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Mozarts Großtat — die unvollendete Messe

am 25. August 2006

den beinamen große messe hat sie zu recht, mozarts c‑moll-messe. fertig geworden ist mozart damit zwar nicht, aber was er geschrieben hat, ist schon großartige musik. und zum glück gibt es menschen, die solch einen torso nicht in ruhe lassen können. robert d. levin etwa hat, wie schon einige vor ihm, eine komplette messe aus mozarts materialien gemacht zum glück.

denn trotz der vielen eindrücklichen, nachdenklich-zörgenden momente ist sie im ganzen unzweifelbar eine messe des freudigen bejahens und der beglückung. schließlich ist sie ja auch ganz echte bekenner-musik: mozart hat sie ohne direkten auftrag komponiert, also wohl zumindest teilweise aus einem religiösen und künstlerischen mitteilungsdrang heraus. und das hört man: da ist nichts bloßes handwerk, da ist auch in den ergänzungen von levin übrigens immer die kraft des glaubens spürbar. einen großen teil der beglückung des publikums hat beim mainzer musiksommer aber ralf otto übernommen. denn der dirigent hat für die christuskirche eine hochkarätige besetzung zusammengestellt. der mainzer bachchor singt wieder einmal mit wunderbar weichem klang und nicht nur sehr verständlich, sondern auch begeisternd flexibel. gemeinsam mit der staatsphilharmonie lässt otto nicht nur die strukturen ganz klar hervortreten, sondern verleiht ihnen auch noch eine gehörige portion emotionaler kraft. dafür braucht man ihn nur anzusehen: dieser mann lebt die messe mit dem ganzen körper, vom scheitel bis zur schuhsohle bleibt nichts unbeteiligt. alles an ihm tanzt und jubiliert, leidet und seufzt mit der musik, mit jeder einzelnen note.

so eine enorme begeisterung überträgt sich natürlich auf diejenigen, die den von otto gewünschten klang hervorbringen das orchester, der chor und auch die solisten. denn auch die können mit den grandiosen leistungen des bachchors gut mithalten. vor allem die virtuose sopranistin hélène guilmette und gerhild rombergers gleichermaßen warmer und klar artikulierter alt bezeugen die hohe qualität dieser aufführung. der bass klaus mertens darf allerdings ers kurz vor schluss ein wenig mitmachen. etwas mehr kann daniel sans beitragen wie stets ist auch er bestens in form.

letzlich ist es aber eben immer wieder ralf otto, der mozart messe wirklich groß macht: indem er die dramatischen monumentalklänge mit den innigsten empfindungen spannungsvoll kontrastiert und ausbalanciert, schafft er eine musik, die aufregende verdichtung und entspannung zugleich sein kann. denn die tiefe vielschichtigkeit, die er den tönenden strukturen verleiht, bezeugt den glaubens mozarts auf ganz unmittelbare und überzeugende weise.

singer pur singt lechner und marenzio — zwei stunden renaissance-musik und sonst nix

