Kategorie: pop | »Nächstens mehr.«

Serien-Wissen

am 7. Juli 2012

Das (amerikanische) TV-Serien gerade der letzte kulturelle Schrei sind und so ziemlich alle anderne Künste zumindest in Bezug auf die Aufgabe der Weltdeutung und ‑erklärung abgelöst haben/ablösen, dürfte ja inzwischen jeder mitbekommen haben, spätestens seit auch die klassischen deutschen Feuilletons darüber schreiben.

Besonders viel ernsthafte Literatur zu diesen Formaten gibt es in Deutschland bisher aber nicht. Der diaphanes-Verlag hat jetzt eine kleine Reihe begonnen, die dem abhelfen will: die “booklets”.

Zwei der jeweils um die hundert Seiten (bei großzügigem Satz) starken Büchlein habe ich jetzt gelesen: Simon Rothöhlers (der auch die Herausgabe der Reihe verantwortet) Überlegungen zu “The West Wing” und Diedrich Diederichsens Ausführungen zu “The Sopranos” — das erste, weil mich “West Wing” ziemlich begeistert und das zweite, weil mich Diederichsen ziemlich begeistert …

Das sind auch ganz unterschiedliche Texte. Der Essay — viel mehr ist es ja nicht — von Rothöhler zeigt vor allem, wie “West Wing” als alternative zeithistorische (oder auch politische) Erzählung in Konkurrenz zur Gegenwart funktioniert. Das war mir manchmal etwas dünn und andererseits oft etwas pauschal. Aber vielleicht bin ich auch nicht der ideale Leser, weil ich die Serie (zu) gut kenne.

Interessanter sind Diederichsens Überlegungen zu den “Sopranos”. Das kann wiederum daran liegen, dass ich die nicht so gut kenne, weil ich die Serie nur einmal vor einigen Jahren gesehen habe. Andererseits merkt man aber durchaus den typischen Diederichsen-Denk- und Schreibstil, auf höherem reflexiven und theoretischem, auch theoretisierendem Niveau. Und trotz der durchaus nicht zu verachtenden Abstraktion schien es mir beim Lesen detailreicher. Vor allem aber facettenreicher, weil er die “Sopranos” unter verschiedenen Gesichtspunkten analysiert und beschreibt: Quasi (pop-)kulturgeschichtlich, den intertextuellen Hinweisen (den direkten Zitaten zum Beispiel oder den Songs, die im Hintergrund und im Abspann sowie in der Titelsequenz laufen) nachgehend; aber auch als Beschreibung/Kritik der amerikanischen Gesellschaft der Mittelschicht; und dann aber auch wieder auf eher individueller Ebene, etwa in Bezug auf Liebesbeziehungen und Lebensziele. Das — und das ist für mich (wie gesagt, es wird auch an meiner stark unterschiedlichen Kenntnis der beiden Serien liegen) ein deutlicher Unterschied zu Rothmüller — ist sehr bereichernd und anregend, so dass die nächste Schau der Serie gleich mal wieder auf die Todo-Liste gewandert ist.

Den Schluss daraus möchte ich mal als Beispiel zitieren:

Die “Sopranos” — und mehr noch die spätere Serie “Breaking Bad” — haben immer auch den Umstand artikuliert, dass Leute, die eigentlich nichts anderes wollen als ein Häuschen in der Suburbia, nicht anders überleben können als durch Kapitalverbrechen. Und umgekehrt, dass diejenigen, die gewohnheitsmäßig Kapitalverbrechen begehen, nicht anders leben wollen als der Rest der Mittelklasse. Dies ist bei Arbeitslosigkeit, Lohnabbau, Deindustrialisierung, Prekarisierung nicht mehr möglich — daher muss man so leben, wie die Mafia schon lange lebt. Das alltägliche Leben fühlt sich eh schon die ganze Zeit an wie ein Kampf gegen das Gesetz. Das einzige, was dieses Leben noch überstrahlt, gelegentlich über seine hündische Immanenz hinausweist, sind die Songs, die alle kennen, die ihnen fortgesetzt zugeordnet werden: große Songs, vertrottelte Songs, klassische Balladen, Madrigale, Rap, Rock’n’Roll. […] Die Gegenkultur und ihre Überreste, aus der die Songs kommen, die das Leben in einer Verbrechen-um-zu-Überleben-Mittelklasse mit Transparenz ausstatten, müssen natürlich unter ihrer Last zusammenbrechen. Am traurigsten und zugleich besonders evident wird das, wenn ein Song so direkt einer Person zugeordnet wird, dass das Lacan’sche Diktum, wonach das Subjekt immer im Futur II existiert, sich nicht nur vollendet, sondern dieses Futur II, der auf eine Zukunft, die Vergangenheit geworden ist, gerichtete Entwurf, von dem Entwerfenden wiedererkannt wird.(98f.)

