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ein genia­les kon­zert, das mich wirk­lich sehr berührt hat viel braucht es nicht: ein instru­ment, am bes­ten ein his­to­risch auch pas­sen­des, einen klei­nen sta­pel noten, etwa von robert schu­mann, und einen pia­nis­ten, zum bei­spiel andre­as stai­er. und schon ist frank­fur­ter hof alles ver­sam­melt, was für ein wun­der­ba­res, außer­or­dent­lich bewe­gen­des kon­zert not­wen­dig ist.

denn stai­er gelingt an die­sem abend eigent­lich alles. das ist für einen pia­nis­ten sei­nes rufes zwar fast zu erwar­ten, aber berüh­rend ist es trotz­dem. dabei ist von ihm selbst kaum etwas zu spü­ren. gera­de das ist aber sein gro­ßes erfolgs­ge­heim­nis. denn was hier im frank­fur­ter hof zu erle­ben ist, das ist sozu­sa­gen schu­mann pur. sicher, so genau weiß nie­mand wie sich der kom­po­nist das alles vor­stell­te, als er die noten aufs papier warf. aber das, was stai­er hier dem zier­li­chen instru­ment ent­lockt, scheint eine voll­kom­men plau­si­ble annah­me, wie es damals gedacht wor­den sein mag. dazu trägt natür­lich auch der flü­gel, ein his­to­ri­sches instru­ment, bei. denn sein klang unter­schei­det sich noch erheb­lich von den heu­te übli­chen. viel stär­ker ist der per­kus­si­ve anteil noch zu spü­ren, viel mehr schwin­gen ande­re sai­ten mit und ver­lei­hen jedem klang eine hauch­zar­te, silb­ri­ge hül­le. der anschein der authen­ti­zi­tät mag trü­gen, aber das ist belang­los. denn stai­er zau­bert mit den mög­lich­kei­ten des instru­ments, so beschränkt sie uns heu­te vor­kom­men mögen. er lässt die töne zu zar­ten nebel­schlei­ern ver­wi­schen, lässt den bass rum­pelnd grol­len um weni­ge augen­bli­cke die bril­lan­tes­ten per­len­ket­ten aus dem dis­kant auf­stei­gen zu las­sen. und aus jeder ton­fol­ge, jedem noch so unschein­ba­ren neben­ge­dan­ken, spricht die neu­gier des pia­nis­ten auf die­se musik. denn das ist noch so ein erfolgs­re­zept von andre­as stai­er: selbst wenn er aus dem „album für die jugend“ spielt oder gar die „kin­der­sze­nen“, mit „träu­me­rei“ und all den ande­ren abge­nutz­ten pre­zio­sen – immer wie­der schafft er es, ohne gro­ßen auf­wand den ein­druck abso­lu­ter frei­heit und spon­ta­nei­tät zu erwe­cken. und wie genau er dann jede die­ser klei­nen minia­tu­ren zur voll­endung bringt, wie prä­zi­se und fein­sin­nig er immer wie­der den letz­ten tönen beson­de­re beach­tung schenkt, sie mit unge­heu­rer inten­si­tät und bedeu­tung auf­lädt und das gan­ze so wun­der­bar in sein klang­li­ches kon­zept ein­bin­det, das man als zuhö­rer mit dem träu­men gar nicht mehr auf­hört: das ist ein­fach erst­klas­sig. nur mit dem – immer wie­der sehr vor­sich­tig und zögernd ein­set­zen­den – applaus kann sich das publi­kum da wie­der in die gegen­wart zurückholen.

gut, es gibt den tan­go – der aber auch kei­ne genui­ne kla­vier­mu­sik ist. aber sonst? da kennt man eigent­lich nix wei­ter. vom kon­zert des main­zer pia­nis­ten oscar vet­re war auch mir vie­les nicht bekannt – was ja nichts über die qua­li­tät aussagt.