von Matthias

am 20. August 2006

in kritik

haben sie oder haben sie nicht? man weiß es einfach nicht, aber möglich wäre es schon, dass sich der südtiroler leonhard lechner und der oberitalienische luca marenzio einmal getroffen haben. zu erzählen hätten sie sich schon einiges gehabt nicht nur, weil sie beide 1553 geboren wurden. sondern auch, weil sie sich beide der vokalmusik verschrieben hatten. und weil lechner, das ist nun wirklich ganz sicher zu bestätigen, seinem italienischen kollegen die reverenz erwiesen hat und ein komplette messvertonung auf marenzios madrigal non fu mai cervo bezogen hat. hören kann das heute kaum jemand, aber es reicht, um dem ensemble singer pur den anlass für ihr konzert beim mainzer musiksommer zu geben, das sich ausschließlich der musik dieser beiden zeitgenossen der renaissance widmet. im grunde ging es auch vor über vierhundert jahren in der musik immer nur um das eine: die liebe. dafür stehen die vertonungen aus dem hohelied salomos. und natürlich ist die liebe auch damals schon oft genug eine schmerzliche erfahrung gewesen von allen liebenden bi ich der unglücklichste heißt es in einem madrigal von luca marenzios. das gemisch aus liebe und leid wird dann noch mit ein wenig religiösität, also geistlicher musik, vermengt und schon sind die üblichen zwei stunden wieder vorbei. den sängern ist die unnatürlichkeit dieser anhäufung von vokaler kunstfertigkeit natürlich nicht entgangen. und sie tun einiges, um die situation wieder auzulockern. schon die programmauswahl ist der erste schritt in die richtige richtung: lieber ein paar kleine nummern als eine große komposition. aber singer pur gehen noch ein entscheidendes stück weiter. denn im gegensatz zu vielen anderen vokalensembles sind sie keine reine klangfetischisten. nein, ihnen ist die lebendigkeit der musik viel wichtiger und dabei muss es auch einmal etwas rauer zugehen dürfen, wenn die töne und texte es so wollen. denn oberstes gebot für die fünf sänger und ihre weibliche mitstreiterin ist die möglichst genaue verbindung von textdeutlichkeit und deutlicher artikulation. dafür greifen sie nicht nur auf eine breite und sehr ausgefeilte dynamik zurück, sondern wählen auch ihre tempi entsprechend. das erst und ander kapitel des hohen liedes salomonis von leonhard lechner wird so zu einer unvermutet dramatischen, fast theatralischen musik. und für ein zartes strophenlied wie lechners ich weiß ein blum schwenken die sänger dann ganz plötzlich auf einen vollkommen anderen, strahlenden klang um. besonders zum tragen kommt ihr dramatisches interpretationsgeschick aber bei den madrigalen von luca marenzio. das großartige non fu mai cervo ist hier ein wahres fest der vielfalt: jeder wort hat schon der komponist mit seinem eigenen klang versehen. und singer pur verhilft in st. peter jedem dieser klänge zu seiner eigenen, individuellen auferstehung.

soweit meine offizielle meinung. über den sinn solcher unternehmungen denke ich jetzt lieber nicht nach, das würde zu weit führen und mein bett ruft…

von Matthias

am 20. August 2006

in kritik, musik

und der rest des konzertes war auch nicht ganz schlecht — obwohl ich mit dem ganzen tango-kram ja nicht viel anfangen kann…

zum kern vordringen, das ist die vornehmste aufgabe jedes künstlers: zum inneren des werkes, der kunst überhaupt und des lebens sowieso. und das ist eine intellektuelle, emotionale und ästhetische aufgabe, die vielen interpreten erst nach langen jahren der kunstausübung und des lebens gelingt. aber ausnahmen gibt es immer wieder, manchmal gelingt die expedition ins innen sogar jungen musikern. der geiger linus roth scheint zu dieser auserlesenen schar zu gehören. denn beim mainzer musiksommer spielte er sich in die erste liga mit schumanns zweiter violinsonate op. 121. gemeinsam mit seinem pianisten josé gallardo, der nie bloßer begleiter, sondern immer ein fantastisch sensibler partner war, gelang ihm hier das wahre kunststück. schon mit den allerersten akkorden, mit ihrer geballten kraft, ihrer aufrüttlenden klanglichkeit und ihrer scharfen präzision zeigt das duo, wieviel anders die musik seit mozart geworden ist. damit hatten sie ihr konzert nämlich begonnen, mit dessen b‑dur-sonate für klavier und violine kv 454 ein solider auftakt, dem aber ganz eindeutig die inspiration fehlte, die ihre schumann-deutung so berauschend intensiv werden ließ. das besondere war in diesen augenblicken nicht nur die klangliche intensität, die durch ständige balanceakte perfekt austarierte zusammenarbeit. nein, was das wirklich großartig machte, war die zwanglose selbstverständlichkeit, mit der bei ihnen schumanns sonate ihre form erhält: obwohl die traditionellen satzmuster durchaus noch gelten, scheint es im schloss waldthausen so, als sei die musik hier schon auf dem weg zur freien form. und tatsächlich ist genau das ja auch das besondere an dieser sonate: die auflösung von lange geglaubten gewissheiten ins unsichere, ins labile bei schumann wird sich das in seiner psychischen erkrankung noch ganz deutlich manifestieren, dem rest der welt wird es erst einige jahrzehnte später, zu zeiten der moderne, so richtig klar werden. aber genau diese perspektive, die sonate als eine art vorahnung der bedrohungen der moderne für das autonome subjekt zu sehen, macht roths und gallardos interpretation so wertvoll.