Als drittes ist übrigens zum Start der booklet-Reihe noch ein Text von Daniel Eschkötter zu “The Wire” erschienen. Aber damit — also mit “The Wire” — kann ich bisher gar nichts anfangen.

Simon Rothöhler: The West Wing. Zürich: diaphanes 2012 (booklet). 96 Seiten. 10 Euro. ISBN 9783037342121.
Diedrich Diederichsen: The Sopranos. Zürich: diaphanes 2012 (booklet). 112 Seiten. 10 Euro. ISBN 9783037342114.

von der alten zur neuen synagoge

von Matthias

am 17. September 2011

in musik, pop

„glücklich unperfekt“ — darauf muss man erst einmal kommen. vor allem, wenn man sein metier so gut beherrscht. von „unperfekt“ kann man bei sängerin sharon brauner eigentlich nicht sprechen. aber glücklich macht sie ihr publikum in der mainzer synagoge schon. vor allem fühlt sie sich offenbar wohl auf der schrägen bühne im schrägen bau – nur die schrägen töne blieben aus.

sharon brauner, die berliner sängerin, ist dabei fast allein. nur eine ganz minimalistische band hat sie dabei – einen uralten e‑bass, ein ganz, ganz kleines schlagzeug und ein klavier – mehr ist nicht nötig. na ja, ab und an schon: wenn sharon brauner zwischendrin mal eben zur jane hendrix von berlin wird und sich für eine kurze weile auf der ukulele austobt. zum beispiel im verkupplungslied über die jüdische mutter, die nicht nur obst und gemüse, sondern immer wieder auch einen heiratskandidaten für ihre tochter vom markt mit nach hause bringt. oder wenn sie till brönner, der leider, leider nicht mehr ins auto passte, mit der spielzeugtrompete so gut ersetzt, dass man ihn fast gar nicht vermisst.

immer ist das lebendige energiebündel nett bis in die zehenspitzen und immer singt sie entspannt mit viel spaß, ohne nachlässig zu werden. und immer wird sie sorgsam unterstützt von ihrer band, vor allem dem inspirierten helmut bruger am klavier.

nett – und größtenteils unverfänglich – auch ihre musik: alte jiddische lieder, etwas chanson, eine menge swing: ein wilder stilmix ist ihr programm, der auch vorm tango nicht halt macht. der aber, vor allem durch die professionalität der musiker, die überall fit sind, eine runde mischung ergibt — eine wohltuend lebendige sogar, die wunderbar für einen abend angenehmer unterhaltung geeignet ist. und die nebenbei noch eine kleine einführung oder auffrischung ins jiddische liefert.

das passiert mal ausgesprochen furios oder auch etwas derber, ein anderes mal auch einühlend und behutsam, wie in ihrer version von bodo wartkes „an dich“. und auch die ein oder andere schnulze dazwischen darf nicht fehlen. schließlich geht es vor allem um eines: die liebe mitsamt ihren höhen und tiefen, ihren launen und überraschungen. und davon weiß sharon brauner eine ganze menge lieder zu singen und geschichten zu erzählen.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

schleichende begeisterung

von Matthias

am 20. Oktober 2009

in pop

ich höre ja, das ist eine art geständnis, element of crime recht gerne. insbesondere seit “romantik” haben sie es mir immer angetan. ein etwas sündiges begehren ist das, weil ich sonst eigentlich eher etwas komplexere, avancierte ästhetische programme und konzepte schätze. aber manchmal ist so ein bisschen seichter pop auch nicht schlecht ;-). denn auch wenn gerade die texte immer wieder sehr gepriesen werden — im grunde bleibt es alles sehr harmlos hier.

das neueste album, “immer da wo du bist bin ich nie”, schien mir dann aber zunächst, beim ersten und zweiten hören, doch arg platt geraten. aber, das ist das gemeine bei element of crime der letzten jahre, sie schleichen sich doch in die gunst der hörer ein. inzwischen hat mich auch die neue cd ziemlich gepackt. die musik ist ja im großen und ganzen immer noch dieselbe — ein bisschen mehr tex-mex-anklänge, aber sonst bleibt es beim bewährten sound. aber eben ziemlich gut gemacht: eingängige, sehr eingängige melodien, nett harmonisiert, tight gespielt, ohne irgend jemand zum widerspruch aufzuregen — deutsche konsensmusik at it’s best … die texte, zunächst, hatte mich ziemlich genervt: dieses bemühen um kunstvolle naivität, diese wollen um jeden preis, das aus fast jeder zeile spricht — nervig.

