im prinzip nämlich schon die differenz zwischen kunsthandwerk und kunst. oder halt zwischen unterhaltungsmusik und kunst. oder wie auch immer … ↩
nicht besprochen habe ich jetzt die das konzert eröffnenden „egmont-ouvertüre” von beethoven und schließlich ferdinand davis „concertino für posanue” op. 4. letzteres muss man aber eigentlich auch nicht groß erwähnen — ein virtuosenstückchen halt, dass lindberg mit technischer souveränität sehr gelassen herunterspielt. besonders nachhaltig ist die wirkung dieser musik nicht gerade. so eine dutzendware aus dem 19. jahrhundert halt — ganz nett, aber nicht sehr eindrucksvoll. die egmont-ouvertüre hat rasilainen auch eher noch zum warmmachen genutzt. auch das ist ja so eine unsitte des konzertwesens, sich während dem konzert noch einzuspielen, aufeinander einzustellen. passiert aber sehr häufig. und wird oft genug auch entsprechend geplant mit so kurzen füllstücken, damit wesentlich nix wichtiges versaut wird. nagut, so schlimm war’s auch nicht. aber halt auch nicht besonder oder bemerkenswert. ↩

lieder aus der fremde = gute unterhaltung?

von Matthias

am 28. Oktober 2008

in kritik, musik

Gefühl ist Trumpf, ohne Gefühl geht hier gar nichts. Salome Kammer kann sich das aber auch leisten. Denn die Sopranistin – den meisten eher als Schauspielerin aus den „Heimat“-Filmen bekannt – ist ohne weiteres in der Lage, zwei Stunden über und mit Gefühl zu singen, ohne der Langeweile oder der Eintönigkeit den Hauch einer Chance zu geben.
Lieder auf Texte von Brecht hat sie sich ausgesucht, von Kurt Weill und Hanns Eisler. Der Abend steht, als Teil des Begleitprogramms zur Austellung „Das vedächtige Saxofon – ‘Entartete Musik’ im NS-Staat“, unter dem Titel „Lieder aus der Heimat – Lieder in der Fremde“. Aber darum geht es gar nicht so sehr. Das erzwungene Exil von Dichter und Komponisten, die Erfahrung der Fremde und der Unsicherheit – all das steht für Kammer und ihren Begleiter Rudi Spring gar nicht unbedingt im Zentrum des Programm. Denn den Mittelpunkt hat ganz eindeutig die Unterhaltung besetzt. Das ist zwar ein kleiner Etikettenschwindel. Aber kein schlimmer – denn wer so gut unterhalten kann wie diese beiden Musiker, der sollte das auf jeden Fall möglichst häufig tun. Wesentliche Ingredienz für den Erfolg ist die große Vielfalt. Und zwar in jeder Hinsicht: Von der Auswahl der Lieder bis zur stimmlichen Umsetzung und angedeuteten szenischen und mimischen Präsentation – Langweile hat hier im Ratsaal überhaupt keine Chance.
Aber auch die Sentimentalität nicht. Denn Salome Kammer wird nie gefühlsduselig. Auch bei den großen Hits von Brecht/Weill, der Seeräuber-Jenny etwa oder „Und was bekam des Soldaten Weib“ zeichnet sich die Sängerin vor allem durch die chamäloenhaftige Verwandlungen ihrer Stimmungen aus, die sehr genau treffen.
Noch etwas konzentrierter, fokussierter – und deshalb auch wirkungsstärker – sang sie die Eisler-Lieder. Vor allem bei der Auswahl aus dem Hollywood-Liederbuch konnte sie die knappen, trotz ihrer kunstvollen Form sehr aufs Wesentliche reduzierten Lieder stark machen, sie vital und charmant vibrieren lassen.
Hier war das Duo ohne Zweifel am stärksten. Aber gerade hier stellte sich manchmal doch die Frage: Nimmt Salome Kammer das nicht alles ein wenig locker? So anregend es immer wieder ist, ihr zuzuhören und zuzuschauen – manches Lied hat komplexere Inhalte und mehr zu entdecken, als sie ihm zugestehen will. Denn bei allem Witz und bei aller Raffinesse, die Brecht und sowohl Weill als auch Eisler immer wieder versprühen: Alle diese Lieder sind bis auf ihren Kern geprägt von den tragischen Erfahrungen des 20. Jahrhunderts, wie sie ihre Schöpfer miterlebten. Doch dieses Stimmung und dieses Gefühl wollten Kammer und Spring nicht mit ihrem Publikum teilen.

geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.

gestern gestorben: mauricio kagel

von Matthias

am 19. September 2008

in musik

mauricio kagel — einer der wenigen komponisten, die das (neue) musiktheater und das (neue) hörspiel in den letzten jahrzehnten wirklich bereichert, verändert und beeinflusst hat. und natürlich überhaupt ein großartiger komponist mit viel humor — (“er liebte die musik durch die maske des harlekins” — schreibt die frankfurter rundschau) aber nie flach, immer auch künstlerisch auf der höhe der zeit.

gestern starb er nach mehr als 75 jahren leben und komponieren und langer krankheit.

nachruf von hartmut lück (frankfurter rundschau), gespräch mit werner klüppelholz (bei deutschlandradio kultur, die seltsamerweise kagel mal mauricio, mal mauriziod schreiben)

und noch mehr nachrufe: wolfgang sandner auf faz.net, elmar krekeler bei welt.de und ein richtig guter text von max nyffeler für die nzz.