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Es ist fast wie bei einer Fami­li­en­fei­er. Nur der Jubi­lar ist lei­der nicht erschie­nen. Das wäre auch selt­sam, denn gefei­ert wur­de immer­hin der 175. Geburts­tag von Johan­nes Brahms. Die Musik­hoch­schu­le hat dazu in die Vil­la Musi­ca ein­ge­la­den. Bes­ser gesagt: Hans Chris­toph Bege­mann hat gebe­ten. Und als form­voll­ende­ter Gast­ge­ber begrüßt der Bari­ton Gäs­te selbst­ver­ständ­lich per­sön­lich – und erläu­tert auch erst­mal, wie das Pro­gramm rich­tig zusam­men­ge­setzt wer­den muss, damit die Lied­tex­te auch in der rich­ti­gen Rei­hen­fol­ge ste­hen. Das war dann aber auch schon der ein­zi­ge Feh­ler, der hier passierte.

Denn der Lie­der­abend zu Ehren des Meis­ters gelang ihm ganz ausgezeichnet.Dafür hat er nicht ohne Plan im reich­hal­ti­gen Lied­schaf­fen des Jubi­lars gewil­dert, son­dern gezielt nach Lie­dern auf Tex­te von Georg Fried­rich Dau­mer gesucht. Der wur­de von Brahms zwar recht hoch geschätzt, von der Nach­welt aber kaum. Das ist durch­aus ver­ständ­lich, denn wirk­lich gro­ße Dich­tung sieht ein wenig anders aus. Aber wie so oft tut das den Lie­dern, sobald sie erklin­gen, über­haupt kei­nen Abbruch.

Doch der ver­ges­se­ne Dich­ter stört in der Vil­la Musi­ca nie­man­den. Denn der sym­pa­thi­scher Bari­ton lässt sich davon nicht wei­ter beein­flus­sen und legt sei­ne nicht unbe­trächt­li­che Kunst­fer­tig­keit in den Vor­trag. Mit sei­ner etwas kör­ni­gen Stim­me, die weder zu fins­ter noch zu strah­lend klingt, ist er genau der rich­ti­ge Mann, um den inti­men Salon der Vil­la Musi­ca pracht­voll aus­zu­fül­len. Vor allem aber, und das wür­de wohl Brahms und Dau­mer glei­cher­ma­ßen erfreu­en, sang er immer mit Gewicht und Nach­druck. Schließ­lich geht es ja auch um viel, um alles eigent­lich: Sehn­sucht, Lie­be, Ein­sam­keit, Tod – die klas­si­schen Lied­the­men der Roman­tik eben.

Der ganz kla­re Höhe­punkt in die­ser Rei­he war der Zyklus mit der Opus-Num­mer 32, der Dau­mer und August von Pla­ten zusam­men­führt. Bege­mann gelang es näm­lich, die Span­nung auch bei den alt­be­kann­ten Lie­dern immer wie­der neu auf­zu­bau­en: Alles ist ihm ernst, nichts geschieht leicht­hin – selbst Iro­nie und Witz sind Arbeit und künst­le­ri­sche Anstren­gung. Beson­ders sein ziel­ge­rich­te­tes Sin­gen ermög­licht die vol­le Ent­fal­tung jedes Lie­des: Nie ver­säumt er es, den Kern in Angriff zu neh­men, nie lässt er die Zuhö­rer im Zwei­fel, nie bleibt er undeutlich.

Und Tho­mas Sey­boldt unter­stützt ihn dabei auf ange­nehm prä­zi­se, unauf­dring­li­che Art nicht nur exakt, son­dern auch genau im Aus­druck – und dabei immer sehr syn­chron mit sei­nem Sän­ger: „Nur dein Gefühl ent­hül­le mir, dein wah­res!“ heißt es dabei ein­mal. Das hät­te ein wun­der­ba­res Mot­to für die­sen Abend sein kön­nen. Aber der Geburts­tag des Kom­po­nis­ten war eben naheliegender.

(geschrie­ben für die main­zer rhein-zeitung.)

Sorg­falt geht dem Quar­tett über alles. Fast so, wie man es von Ban­kern und Bau­spa­rern erwar­tet. Denn die Vil­la Musi­ca hat mit dem von ihr geför­der­ten Streich­quar­tett Bian­co-Quar­tett einen Aus­flug von der Bas­tei ins Zen­trum gemacht. Scha­de nur, dass das offen­bar kaum jemand gemerkt hat: Das Foy­er der LBS blieb weit­ge­hend leer. Dabei hät­te sich ein Besuch durch­aus gelohnt. Denn das Bian­co-Quar­tett ist zwar noch sehr jung – sowohl das Ensem­ble als auch die ein­zel­nen Musi­ker –, aber den­noch schon erstaun­lich reif.