diesem gewaltigen kraftakt folgte dann der unaufhaltsame weg ins populäre, dem maurice ravel als brückenglied diente: zunächst mit seiner sonate posthume, eigentlich nur der erste satz einer sonate, bei der sich die beiden musiker etwas mehr treiben lassen konnten, sich mehr der sinnlichen kraft der musik ausliefern durften. mit ravels feiner pièce en forme dhabanera steigerten sie dieses moment noch, um es in astor piazollas le grand tango gipfeln zu lassen und damit war in knapp zwei stunden der weg von mozart bis zum argentinischen tango nuevo bravourös gemeistert.

der erste offizielle halbmarathon

von Matthias

am 18. August 2006

in laufen

am wochenende war es jetzt endlich soweit: mein erster halbmarathon stand auf dem terminkalender — beim 11. güttersbacher volkslauf. güttersbach befand sich am samstag nachmittag im ausnahmezustand: das ganze dorf ein großer parkplatz für die läufer, die straße zeitweise komplett gesperrt, weil die laufstrecke vom start aus zunächst kurz auf der straße richtung olfen geführt wurde, dann aber in richtung grasellenbach zunächst durch die weiden (und die ziemlich verschreckt dreinschauenden kühe) und dann stetig bergauf in den wald zum spessartkopf und am siegfriedsbrunnen vorbei ging. dann ging es auch schon wieder zurück in richtung güttersbach, immer bergab. und kurz vor dem ersten durchlauf des zieles zwischen km 14 und 15 wurde es so richtig steil. das war insofern fies, als es nach dem startbereich eben wie in der ersten runde gleich wieder bergauf ging — das hat nicht nur bei mir voll reingehauen, da ging das tempo auf einmal bei fast allen deutlich runter. sonst war das tempo für einen volkslauf doch ganz schön hoch, immerhin war auch der überwiegende teil der läufer von verschiedenen vereinen, viele aus der bergstraße, darmstadt und heidelberg. vor allem bergab zogen die alle wie die deppen los und ließen mich ziemlich blöd ausschauen. bei der nächsten steigung habe ich dann aber immer wieder einige eingeholt. nur zum schluss ging das eben nicht mehr, denn das ziel war ja am ende einer steilen abwärtsrampe. dort war ich genau nach 1:49:33,3 — doch einige minuten besser, als ich mir vorgenommen hatte. vor allem erheblich besser, als ich in der zweiten runde, so zwischen km 15 und 17, befürchtet hatte. dort war ich nämlich kurz vor dem aufgeben… und der abstieg ins ziel hat mir dann auch wirklich den rest gegeben, danach bin ich halb besinnungslos herumgestolpert. immerhin waren es ja knapp 400 höhenmeter, die auf den 21,1 km zu bewältigen waren. zum glück war das wetter zum laufen eigentlich sehr angenehm: moderate temperaturen, der regen hatte pünklich am vormittag aufgehört und die organisation sowie verpflegung war spitze. wie der halbmarathon an der spitze so aussah, beschreibt übrigens der laufreport.

von Matthias

am 17. August 2006

in kritik, musik

und mit beethoven fällt er dabei ordentlich auf die nase:

eigentlich sollte es ein richtig romantischer klavierabend werden: ausschließlich variationen von brahms, tschaikovsky und schumann wollte nikolai tokarew beim mainzer musiksommer im schloss waldthausen spielen. kurz vor beginn entschied er sich dann aber, statt tschaikovsky thema mit variationen in f‑dur doch lieber beethovens appassionata-sonate zu spielen. und das war kein besonders kluger zug. denn jetzt war es zwar ein rein deutscher klavierabend, aber das half über die unzulänglichkeiten tokarews bei der beethoven-sonate leider auch nicht hinweg. sicher trägt die sonate die leidenschaft schon im titel. aber der ist erstens gar nicht von beethoven und zweitens bietet sie auch noch viel mehr als nur das. doch das tangierte tokarew nur sehr wenig. er stürzte sich mit tiefer inbrunst hinein und produziert dabei viel gefühl, aber auch viel undifferenzierten klangbrei. strukturen, formen, verläufe- für all das, was in beethovens sonaten von so großer bedeutung ist, hat er hörbar überhaupt kein gespür, all das entzieht sich seiner aufmerksamkeit ganz und gar.

