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Aber das Wort Hund bellt ja nicht

am 17. Oktober 2013

Das Setting kling nicht gerade interessant – im Gegenteil: ein Mann filmt drei alte Männer dabei, wie sie Musik machen – das soll ein packender Film werden? Was so langweilig und uninspiriert klingt, ist aber dann faszinierend: Bernd Schochs Film Aber das Wort Hund bellt ja nicht ist wirklich ein toller Musikfilm.

Über mehrere Jahre hinweg hat er die Auftritte des Trios im Jazzclub Karlsruhe gefilmt. Daraus ist ein empathischer und begeisterter Film über das Schlippenbach-Trio, diese europäische Urgestein des Free Jazz, geworden. Das Trio war ja irgendwie schon immer da: Seit 1970, also mittlerweile deutlich über 40 Jahre musizieren Alexander von Schlippenbach, Evan Parker und Paul Lovens tatsächlich schon zusammen. Nähe und Zurückhaltung zeichnet Aber das Wort Hund bellt ja nicht besonders aus: Bernd Schoch rückt ihnen ganz und gar auf die Pelle, ohne jeden Abstand – aber durch die ewigen Einstellungen und der enge, kaum veränderte Bildausschnitt vermittelt das eine große Konzentration – genau so wie auch die Musik, die gemacht wird. Und darum geht es ja: Nicht um die drei Herren, sondern um die Musik, ihre Musik. Die intensiven, lange Blicke, die den Akteuren ganz nah auf die Haut rücken – beim Spielen und ganz oft auch beim Hören (was die anderen spielen) – das ist in seiner Einfachheit überraschend schön. Das Versenken, das Aufgehen in der Musik des Moments so mitzuerleben, ist ein Genuss. Und es ist wunderbar, wie der Film das zeigt, ganz unaufgeregt, aber genau und streng komponiert.

Zwischen die langen Musikpassagen sind kurze Sprechabschnitte der drei Musiker (aus einem Gespräch?) montiert, die Musik und Leben des Trios nicht so sehr erklären, als vielmehr unter bestimmten Aspekten beleuchten. Da sagt einer (Parker) der drei den schönen Satz: „use the known to reach the unknown“. Es ist auf eine rührende Weise schön, den Musikern so nah und dicht beim Musik-Machen zuzusehen – das vermittelt ein Gefühl, direkt dabei zu sein, Teil der Musik selbst zu werden: „Wir werden sowieso spielen, bis es nicht mehr geht“.

Chopins „Ave Maria“

von Matthias

am 21. September 2013

in film, musik

Was passiert, wenn Musik-Unkundige für die Schlusscredits eines Filmes verantwortlich sind und niemand das kontrolliert:

Scrrenshot Schlusscredits „It’s a disaster“

– so endet der sehr anschauenswerte Film „It’s a disaster“. Zu hören war übrigens die Schubert’sche Vertonung des „Ave Maria“ …

Kurzfilme

von Matthias

am 18. September 2013

in film

Gleich drei kurze Filme sind mir in den letzten Tagen aufgefallen und haben mir gefallen. Zum Beispiel die schöne, atmosphärische Arbeit von Nick White und Matthew James Wilkinson mit Benedict Cumberbatch und Natalie Press – „Inseparable“

Oder die etwas konventioneller erzählte deutsche Arbeit „Nullpunkt“ von Andreas Schaap & Andreas Udluft, mit einer netten Grundidee und allein wegen Nora Tschirner ein Genuss:
https://web.archive.org/web/20140517214844/http://www.youtube.com/watch?v=dVJKPaR1moo
Und noch etwas ganz anderes: „Shattered“, ein kurzer Film von Tyler Stableford über die Leere und Orientierungslosigkeit nach dem Erfolg eines Bergsteigers (Steve House):

Terroristischer Käse

von Matthias

am 11. Juli 2013

in diverses, film, geschichte

Gerade habe ich einen Zufallsfund gemacht: The Big Bang Theory benutzt terroristischen Parmesankäse als Requisit. So sieht das in Folge 22 der vierten Staffel aus:

Szenenbild „The Big Bang Theory“ 4–22 (bei 8:38)

Oder etwas genauer unter die Lupe genommen:

Szenenbild „The Big Bang Theory“ 4–22 (Ausschnitt)

Im Detail wird endgültig klar, wie die „Rote Armee Fraktion“ zum Käseproduzent wurde:

RAF-Käse

„Kraft“ darf da eben nicht stehen, das wäre ja Schleichwerbung. Die neue, subtile Botschaft finde ich allerdings auch sehr aufschlussreich ;-)

Symphonie des Grauens: Klingender Stummfilm

von Matthias

am 6. März 2012

in film, musik

Eine Symphonie des Grauens ohne Ton? Heute wäre das undenkbar. Vor 90 Jahren war es das noch lange nicht. Im Gegenteil: Das „Nosferatu“ von Friedrich Wilhelm Murnau, der erste Dracula-Film überhaupt, als Stummfilm entstand, war alles andere als ein bewusst gewähltes Stilmittel.