thematisch ist das natürlich extrem einfallslsos — der plattentitel [ein fast-zitat übrigens des ersten verses von delmenhorst vom mittelpunkt der welt], zugleich liedtitel #6 (auch da ohne komma), verrät eigentlich alles. aber das element of crime vorzuwerfen ist ungefähr so sinnvoll wie den metzger dafür anzuklagen, dass er keinen käse verkauft. da sind es halt doch dann doch die “netten” formulierungen, die es wieder rausreißen, die ins bewusstsein einsickern und zunehmend zustimmung und freude hervorrufen … aber genau auf das einsickern kommt es offenbar an: beim ersten hören ist das nicht unbedingt auffällig, vieles geht glatt vorüber (und je nach stimmung ist man, d.h. bin ich, gelangweilt oder genervt). an vielen feinheiten erfreut man sich erst beim x‑ten hören. und das ist wiederum ein großer vorzug der element-of-crime-musik: sie verträgt das ofte hören erstaunlich gut. weil sie, trotz ihre bescheidenen ästhetik und scheinbaren stromlinienförmigkeit, genügend details dafür bietet.

inzwischen bin ich schon fast begeistert … es gibt auf jeden fall schlimmeres, als das zu mögen.

Why, oh why …

von Matthias

am 9. Oktober 2009

in literatur, pop

“Why, oh why do the birds
Do all the flying
It could be me

Taking everything southern
The weather is warmer
Good place to be

Why, oh why do the bees
Need a beekeeper
Let them alone

Taking all of their honey
Isn’t it greedy
Leaving them none”
(The Bird and The Bee, Birds and Bees)

angebissen: der don-camillo-chor auf cd

von Matthias

am 5. Juli 2009

in kritik, musik, pop

Musik dazu verwenden, jemanden zu verführen, ist keine neue Idee. Das Opfer mit der Musik als Köder zur Musik zu begehren, ist schon etwas ungewöhnlicher. Und wenn ein Chor das dann auch noch so offen und direkt unternimmt wie der „Don-Camillo-Chor“ aus dem Münchner Umland, dann gehen jeder Zielperson schnell die Argumente für den Widerstand aus.

Das liegt, wie ihre neueste (und erste) CD mit dem passenden Titel „Good Bait“ beweist, zu großem Teil an der jugendlichen Frische und dem unbändigen Überschwang, mit dem der gesamte Chor sich auf sein Repertoire vorwiegend aus Jazz und Pop stürzt. So eine freizügige Freude teilt sich dem Hörer in jedem Moment mit, dass er mit dem größten Vergnügen anbeißt.

Das Vergnügen ist allerdings nicht nur ein Verdienst der Sänger und ihres Chorleiters, der sie immer wieder knackig auf den Punkt fokussiert. Es liegt zu einem großen Teil auch an den angenehm einfallsreichen Arrangements, die mehrheitlich vom Dirigenten selbst oder aus der bewährten Feder des um keine Pointe verlegenen Oliver Gies stammen.

Das reicht vom feurigen „Chili con Carne“ aus dem Fundus der „Real Group“ über aufgefrische Swing-Klassiker bis zu – in ihren komplexen Arrangements kaum noch erkennbaren – Pop-Hits der letzten Jahrzehnte. Mit einer recht freien Bearbeitung von Brahms’ „Guten Abend, gut’ Nacht“ beweist der Don-Camillo-Chor dann nebenbei auch noch, dass er mehr als nur reiner Jazz-Pop-Chor ist: Diese jungen Sänger und Sängerinnen fühlen sich in vielen Gefilden zu Hause. Mit Recht. Denn „Good Bait“ ist nicht nur eine schöne, gelungene Leistungsschau, sondern auch einfach gute Unterhaltung.

Don Camillo Chor: Good Bait. Spektral SRL4-09049, 2009.