auch die dramaturgie größerer zusammenhänge ist sein ding nicht unbedingt. genau deshalb gelingt ihm der rest des abends auch viel besser, nämlich richtig gut. denn schon in brahms händel-variationen zeigt sich, wie viel gewinn es bringen kann, so einem emphatischen pianisten zu lauschen. sicher freut er sich manchmal zu offensichtlich an virtuosen spielereien, aber das fällt kaum ins gewicht. denn intimitäten, kleine details, feinste stimmungsverschiebungen das spürt er ganz genau und das kann er auch ganz präzise und mitfühlend zum klingen bringen. das führt mitunter zu recht exaltierten ergebnissen, aber selbst die sind emotional immer verblüffend genau. denn tokarew fühlt sich nicht nur in jede nuance der musik ein, er errichtet regelrechte parallelwelten des klangs, die ganz und gar aus gefühlen zu bestehen scheinen. das wurde vor allem bei den sinfonischen etüden von robert schumann deutlich. tokarew gelingen hier noch einmal großartige momente aber es bleiben momente, die mehr oder weniger unvermittelt nebeneinander stehen. und es wird bei ihm wieder zu musik, die den verstand nicht braucht und will: wer sich ganz aufs mitfühlen und mitempfinden einlässt, dem beschert nikolai tokarew viele intensive erfahrungen.

soweit mein “offizieller” text zum ersten von mir besuchten konzert des diesjährigen mainzer musiksommers. richtig echauffiert habe ich mich dabei aber weniger über die musik — das ist zwar überhaupt nicht mein fall, diese art von interpretation — sondern über das vorwort im programmheft, gezeichnet von peter stieber, swr2 landesmusikdirektion, und dem mainzer kulturdezernente peter krawietz. was die beiden da für einen unsinn verzapfen, ist reichlich ungeheuerlich. das fängt schon mit dem ersten satz an: “einen platz auf dem imaginären siegertreppchen der kultur-weltmeisterschaft hat deutschland seit jahren sicher” — was soll das denn bitte sein, eine kultur-weltmeisterschaft? ist eine beethoven-sonate besser als eine chinesische oper? wieder mal ein typisches beispiel (und ein ziemlich krasses) für den typisch europäischen kultur-chauvinismus. aber damit ja noch nicht genug, zu richtigen höhenflügen schwingen die beiden (natürlich auch beides männer…) erst später auf: “in der kultur geht es um höchstleitung, unterhaltung, ästhetik, auch um sig oder niederlage.” das ist ja mal wieder echter blödsinn: kultur ist doch kein wettkampf! das ist doch etwas fundamental anderes, in kunst (oder auch allgemeiner kultur) geht es um gelingen und nichtgelingen, um verstehen und nichtverstehen, nicht um sieg — das ist wieder so eine blödsinnige kampfrhetorik, ausgelöst von der bescheuerten fußball-wm.

und genau in dem tonfall geht es dann munter weiter: natürlich wird auch die “kulturnation” deutschland wieder einmal bemüht — auch so ein hanebüchner unsinn, der durch ständige wiederholung auch nicht wahrer wird: haben andere nationen keine oder weniger kultur? was ist das eigentlich für ein antiquierter und unreflektierter kulturbegriff, der hier kursiert? und das bei sogenannten “entscheidern” der kulturförderung! das einzige, was deutschland auf dem gebiet der kultur von anderen nationen unterscheidet, ist doch höchstens seine besonders ausgeprägte und institutionalisierte museale pflege der traditionen des 18. und vor allem 19. jahrhunderts in konzert, theater, literatur und kunst. das schlimmste kommt aber erst noch: kultur, so wird zumindest unterschwellig nahegelegt, ist vor allem eine sache der eliten — auch wieder so ein blödsinn, für den man stieber sofort fristlos entlassen sollte. schließlich ist er in der leitung einer öffentlich-rechtlichen anstalt beschäftigt, die von allen finanziert wird. was hinter solchen ideen für ein demokratieverständnis steht, will ich gar nicht so genau wissen…