Stephan Graf von Bothmer hat das neu vertont. Das „Nosferatur“ nicht der der erste Film ist, zu dem er, der sich auch gerne „Stummfilmgraf“ nennen lässt, eine neue Musik schöpft, hört man sofort. Bothmer weiß, was er macht – und was er machen muss, um dem Film sein Potential ausspielen lassen zu können.
Mit Orgel, Sopran und Chor steht im in der bis auf den letzten Platz besetzten Altmünsterkirche ein breitees Klangspektrum zur Verfügung. Das nutzt er auch gerne aus: Dunja Koppenhöfer darf nicht nur ätherische Vokalisen singen, sondern auch quietschen, ächzen, schreien und markerschütternd dämonisch lachen – schließlich ist das ja ein Vampirfilm. Der Chor, ein eigens für die beiden Aufführungen in der Altmünsterkirche zusammen gestelltes Ensemble „The silent voices“ unter der Leitung von Armin Rauch ergänzt das noch und sorgt für klangliche Tiefe.

Bothmer an der Kirchenorgel liefert unterdessen die Hauptsache: eine unterstützende Tonkulisse, die sich quasi non-stop in Bewegung befindet und den Film mal sachte, mal auch sehr deutlich unterstüzt, ohne auf der Selbstständigkeit des akustischen Moments zu verzichten. Er ist ein großer Freund der Sekundbewegung und der harmonischen Rückung. Vom Barock bis zur Minimal Music lässt Bothmer vieles anklingen, ohne ein bloßes Sammelsurium zu bieten. Denn vor allem seine Disposition über die Szenen hinweg zeugt von der genauen Beschäftigung mit dem Film. Und deshalb ist seine Begleitung auch keine bloße Untermalung, sondern eine akustische Unterstützung des Bildes. Flächenhafte und bewegte Klänge wechseln stetig und dürfen sich auch mal überlagern. Hauptsache, die fließende Musik hilft dabei, die Szenenwirkung eindrücklich zu verstärken. Tatsächlich trägt Bothmer wesentlich dazu bei, dass dieser Film wirklich eine „Symphonie des Grauens“ wird. Besonders die düsteren Klänge des dritten Akts und ihre grandiose symphonisch angelegte Steigerung zeigen, wie meisterhaft Bothmer als Filmmusiker arbeitet – auch wenn man durchaus hört, dass er eher Pianist als Organist ist.

Und er gönnt sich und dem Publikum einen besonderen Luxus, ein echtes offenes Ende: Ob das Opfer der Heldin und der Tod des Vampirs wirklich die Erlösung ist? Die Musik verweigert eine klare Antwort. Das ist gut, denn sie war schon bis hierher so vielschichtig wie der Film, ohne diesen zu vereindeutigen. Und mehr kann und braucht eine Stummfilmmusik gar nicht leisten.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

gerade gesehen: drawing restraint 9

von Matthias

am 22. Juni 2008

in film

notizen beim und nach dem sehen:

ziemlich verquere sache, das. aber spannend. gerade die seltsamkeit ist ja manchmal – eigentlich oft – faszinierend … und seltsame dinge gehen da genug vor sich. kulturelle differenz sicher eine rolle: mit den augen eines japaners wahrscheinlich wesentlich weniger exotisch. oft verrückende mischung aus choreographiert scheinenden bewegungen und gleichzeitig dokumentarischem charakter.

grandiose, starke bilder jedenfalls. von anfang bis ende eigentlich ununterbrochen. deren faszinosum durch die intensive mischung von originalton mit musik noch potenziert wird. musik ist hier auch wesentlich. und extraklasse. funktionierte ja auch solo schon (als „offizielles“ björk-album). und entfaltet im film dennoch ganz besondere magie.

massen – individuen kaum auszumachen – , spielen genau wie die symmetrien (vor allem der maschinen bzw. anlagen überhaupt) eine große rolle offenbar.