wer argen­ti­ni­en sagt, muss auch tan­go sagen. das geht ein­fach nicht anders. also muss­te oscar vet­re auch tan­gos mit in sein kon­zert argen­ti­ni­scher kla­vier­mu­sik auf­neh­men. er hat­te aber noch wesent­lich mehr zu bie­ten: viel musik aus dem spä­ten 19. jahr­hun­dert, als sich in argen­ti­ni­en eine eigen­stän­di­ge musik­kul­tur entwickelte.
euro­pä­isch geprägt blieb sie aller­dings noch eine wei­le – fast alle kom­po­nis­ten wur­den in frank­reich oder spa­ni­en aus­ge­bil­det. und so wun­dert es kaum, dass etwa alber­to wil­liams klei­ne kla­vier­stü­cke zwar argen­ti­ni­sche land­schaf­ten und melo­dien auf­grei­fen, im grun­de aber von frü­hen impres­sio­nis­ti­schen wer­ken aus frank­reich kaum zu unter­schei­den sind. oscar vet­re, in bue­nos aires gebo­ren und seit eini­gen jah­ren kla­vier­pro­fes­sor an der main­zer musik­hoch­schu­le, ist nicht nur bio­gra­phisch bes­tens vor­be­rei­tet für die­se musik. er ist zwar nur ein klei­ner mann, aber sei­ne kraft reicht alle­mal, das foy­er der lbs mit sei­ner gräß­li­chen akus­tik zum bers­ten zu brin­gen. die fens­ter­schei­ben hal­ten stand­haft den schall der atta­cken aus dem flü­gel im raum, das publi­kum wird vom kla­vier­klang umtost wie im zen­trum eines orkans. es geht aller­dings auch so man­ches mal wild zur sache in der argen­ti­ni­schen musik. juan joa­se cas­tros „toc­ca­ta“ war dafür ein ganz beson­ders deut­li­ches bei­spiel: aben­teu­er­lich und unge­bän­digt for­dert der kom­po­nist den pia­nis­ten zu einer unwahr­schein­li­chen expe­di­ti­on in die wild­nis her­aus. wild sind nicht nur die anfor­de­run­gen an die vir­tuo­si­tät, wild ist auch die klang­li­che expres­si­vi­tät, die auf­ge­wühl­te stim­mung. vet­re gibt sich aber auch alle mühe, die­se fast besin­nungs­lo­se getau­mel in aller schär­fe zu zei­gen: da ist selbst im absur­des­ten noten­ge­tüm­mel noch jeder ton klar und deut­lich, nichts über­sieht er und über nichts lässt er die zuhö­rer im ungewissen.
vetres chir­ur­gen­mes­ser des glas­kla­ren, ana­ly­ti­schen spiels, das sich in fas­zi­nie­ren­der wei­se mit der lei­den­schaft der musik ver­bin­det, machen dann auch die tan­gos zum genuss. natür­lich darf da astor piaz­zolla nicht feh­len. forsch stürzt sich der pia­nist auch in bekann­te stü­cke wie „sent­i­do úni­co“ oder „ver­ano por­teno“. am bes­ten zeigt sich sein drauf­gän­ge­ri­sches krafspiel bei alber­to ginas­te­ras „tres danz­as argen­ti­nas“, in denen sich moder­nis­men mit folk­lo­re­ein­flüs­sen ver­bin­den. die­se viel­schich­ti­ge musik gibt vet­re zum schluss noch ein­mal gele­gen­heit, die aus­drucks­pa­let­te ganz aus­zu­rei­zen und sei­ne befä­hi­gung zum uni­ver­sal­pia­nis­ten noch ein­mal zu bekräftigen.

da ist mei­ner zei­tungs­kri­tik eigent­lich nix hinzuzufügen:

urück zu den wur­zeln zu gehen muss nicht unbe­dingt ein rück­schritt sein. ab und an müs­sen etwa auch die dozen­ten der vil­la musi­ca sich von den aus­ge­feil­ten extra­va­gan­ten kon­zept­pro­gram­men erho­len und zu den grund­la­gen zurück­keh­ren. zum bei­spiel zu mozart und beet­ho­ven. erho­lung ist in sol­chen fäl­len natür­lich rela­tiv – so rich­tig ent­span­nend ist das weder für die musi­ker noch für das publi­kum. dafür hat­te sich das streich­quar­tett der vil­la musi­ca viel zu anspruchs­vol­le wer­ke aus­ge­sucht: beet­ho­vens opus 127 und das b‑dur-quar­tett kv 589 von mozart – zwei spät­wer­ke, die sich an kom­ple­xi­tät und grö­ße wenig schenken.
und außer­dem spiel­ten die vier erwar­tungs­ge­mäß mit vol­len ernst und vor allem, was noch viel wich­ti­ger ist, mit gan­zem ein­satz und ihrem gesam­ten kön­nen. nicht uner­heb­lich ist natür­lich auch ihre erfah­rung. das zeig­te sich ganz neben­säch­lich am fast blin­den ver­trau­en der musi­ker: sie müs­sen sich kei­ne zei­chen geben, sie kön­nen ganz in ruhe und kon­zen­triert stets stur in ihre noten bli­cken – und trotz­dem unter­ein­an­der und mit­ein­an­der kom­mu­ni­zie­ren. musik, die so ein­ver­nehm­lich im gleich­klang gemacht wird schlägt ohne wei­te­res die brü­cke von podi­um ins publikum.
ein wesent­li­cher grund dafür ist ihre ehr­lich­keit: sie sind eben grund­so­li­de musi­ker. und sowohl die geschlos­sen­heit des ensem­bles als auch die schein­bar uner­schöpf­li­che kraft kom­pri­mie­ren beet­ho­vens streich­quar­tett hier zu einem aus­ge­spro­chen dich­ten klang­ge­we­be. neben­bei gelingt es ihen sogar noch, in die groß­di­men­sio­nier­ten anla­ge, die sie in vor­treff­li­cher klar­heit auf­schei­nen lie­ßen, auch den esprit. den witz die­ses wer­ke ganz selbst­ver­ständ­lich zu integrieren.
bei mozarts quar­tett ver­scho­ben sich die schwer­punk­te dann ein wenig: das klang­bild lös­te sich auf, schon durch die kom­po­si­to­ri­sche gestal­tung, aber auch durch die locke­re spiel­hal­tung des quar­tetts. dabei ver­zich­te­ten sie aller­dings kei­nes­wegs auf ihre unbe­ding­ten, kraft­vol­len impul­se: immer wie­der explo­dier­ten sie bei­na­he vor taten­drang. zwang­haf­te dis­zi­plin leg­ten sie hier eben­so wenig an den tag wie blo­ßes stre­ben nach tech­ni­scher per­fek­ti­on hör­bar stand viel­mehr das tönen­de gestal­ten einer oft aus­ge­spro­chen glut­voll geleb­ten klang­welt im vor­der­grund. ganz so, wie die­se musik ursprüng­lich gedacht war.