doch selbst wenn man den beiden chefs zugute halten will, dass es ihnen ja um etwas positives, den erhalt der kultur, geht (was ich so nicht unbedingt tun würde), ihr argumentationsansatz und ihre begründung ist einfach völlig daneben. “kultur ist eine wertvolle ressource für den gesellschaftlichen fortschritt, sie fördert soziale kompetenz, intelligenz und erhöht die lebensqualität.” und das sehen die beiden als konträr zu den die diskussion bestimmenden “ökonomischen konjunkturdaten”? das ist das dasselbe in grün… man kann sicherlich die kultur im rahmen einer teleologischen, mehr oder weniger utilitaristischen ästhetik auf bestimmte ziele und ideale verpflichten (jost hermand tut das ja zum beispiel), aber eigentlich sollte, so meine ich, kultur doch mehr sein. das gilt vor allem für ihren in diesem zusammenhang eigentlich gemeinten teil, die kunst. die sollte nämlich außerdem auch einen eigenwert haben (von autonomie muss man ja noch gar nicht unbedingt reden), sonst ist sie doch recht eigentlich keine kunst, sondern “nur” eine kulturleistung unter vielen anderen (und bräuchte wohl auch nicht die finanzielle und strukturelle förderung, die sie bei uns — zu recht — erhält). aber die unterscheidung von kunst und kultur ist auch wieder eine kulturleistung, die stieber und krawietz offenbar noch nicht so recht geglückt ist.

Erste Wahl

von Matthias

am 27. Juli 2006

in musik

irène schweizer erfährt ja schon länger meine hochachtung — sie ist einfach eine rundum hervorragene musikerin (diaboliques und die vielen duos bezeugen das immer wieder). und sie versorgt mich auch immer wieder mit ganz spannenden klavier-solo erfahrungen, die weit über das hinausgehen, wofür leute wie keith jarrett und konsorten immer noch gefeiert werden. der bezugspunkt ist hier natürlich auch wohl eher cecil taylor — und auf ihre weise darf man irène schweizer durchaus auf taylors stufe stellen.

auch “first choice”, die cd-aufnahme des jubiläumskonzerts im kkl luzern (intakt) besticht durch die typischen schweizer-qualitäten. in erster linie ist da zu nennen: die absolut erstaunliche, verblüffende klarheit der klanggestaltung — hier ist das auch ein verdienst der ausgezeichneten tontechnik. auch die vielseitigkeit ihrer klangfarben ist wieder zu bewundern, v.a. aber — und das macht die cd für mich so besonders reizvoll, weil das meinen momentanten ganz generellen ästhetischen vorlieben ganz besonders gut entspricht — ist es die wahnsinnige luzidität der entwicklung, die mich begeistert: das sind wirkliche akustische lichtblicke, große musik. mehr muss man eigentlich gar nicht sagen. aber man kann.
was mit dieser lobhudelei gemeint ist, zeigen schon die umfassende linien der ersten großen improvisation, first choice: zwanzig minuten, die wie im fluge vergehen, ganz ohne großes trara, aber voller ideen und einfälle, diein ihrer gesamtheit einen absoluten flow erzeugen — aber, und das ist eben schweizers genie, man muss nicht aufs ende warten, um die genialität und frische dieser musik zu erfahren — sie steckt nämlich in (fast) jeder note.
mit direkter erfahrbarer motivik und stärkeren energetischen impulsen wartet dann “into the hall of fame” auf, immerhin auch noch fast 10 minuten improvisiertes spiel an den tasten. dann kommen noch einige kleinere stücke, mit klassikern — schweizeres eigene komposition “the ballad of the sad café” etwa: sehr zurückgenommen, schlicht und einfach melancholisch schwebend, eben “sad”, aber auch sehr “fein” und kultiviert. wie schweizer überhaupt immer deutlicher auf alles brimborium verzichtet, immer deutlicher den versuch macht, zum kern der ausdrucksgewalt von improvisierter musik vorzudringen, ohne die ganzen überflüssig gewordenen gesten und (revier-)markierungen. beim ersten hören: etwas gemessener, ruhiger im positiven sinne, nämlich poetischer, oft sogar zärtlicher als frühere soli (man denke nur an die “wilde senoritas”!) — dabei nicht verweichlicht, aber doch befreit von der notwendigkeit des revolutionären befreiungsschlages, von der kämpferischen behauptung der freiheit der musik, der improvisation, die sich im kriegerischen tastengewitter entlädt — so etwas findet sich in dieser aufnahme eigentlich gar nicht, zumindest nicht in reinform, nur als bewusstes zitat, motiv, als formbaustein (in “first choice” etwa).