(geschrieben für die neue chorzeit)

schräge musik

von Matthias

am 23. April 2009

in pop

schräge musik

(via textundblog)

hoffnung und ihre erfüllung (musikalisch): esperanza spalding & triband

von Matthias

am 5. April 2009

in kritik, musik, pop

Eigentlich hätte auf der Eintrittskarte ein Warnhinweis stehen müssen. Der Jazzminister warnt: Der Genuss dieser Musik verändert ihr Jazz-Bewusstsein. Denn was Jazztoday jetzt im Frankfurter Hof präsentierte, hat mit traditionellem Jazz ungefähr noch so viel zu tun wie ein moderner Synthesizer mit einem ehrwürdigen Konzertflügel – wenig, sehr wenig sogar. Aber das macht ja nichts. So lange es Spaß macht. Und genau dafür ist Esperanza Spalding mit ihrem Trio zum ersten Mal aus Amerika nach Deutschland gekommen.

Spalding ist eine junge Musikerin, die sich nicht zwischen dem Singen und dem Bass entscheiden kann – und deshalb einfach beides macht. Und mit Erfolg: ihre steile Karriere führte sie im Februar bis ins Weiße Haus. Und jetzt nach Mainz. Da machte sie schon mit dem Opener klar, wohin die Tour geht: „Jazz ain’t nothin’ but soul“. Sofort ist die Band mitten im Groove, Otis Brown am Schlagzeug wirkt dabei stellenweise wie ein Drumcomputer. Und während Esperanza Spalding mit flinken Fingern ihren funky Bass wirbeln lässt und dazu noch gleichzeitig locker die Stimmbänder im Scatgesang tanzen lässt, zeigt vor allem Pianist Leo Genovese – auch mit der Melodica – seine verspielte Seite. Denn egal ob es Jazzstandards oder etwa Wayne Shortes “Endangered Species” sind: Das Quartett mach sich alles zu eigen, addiert seine voll gepfropften Arrangements, die nur ein Ziel kennen: Das Ergebnis muss Spaß machen. Und da kommen sie immer an, bis zur Pause ist kompromisslos gute Laune angesagt.

Triband kündigte sich danach dann selbst mit „ihr Kontrastprogramm für heute abend“ an. Und das war nicht übertrieben – jetzt war Schluss mit lustiger Spaßmusik. Das deutsche Quartett ist ja schon einige Jahre unterwegs und hat in der Zeit ihre Musik noch verfeinert: Zu einer wahren Feier der Subtilität mit Hang zur nachdenklicher Melancholität. Aber nicht resignierend, sondern die Wirklichkeit einfach umarmend: Gefühlslagen des Individuums nach der Postmoderne besingen sie in Songs wie „Somebody else“. Und mit echten Live-Qualitäten. Am deutlichsten wurde das in „Where did all the love go“ oder dem grandiosen „Dizzy Day“ am Schluss des Abends. Etwas Pop ist in dieser Mischung, natürlich steuert auch die Jazzgeschichte einige Ingredienzen bei, der Funk ist auch nicht spurlos an ihnen vorürber gegangen. Aber die Klangtüftler, die so ganz in ihrer Musik aufgehen, bauen daraus etwas Eigenes: Sandie Wollasch singt immer klar und minimal verspielt. Der Bassist Paucker – wie Sebastian Studnitzky ein echter Multiinstrumentalist (auch so eine Grenzüberschreitung …) gibt sich mit jeder Faser des hageren Körpers der Musik hin, tanzt um und mit Bass und Analog-Synthesizer, während Tommy Baldu die brodelnden Rhythmen zum Tanzen bringt. Und dieses Gebräu ist so wirkungsvoll, dass es auch das anfangs nur zurückhaltend reagierende Mainzer Publikum in seinen Bann zieht.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

harte männer ganz sanft: rammsteins “engel” a‑cappella

von Matthias

am 10. März 2009

in kritik, pop

Mutig ist es, was der Bosse-Verlag macht: Seine neue Reihe „Bosse Hits a‑cappella“ gleich mit Rammsteins „Engel“ zu eröffnen. Denn vielen ist Rammstein in Deutschland (im Ausland übrigens im Grunde gar nicht) immer noch ein Ärgernis. „Engel“ ist aber sicherlich eines der unverfänglichsten Lieder. Und zugleich einer der großen Erfolge der umstrittenen Band, der Durchbruch in die größere Öffentlichkeit vor über zehn Jahren.