so etwas sieht st. peter sel­ten: eine lan­ge schlan­ge win­det sich noch weni­ge minu­ten vor beginn über den vor­platz. die kir­che ist schon lan­ge dicht besetzt, selbst die steh­plät­ze auf der empo­re sind heu­te begehrt: mozarts requi­em ist es, dass die leu­te in mas­sen anzieht. oder sind es doch eher die chö­re des peter-cor­ne­li­us-kon­ser­va­to­ri­ums und der main­zer fachhochschule?
aus wel­chem grund auch immer die zuhö­rer gekom­men waren, sie hat­ten ein durch­wach­se­nen kon­zert­abend vor sich. zur ein­stim­mung gab es ein erst ein mal eine dröh­nen­de ver­si­on des „te deum“ von marc antoine char­pen­tier, das der diri­gent roland r. pel­ger erstaun­lich blass und nichts­sa­gend abwick­len ließ. und vom himm­li­chen lob­preis ging es dann im bru­ta­len schnitt hin­ein in das dun­kel des requi­ems. aber so nach und nach stell­te sich her­aus, dass der wech­sel von char­pen­tier zu mozart doch nicht ganz so hart war: immer stär­ker ließ pel­ger das requi­em näm­lich auch wie­der eine rie­si­ge ruhe aus­strah­len und schuf damit eine stim­mung gläu­bi­ger gelas­sen­heit, die sich trotz aller ver­zweif­lung und todes­not umfan­gen und gebor­gen weiß. nicht, dass pel­ger damit ein rei­nes kuschel-requi­em abge­lie­fert hät­te. die mar­ki­ge pathos-keu­le wird von ihm und sei­nen mit­strei­tern durch­aus wuch­tig geschwun­gen. dabei fehl­te aber oft das gespür für das rech­te quan­tum. im beginn des dies irae zum bei­spiel erschlug er damit kon­se­quent jede nuan­cie­rung und fein­heit. was dann aber doch ent­täu­schen muss­te, war die schnel­lig­keit, mit der sich sol­che grund­sätz­lich posi­ti­ven ansät­ze immer wie­der in belang­lo­sen all­ge­mein­plät­zen ver­lo­ren. doch da pel­ger das feu­er immer wie­der neu ent­fa­chen konn­te, pen­del­te das requi­em stän­dig zwi­schen inten­siv gefühl­ter span­nung und lascher par­ti­tur-exe­ku­ti­on. immer­hin ver­füg­te er über gut prä­pa­rier­te chö­re, die mit ihrer jugend­li­chen geschmei­dig­keit leich­tes spiel hat­ten. auch die solis­ten sind durch­weg bewähr­te kräf­te: die klar strah­len­de nico­le tam­bu­ro genau­so wie bar­ba­ra arne­ke, die ihre kraft­vol­le stim­me erfreu­lich genau dosier­te. dazu noch der soli­de, unbe­irr­ba­re bass von dani­el böhm und der hell her­au­ste­chen­de dani­el sans: die sän­ger füg­ten sich fast zu unauf­fäl­lig ein. denn wesent­li­che impul­se konn­ten sie nicht bei­steu­ern, das steu­ern über­lie­ßen sie ganz und gar pel­ger. der hat­te damit auch kei­ne pro­ble­me und hielt kla­ren kurs – nur sein antrieb schwä­chel­te eben von zeit zu zeit.