ausnahme: zwei hauptrollen. aber die sind auch keine wirklichen individuen. schlüpfen von einer rolle in die andere mit aufwendigem metamorphosen-prozess, nämlich ver-/umkleidung in irgend eine entpersönlichte (?) figur. irgendwann beginnen sie dann, bis zu hüfte in der alles überflutenden vaseline-lösung sitzend, mit ihren messern gegenseitig im körper des anderen herumzuschlitzen und zu stochern und teile von sich selbst und des anderen zu essen.

gerade diese beiden haben viele archaische elemente. nicht nur die. überhaupt große teile des filmes. der religiöser ernst, mit dem die kunst hier zelebriert wird: sie ist nicht mehr (nur) ersatzreligion, sie ist glaubenssystem pur. und wahrscheinlich auch eine form der metaphysik – nur welcher? und daher rührt wohl der heilige ernst aller (!) handlungen und bilder. pseudo-mythische überhöhung im (pseduo-)zeremoniell?

und die suspendierte zeiterfahrung eines normalen menschen: nach 15 minuten des knapp zweieinhalbstündigen films immerhin schon der titel. dann gerät immerhin aber auch schon der walfänger in den blick. erzählung gibt es kaum, bzw. erst in riesigen zeitspannen (vergleichsweise zu anderen filmen v.a.) zu erkennen.

anderer punkt: ausbeutung der natur als neben(?)-thema: erntender mensch … – aber irgendwie doch im wechselseitigen einklang (vielleicht zumindest?): „In Japan, we recognize ourselves as part of nature. And by accepting the impermanence of our existence we try to gain a deeper understanding of the world” weiß der meister der teezeremonie – dem einzigen teil des filmes, in dem gesprochen wird.

ein film ohne worte zeigt, dass der sprache viel zu viel bedeutung zugeschrieben wird …

seltsame metamorphosen bestimmen alles: wo ausgangspunkt genauso wie ziel unklar bleibt, ganz zu schweigen von sinn …

achja, dann ist da noch die parallel-handlung: die entstehung bzw. metarmophose eines bzw. mehrere seltsamer gebilde (kunstwerke?) aus vaseline oder so auf dem schiff, das erst entsteht und sich dann auch wieder auflöst, sowieso nie eine einzige, gültige form hat/annimmt …

und noch ein paar verweise: die film-homepage, einige gesammelte kritiken und „no restraint”, die doku über den film und eine übersichts-seite zu matthew barney

matthew barney: drawing restraint 9.2005.

von Matthias

am 11. April 2008

in film, kritik, musik

Schwarze, graue und weiße Rechtecke schweben über die Leinwand, schieben sich in- und übereinander, tanzen auf und nieder. Heftig drängend pulsiert zu dem abstrakten Film von Hans Richter die anregende Musik von Bernd Thewes. „Gehörgang ins Auge“ nennt sich das Experiment des Ensembles Ascolta, das der SWR im Rahmen seiner Reihe „Avance“ im Frankfurter Hof veranstaltet. Und es erfordert eine Menge Aufwand. Denn die brandaktuelle Musik steht hier nicht allein: Die Spezialisten für Neue Musik sind mit einem Filmmusik-Programm angereist. Und natürlich zeigen sie auch die passenden Filme. Die haben alle schon einige Jahre auf dem Buckel und sind auch alle schön kurz. Experimentelle abstrakte Studien und filmische Versuche aus den zwanziger Jahren sind die Bildlieferanten. Dazu haben in den letzten Jahren eine Handvoll Komponisten neue Musik geschrieben. Und das ist faszinierend: Wie unterschiedlich man solch eine Aufgabe angehen kann. Bei manchen, etwa Olga Neuwirths „Diagonal-Symphonie“ zu einem Film von Viking Eggeling, könnte man gerne auf die Leinwand verzichten – die lenkt fast zu sehr ab. Das ist überhaupt ein bisschen ein Problem: Die durchweg anspruchsvolle Musik leidet ein wenig unter der geteilten Aufmerksamkeit. Aber spannend sind eben die verschiedenen Ansätze, „Filmmusik“ heute zu schreiben. Besonders deutlich konnte man das beim „Vormittagsspuk“ von Hans Richter sehen. Der wurde nämlich gleich zwei Mal vertont. Cornelius Schwehr schrieb eine heiter-pulsierende Komödie, die den Witz des Filmes wunderbar unterstützt. Martin Smolka dagegen lässt das Ensemble Ascolta gespenstige Klänge produzieren: Mit fahlen, hohlen Gitarrenakkorden, Glissandi und Vogelzwitschern betont er das Spukhafte, das Unheimliche des Films. Und der bekommt dadurch nicht nur eine andere Bedeutung, sondern auch einen vollkommen neuen Rhyhtmus – so plastisch bemerkt man den Einfluss der Musik auf den Film selten.