Was der Bosse-Verlag nun vorlegt, ist aber nicht so sehr eine a‑cappella-Version des Rammstein-Songs, sondern eine noch einmal bearbeitete Version – für gemischten Chor sowie Frauenchor/Männerchor – des Maybebop-Arrangements. Und das Quartett verkehrt die „Neue Deutsche Härte“ des Originals ins ziemlich genau Gegenteil – eine weiche, schmusige Ballade haben sie daraus gemacht. Mit einem recht raffinierten, sehr ökonomischen Arrangement. Das findet sich auch in den vorliegenden Sätzen so wieder – die halten sich nämlich sehr genau ans Maybebop-Original, nur minimale Anpassungen an die verschiedenen Besetzungen hat Oliver Gies noch vorgenommen.

Ein schönes Beispiel ist dieser Satz zugleich, wie sehr eine Bearbeitung den Charakter eines Stückes verändern kann: Die Noten „stimmen“ eigentlich noch ziemlich genau mit der Musik von Rammstein überein. Aber die Reduktion auf vier menschliche Stimmen und die Veränderung der Struktur tun einiges, dem Engelslied jede Härte zu nehmen – damit aber auch viel von seinem eigentlichen Reiz. Jedenfalls ist es ein gut singbares Arrangement, das zwar technisch schon versierte Sänger fordert (etwa beim Zwischenspiel in klassischer Imitationstechnik, eine echte Maybebop-Zutat und ‑Spezialität), sonst aber zurückhaltend bleibt. Und es lässt den Interpreten wiederum einigen Raum – man muss das nicht unbedingt so wie Maybebop singen. Dass ist das große Plus dieser Ausgabe und ihre Aufgabe an Chöre und Ensembles: Einen eigenen Weg zwischen Rammstein und Maybebop zu finden.

Rammstein: Engel. Arrangement: Maybebop/Oliver Gies. Gustav Bosse Verlag 2008. (Bosse Hits a cappella, hrsg. von Stefan Kalmer). Gemischter Chor: BE 721, Frauenchor: Be 722, Männerchor: BE 723. 7 Seiten, 3,50 Euro.

(geschrieben für die neue chorzeit)

feldforschung oder erzählung?

von Matthias

am 28. November 2008

in literatur, pop

am wochenende gelesen: thomas meineckes schmales bändchen feldforschung (frankfurt am main: suhrkamp 2006). der untertitel behauptet, das seien erzählungen. ich habe da so meine zweifel.
eigentlich war ich bisher von meineckes schriftstellerischen arbeiten immer recht angetan: tomboy habe ich vor einigen jahren mit großem vergnügen gelesen, dann auch holz und The church of John F. Kennedy sehr genossen. die voreinstimmung auf diesen band, der als &gdquo;narrativer Beitrag zur im AUgust 2006 eröffneten Aussetlung ‘das achte feld. geschlechter, leben und begehren in der kunst sein 1960’“ entstand, war also durchaus positiv. den hintergrund zitiere ich aus dem klappentext deshalb so ausführlich, weil er wahrscheinlich nicht ganz unwesentlich für die form des textes bzw. der elf stücke verantwortlich ist. vor allem aber, weil er so auffällig noch einmal das wort „narrativ“ bemüht. denn das ist eigentlich der knackpunkt bei diesem werk: wird hier überhaupt erzählt? ist es erzählen, wenn seitenlang die diskussion einer englischsprachigen mailingliste über drag queens und kings bzw. ihre zwischenstufen und überlagerunge und deren angemessene und korrekte bezeichnung zitiert wird? oder ist das zitat nur fiktion? die personennamen sind jedenfalls real und könnten auch — nach einer kurzen internetsuche — zu den entsprechenden aussagen passen. eigentlich ist es aber egal, denn die wirklichkeit ist offenbar nur noch der/ein/ text — und das heißt ja auch, dass wirklichkeit (und erst recht natürlich mimesis) kein kriterium mehr ist. also, die frage bleibt aber auch unabhängig von der fiktionalität dieser passage: was wird hier eigentlich erzählt? natürlich geht es um geschlecht(er), um ihrer konstruktion, wahrnehmung etc. — fast hätte ich geschrieben: das übliche meinecke-thema. aber noch einmal: ist das erzählt? es wir ja nur „be“-schrieben, nur situationen geschildert. nur ganz selten geschieht etwas, gibt es entwicklungen und nur in wenigen ansätzen gibt es so etwas wie zeit. und das scheint mir doch schon ein merkmal von erzählen zu sein, dass zeit in irgend einer form anwesend ist, eine rolle spielt. wenn überhaupt noch reste sozusagen von dem, was man geläufig unter erzählen fasst, zu finden sind, sind sie ganz meinecke-typisch neutralisiert¹: das grundsätzliche präsens zum beispiel. die unklarheit von gender/sex der erzählstimme — wo es sie noch gibt. zum beispiel in mister gay, der rekonstruktion eines überfalls auf eine schwulenbar, bei der es natürlich auch wieder um die verschwimmenden grenzen geht: die übergänge von realität in fiktion, von bericht (dessen stilmittel vorherrschen) zur erzählung zum drehbuch, von psyschicher „normalität“ zu „krankheit“ usw. usf. oder, auch eine eher spezielle art des erzählens: odysee, wo der text nur noch aus einer zeittafel und der — deutenden — überschrift besteht.
da ließe sich bestimmt noch viel mehr dazu sagen. aber ob es sich lohnt? denn immer wieder dreht es sich aber — in dieser häufung dann auch schon sehr penetrant — um die unklarheiten des geschlechts, seine konstruktionen, seine identitäten (und deren konstruktionen)² und so weiter: „schon als kleiner junge war sie“ (63). wer das aber kapiert hat — und die meinecke-leser kennen das ja eh’ schon -, dem ist eigentlich auch schon alles klar, was diese texte wollen. und der rest ist vor allem langweile.