Der ers­te Beweis kam von Franz Schu­bert: Ernst­haf­tig­kei­te strahlt das Es-Dur-Quar­tett mit jeder ein­zel­nen Note aus. Mit weich abge­run­de­tem Klang und doch ordent­lich dosier­tem Druck ver­zich­te­te das Bian­co-Quar­tett auf jedes ober­fläch­li­che Auf­trump­fen. Sie ver­sag­ten sich aber auch ganz und gar dem Ver­sin­ken in der Gemüt­lich­keit: Stren­ge Nüch­tern­heit präg­te alle vier Sät­ze. Schu­bert als Klas­si­ker – das ist ein­fach Musik, und sonst nichts.

Das sel­ten gespiel­te ers­ten Streich­quar­tett von Peter Tschai­kow­sky mach­te dann eigent­lich noch deut­li­cher, auf wel­chem Niveau die vier unter­wegs sind. Beson­ders die Gleich­be­rech­ti­gung der Stim­men, für die das Streich­quar­tett immer wie­der gerühmt wird, nah­men sie wesent­lich wört­li­cher als dies vie­le Ensem­bles tun. Dadurch erhiel­ten die Mit­tel­stim­men und das Cel­lo ver­gleichs­wei­se gro­ßes Gewicht. Aber doch blieb ihre Geschlos­sen­heit und ihr aus­ge­wo­ge­ner Klang immer erhal­ten. Der visu­ell inspi­rier­ten Musik Tschai­kow­skys tat das sehr wohl: Immer wie­der neu lies­sen sie ihren Blick über das wei­te Land schwei­fen und mach­ten das Publi­kum auf neue Merk­wür­dig­kei­ten und Schön­hei­ten auf­merk­sam, ohne den beleh­ren­den Zei­ge­fin­ger zu benö­ti­gen. Und wie sie dann zart schmel­zend, fast ver­ge­hend die köst­li­sche Mischung aus Tris­tesse, Melan­cho­lie und eben immer auch einer Spur Hoff­nung, gespeist aus der Erin­ne­rung an ver­gan­ge­nes Glück, des Andan­te aus­brei­te­ten, das war hin­rei­ßend. Das Ende sol­chen Genus­ses ist immer schmerz­lich – aber mit dem def­ti­gen Fina­le, vom Bian­co-Quar­tett stel­len­wei­se fast derb zupa­ckend, die Bögen über die Sai­ten rei­ßend, gespielt, konn­ten sie dann genau die rich­ti­ge Dosis Tem­pe­ra­ment und orches­tra­ler Klang­pracht auf­bie­ten, um die Zuhö­rer wie­der zurück­zu­ho­len – zurück in die Wirk­lich­keit. Und selbst das gelang dem Quar­tett noch mit einer Ele­ganz, die den Ver­lust der Traum­welt schnell ver­ges­sen machte.

(gehört & geschrie­ben für die main­zer rhein-zeitung.)

Die Sage von Undi­ne ist ein alter mytho­lo­gi­scher Stoff: Die Nym­phe Undi­ne, ein Was­ser­geist, kann nur durch Hei­rat eine See­le erlan­gen. Vor allem die Roman­ti­ker haben sol­che The­men geliebt und immer wie­der neu erzählt.

Aber das ist nur eine von vie­len Geschich­ten, die im Kon­zert­saal des Peter-Cor­ne­li­us-Kon­ser­va­to­ri­ums zu hören waren. Denn die Flö­tis­tin Rena­te Kehr hat mir ihrer Kla­vier­be­glei­te­rin Clau­dia Hölb­ling ein Pro­gramm aus­ge­ar­bei­tet, dass sich ganz auf den erzäh­len­den Aspekt der Musik kon­zen­trier­te. Und da war Carl Reine­ckes Undi­ne-Sona­te ein groß­ar­ti­ger Höhe­punkt. Groß­ar­tig nicht nur, weil schon Rei­ne­cke an nichts gespart hat: Aus­schwei­fen­de Har­mo­nik, ein­gän­gi­ge Melo­dien, raf­fi­nier­te Form – die Sona­te zeigt den Roman­ti­ker auf dem Höhe­punkt sei­nes Kön­nens. Und da stan­den die bei­den Dozen­tin­nen des PCK ihm in nichts nach: Weich und sanft flie­ßen die Was­ser, idyl­lisch erhebt sich die Nym­phe. Und das alles geschieht qua­si ein­fach so, ohne Anstren­gung, ganz locker und unauf­ge­regt. Selbst rasant-beweg­te Tei­le wie das Inter­mez­zo wir­ken dadurch fast bei­läu­fig. Auch das Feh­len gro­ßer Ges­ten und empha­ti­schen Pathos hilft, die Geschich­te die­ser Sona­te sehr non­cha­lant zu erzählen.