Eine interessante Kombination bot auch die Kopplung von René Clairs „Entr’acte“ mit der „Musique d’ameublement“ von Erik Satie, die der Ensemble-Posaunist Andrew Digby einrichtete. Zwar waren das zwei Werke, die eigentlich überhaupt keine Aufmerksamkeit haben wollten, die nur im Nebenbei rezipiert werden sollten. Aber trotzdem sind sie in ihrer Kombination jetzt so amüsant und unterhaltsam, dass sie alle Augen und Ohren fesselten. Übrigens auch ein Verdienst des gewitzten Arrangeurs, der auch die Zugabe, den „Ungarischen Tanz Nr. 5“ von Brahms als Begleitung zur „Studie Nr. 7“ von Oskar Fischinger instrumentierte: Ein irrsinniger Trubel, ein rasantes Furioso von Linien und Ebenen auf der Leinwand genauso wie im Ensemble – ein grandioses Finale für das Multimediaspektakel.

rettet die filme!

von Matthias

am 7. Januar 2008

in film

ich bin ja im allgemeinen kein besonders großer freund der „welt”. auch nicht von deren feuilleton. was aber hanns-georg rodek dort jetzt vorgeschlagen hat, ist eine gute idee, die ich vollkommen unterstütze (auch wenn der artikel viel blabla mit hineinmischt): eine pflichtabgabe von belegexemplaren auch bei filmen einzuführen und die – genau wie das bei gedruckten werken geschieht – zentral zu sammeln. denn viel zu viel ist schon verloren gegangen und vor allem, viel zu viel geht immer noch verloren. ich finde es ja auch immer wieder erstaunlich, wie absurd geschichtslos der film in deutschland betrachtet wird: eine (wissenschaftlich fundierte) filmgeschichte gibt es in der öffentlichkeit nahezu gar nicht. selbst filmkritiken lassen nur viel zu selten erkennen, dass auch das medium film und all seine gattungen inzwischen eine durchaus beachtliche geschichte haben. doch die kann man ja auch kaum – und wenn, dann nur mit großer mühe – kennenlernen. literatur- oder theatergeschichte lässt sich mit etwas gutem willen ziemlich schnell erarbeiten – dank öffentlicher bibliotheken und theater etwa. für den film gilt das aber überhaupt nicht, der führt ein nahezu geschichtsloses dasein. alte klassiker im fernsehen etwa? wenn überhaupt, dann irgendwann nachts zwischen 3 und 5 uhr – da sind die fernsehanstalten – auch und gerade die öffentlich-rechtlichen – noch schlimmer als die radiosender. also: zumindest mal sammeln. dann kann man auch sehen, was es schon gab.

evan almighty

von Matthias

am 8. August 2007

in film

das ist mal wieder ein film!

evan baxter (steve carell), frisch gewählter kongressabgeordneter, wird zum zweiten noah auserkoren. morgan freeman ist wieder ein toller gott (wie schon in bruce almighty). das gibt natürlich gewisse konflikte mit seiner arbeit und der lieben familie … vor allem, weil er sich auch äußerlich in noah verwandelt: mit bart, langen haaren und zwangsweise auch der entsprechenden kleidung. auch die tiere treffen so nach und nach ein wenig verfrüht ein. und weil evan sich dem ganzen nur sehr widerwillig fügt, gibt es eine menge komischer szenen. und die sind immer gerade noch so knapp an der grenze zur grenzenlosen übertreibung vorbei inszeniert, dass sie sogar in ihrer häufung noch komisch bleiben. gute arbeit, tom shadyac (aber der hat ja auch schon bruce almighty zu verantworten gehabt)! natürlich ist auch eine menge kitsch da drin … aber die zentrale szene im kongressauschuss, bei der evan plan und auftrag (inklusive dem zeitpungkt der kommenden flut) und seine kommunikation mit gott offenbart – herrlich. der film wird zwar meistens als fortsetzung von bruce almighty gehandelt, ist es aber eigentlich kaum – außer den teilweise identischen mitwirkenden. aber glücklicherweise ohne den grimassenkönig jim carrey. die idee und das setting sind aber doch eine ganze andere sache – eigentlich fast noch besser. denn untergründig (sehr untergründig freilich) schwingen hier immer (aktuelle) (umwelt-)politische themen – in anspielungen – mit. und alles nur, um ein gesetz zu stoppen …