Show 2 footnotes

nichts für müde beine oder müde ohren: candy dulfer in mainz

von Matthias

am 19. November 2008

in kritik, pop

„Candy Store“ steht in großen Buchstaben über der Bühne geschrieben. Aber das ist irreführende Werbung. Denn was hier über die Bühne geht, ist alles andere als süß. Die niederländische Saxophonistin Candy Dulfer ist es, die mit ihrer Band den Frankfurter Hof aufmischt.
Nach längerer Abstinenz ist die Meisterin des Funk mal wieder in Mainz. Und kaum steht sie auf der Bühne, geht die Party auch schon los. Denn das ist nichts zum Zuschauen, jeder Groove geht in die Beine: Diese Funkattacke würde auch hartgesottene Partymuffel überwältigen – wenn denn welche da wären. Denn die Party findet nicht nur auf der Bühne statt, sondern auch davor. Kein Wunder – schließloich präsentieren sich die Musiker vom ersten bis zum letzten Ton energiegeladen und spaßgetrieben. Das ist sozusagen die perfekte Novembermusik.
Dafür bedient sich Candy Dulfer wieder einmal ausgiebig vom reichhaltigen Funkbuffett. Trotz der Fülle schmeckt es aber ausgezeichnet. Oder gerade deswegen. Denn das ist alles andere als ein chaotisches Sammelsurium. Sondern eine perfekt abgestimmte Menüfolge. Nicht ohne Verdienst daran ist die Crew, die die Chefköchin Dulfer unterstützt. Das Zusammenspiel ist ausgesprochen dicht. Deutlich wird das noch einmal, wenn sie für das Finale einen großartigen Groove über mehrere Minuten schön sorgsam von unten Stück für Stück, Instrument für Instrument aufbauen – da bleibt niemand unberührt, da kocht der Saal beinahe über. Es ist aber auch wirklich ein Groove der Extraklasse, der dabei herauskommt. Und damit passt er genau zum krönenden Abschluss. Denn wenn etwas bezeichnend für Dulfer und ihre Band ist, dann ist es die Fähigkeit, alles und jedes grooven zu lassen.
Ein bisschen etwas Wahres ist also doch dran, an der Verheißung eines „Candy Stores“: Denn die Menge an Zutaten, die vielen Auswahlmöglichkeiten, von denen sich Candy Dulfer und ihre Band bedienen könne, erinnern schon an die überwältigenden Möglichkeiten eines Süßwarenhandels. Einen Zuckerschock bekommt man davon allerdings nicht. Und außerdem ist so ein Konzert auch noch besser für die Figur.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung). was nicht drin steht: der ziemlich mäßige sound im hinteren teil des saales — trotz oder wegen der ziemlich heftigen lautstärke …

Lesen. Hören. Und ein bisschen schreiben.

Kategorie: pop Seite 1 von 3

Serien-Wissen

von der alten zur neuen synagoge

schleichende begeisterung

Why, oh why …

angebissen: der don-camillo-chor auf cd

schräge musik

hoffnung und ihre erfüllung (musikalisch): esperanza spalding & triband

harte männer ganz sanft: rammsteins “engel” a‑cappella

feldforschung oder erzählung?

nichts für müde beine oder müde ohren: candy dulfer in mainz