ja, sie kön­nen. und nicht ein­mal schlecht. gut, das reper­toire ist recht ein­ge­schränkt – ech­te meis­ter­wer­ke gibt es wohl nicht. und der klang wird auch sehr leicht bloß flä­chig und ein­tö­nig. aber die bratschen­grup­pe des main­zer phil­har­mo­ni­schen orches­ters hat das trotz­dem nicht schlecht gemacht – sehr unter­halt­sam mode­riert von mal­te schae­fer, ein net­ter abend (auch wenn die zuga­be, an der schö­nen blau­en donau, etwas über­pro­por­tio­nal lang war…)

es sind dann doch ein paar mehr gewor­den. eigent­lich woll­te mal­te schae­fer ja kei­ne wit­ze erzäh­len, son­dern sein publi­kum in die unbe­kann­te welt der musik für drei bis acht brat­schen ein­füh­ren. aber irgend­wie muss­te der solo­brat­scher des phil­har­mo­ni­schen orches­ters im klei­nen haus ja die vie­len umbau­pau­sen über­brü­cken. und die aus­wahl an brat­schen­wit­zen ist ja auch sehr groß. ganz im gegen­satz zum reper­toire für meh­rer vio­len ohne irgend wel­che ande­ren, stö­ren­den beglei­ter. und das weni­ge, das es gibt, ist selbst­ver­ständ­lich voll­kom­men unbe­kannt, nicht ein­mal die namen ihrer schöp­fer sind geläu­fig. wer tut sich auch frei­wil­lig so etwas wan, acht brat­schen pur und ohne ablen­kung? vie­le scheint so etwas nicht zu inter­es­sie­ren, weder kom­po­nis­ten noch zuhörer.
aber denen ent­geht doch eini­ges. zum bei­spiel die „fan­ta­sia for four vio­las“ des eng­li­schen erz­ro­man­ti­kers york bowen. nein, den muss man wirk­lich nicht ken­nen. aber sei­ne fan­ta­sia ist trotz­dem bedrü­ckend schön – vor allem, weil sie sich der klang­welt der vio­la voll und ganz aus­lie­fert. es ist aber auch ein span­nen­der hör­kri­mi bei nacht und nebel, mit ver­fol­guns­jag­den, hit­zi­gen ver­hö­ren und müh­sa­mer spu­ren­su­che. die vier musi­ker spie­len das aber auch mit einer sol­chen hin­ga­be und tie­fen, aus­drucks­vol­len ver­sen­kung, das man ihren ver­füh­run­gen und über­zeu­gungs­küns­ten voll­ends aus­ge­lie­fert ist. fast genau­so ver­lo­ckend prä­sen­tie­ren sie auch max rit­ter von wein­zier­ls „nacht­stück“. das ist in den meis­ten tei­len sei­nes epi­so­den­haf­ten ver­laufs wun­der­bar zart, luf­tig und son­nig – das brat­schen so unbe­schwert klin­gen kön­nen, ist hier noch eine über­ra­schung. es wur­de dann aber schnell zur selbst­ver­ständ­lich­keit. denn die main­zer bratschen­grup­pe mach­te wirk­lich ernst und zog auch musik der leich­te­ren fas­son her­an: leo­nard ber­steins „some­whe­re“ etwa, oder jean paul mar­ti­ni­nis „plai­sir d’amour“ – für sol­che schmacht­fet­zen ist der war­me, fül­li­ge klang der vio­la natür­lich bes­tens geeignet.
damit war das oktett aber noch lan­ge nicht zufrie­den. sie haben dem chor­di­rek­tor sebas­ti­an her­nan­dez-laver­ny auch noch eine kom­po­si­ti­on ganz spe­zi­ell für ihre beset­zung ent­lockt: „intro­duk­ti­on, can­ta­bi­le und phan­tas­ti­sche fuge“ heißt die urauf­füh­rung. und sie hat es wirk­lich in sich. im leich­ten spiel der ver­satz­stü­cke wer­den die tech­ni­schen fähig­kei­ten der strei­cher außer­or­dent­lich gefor­dert. und auch die zuhö­rer muss­ten sich anstren­gen, in der acht­stim­mi­gen fuge nicht den über­blick zu ver­lie­ren. ver­wick­lun­gen gibt es in die­ser phan­tas­ti­schen mix­tur mehr als genug – aber ein publi­kum, das sich frei­wil­lig acht brat­schen anhört, hält auch das aus.