Auch Clau­de Debus­sy war ein gro­ßer Erzäh­ler. Sei­ne „Geschich­ten aus alter Zeit“ machen das ganz unmit­tel­bar deut­lich. Auch wenn sie wesent­lich abs­trak­ter blei­ben und ihre Inhal­te nur andeu­ten – das ist deli­ka­te Musik. Und die zar­te Raf­fi­nes­se, mit der sowohl Kehr als auch Hölb­ling das aus­kos­ten, macht die­se Stü­cke zu wah­ren Dia­man­ten: Stark kon­zen­triert und unter enor­men Druck hoch ver­dich­tet fun­keln sie mit­ein­an­der um die Wette.

Astor Piaz­zoll­as „His­toire du Tan­go“ stan­den dann für eine ande­re Vari­an­te des Erzäh­lens: Statt Geschich­ten wird jetzt Geschich­te geschrie­ben – die des Tan­gos natür­lich. Das mach­ten die bei­den zwar stil­echt mit Kas­ta­gnet­ten, aber lei­der auch etwas aka­de­misch. So blieb aus­ge­rech­net die Tanz­mu­sik recht tro­cken und steif. Doch selbst das konn­te den Genuss nur gering­fü­gig trü­ben. Denn es blie­ben die klang­li­che Bril­lanz und die per­fek­te Zusam­men­ar­beit der bei­den Musi­ke­rin­nen, die schon das gan­ze Kon­zert hin­durch überzeugten.

(geschrie­ben für die main­zer rhein-zeitung.)

Es ging noch ein­mal wild zu im Gro­ßen Haus. Beim letz­ten Kon­zert für jun­ge Leu­te in die­ser Spiel­zeit ließ das Phil­har­mo­ni­sche Orches­ter sei­nem Publi­kum kaum Zeit zum Luft­schnap­pen: Immer war alles in Bewe­gung, immer ging es drun­ter und drü­ber – so ist es eben auf der hohen See. Denn vom Meer und sei­ne Bewoh­ner unter und auf dem Was­ser han­del­te die Musik.

Mate­ri­al dafür gibt die Musik­ge­schich­te mehr als genug her. Cathe­ri­ne Rück­wardt hat sich vor allem bei den Film­kom­po­nis­ten umge­se­hen. Das ist wun­der­bar spek­ta­ku­lär und zugleich immer so unmit­tel­bar ein­gän­gig, dass sie über­haupt nicht viel erklä­ren muss. Statt­des­sen liess sie ein­fach ihr Orches­ter spie­len. Und das ging mit spür­ba­rer Lust am unkom­pli­zier­ten Schwel­gen im per­ma­nen­ten Klang­rausch voll zur Sache. Von Beginn an fetz­ten sie rich­tig los. Erich Wolf­gang Korn­golds Ouver­tü­re zu „Cap­tain Blood“ gab dem gan­zen Orches­ter viel Arbeit: Die Trom­pe­ten schmet­ter­ten, die Posau­en dröhn­ten und selbst die Schlag­wer­ker hat­ten alle Hän­de voll zu tun. Und so ging es fast aus­nahm­los wei­ter. Ruhe­punk­te boten höchs­tens Anton Rubin­steins Ada­gio aus sei­ner zwei­ten Sin­fo­nie und die zwei Aus­schnit­te aus Clau­de Debus­sys „La Mer“. Die zeig­ten aber auch, dass die sub­ti­len Fein­hei­ten die­ser Klang­bil­der hier nicht so recht am Platz waren und die Musi­ker es die­ses Mal lie­ber hand­fest hat­ten. Dafür gab es ja auch genü­gend ande­re Gele­gen­hei­ten. Mit der bro­deln­den See und der flir­ren­den Span­nung bei der Begeg­nung mit dem wei­ßen Hai aus John Wil­liams’ Film­mu­sik etwa. Cathe­ri­ne Rück­wardt ließ sich von dem gefähr­li­chen Räu­ber übri­gens genau­so wenig ein­schüch­tern wie von den immer wie­der auf­kreu­zen­den Pira­ten: Mit locke­rer Hand führ­te sie ihr Orches­ter sicher und kon­trol­liert. Selbst durch die auf­ge­wühl­tes­ten, wild auf­bäu­men­den Wogen, wie sie etwa Gran­ville Bantocks „Hebride­an Sea Poem“ stür­misch und schrill zeich­net, kommt sie immer wie­der in geord­ne­te musi­ka­li­sche Bah­nen. Bei so viel Lust am puren Klang und soviel Hin­ga­be stör­te auch kaum, dass die Musik sich vor­wie­gend in Kli­schees beweg­te: Die Gei­gen seuf­zen schmach­tend, die Har­fe klim­pert mal ein Arpeg­gio dazwi­schen, die Blä­ser gibt es fast nur in der Blech­va­ri­an­te, die dafür aber auch ordent­lich dröh­nen darf. Das Spek­ta­kel gip­felt dann auch sehr fol­ge­rich­tig in der Musik aus dem „Fluch der Kari­bik“ – kein Fluch, viel­mehr ein Segen an pochen­der, mit­rei­ßen­der Musik.

(geschrie­ben für die main­zer rhein-zeitung)