die technischen möglichkeiten, die der freien improvisation am flügel heute, nach jahrzehnten neuer musik und free jazz, zu verfügung stehen, demonstriert sehr schön die fast schon studie oder etüde zu nennende improvisation “scratching at the kkl” — schweizer beschränkt sich dabei in der tat (fast) vollständig auf diese art der tonerzeugung, genauer gesagt, des spiels eines tasteninstrumentes ohne die tasten, nämlich im inneren des flügels, direkt an, auf und neben den saiten. weil schweizer aber eben in erster linie musikerin ist, wird daraus auch wieder echte musik und nicht nur die zum gähnen langweiligen technischen firlefanz-spielereien der huldigungen an den material-fetischismus.

schweizer überführt das eher experimentelle klangstück folgerichtig in “the loneliness of the long distance piano player” — als motto könnte das über große teile ihrer karriere geschrieben werden. erschöpfung, anstrengung der kreativen hervorbringung… das ist offenbar die notwendige kleine atempause, denn mit theolonious monks “oska t.” legt schweizer noch einmal so richtig los, geht sozusagen schon fast in den endspurt: stärker ryhthmisch betont.… dagegen wirkt — für mich — das abschließende “jungle beats ii” doch ein wenig wie ein fremdkörper, etwas leer und ziellos scheint mir das (im vergleich zum anfang der aufnahme vor allem)

kugelblitze sausen quer durch die lüfte und mittenhinein in mein literarisches nervenzentrum

von Matthias

am 24. Juli 2006

in literatur

noch eine frucht des wochenendes: endlich habe ich ulrike draesners letzten gedichtband mit dem titel kugelblitz (münchen: luchterhand 2005) gelesen – er lag ja schon eine weile bereit und hat auch schon zwei anläufe hinter sich gehabt, die allerdings beide ins leere liefen. auch dieses mal reichte die begeisterung nicht für den ganzen band, der in drei große abschnitte (mit vorspiel und nachspiel) unterteilt ist: „(lieben)“, „(kriege)“ und „(später)“. fasziniert hat mich vor allem der erste teil, im zweiten abschnitt fand ich viel mehr routine und langeweile für den leser, der dritte teil zeigt aber dann wieder stark nach oben.

das ist wirklich zeitgenössische, moderne (oder schon zweite moderne?) lyrik. wesentliches, immer wieder auftauchendes moment ist die erfahrung der natur beziehungsweise die probleme mit der erfahrbarkeit von natur, mit dem kontakt zwischen mensch und natur, v.a. die unfähigkeit des verstehens ihrer zeichen und die unerklärlichkeit ihrer vorgänge: „nie / sagte jemand / ein begrefiliches / wort dazu“ (9). ebenso wiederkehrend: die gemachtheit der naturerfahrung. dazu passen die dunklen vergleiche natur – technik/zivilisation, wie sie in der „entenbrust“ der straßenbahn auftaucht. und folgerichtig heißt ein gedicht dann auch „novo e raro miracol di natura“.

natur ist dabei (natürlich [!]) nie einfach nur noch natur, sondern erst in abgrenzung vom menschen zur natur geworden. dabei wird sie aber gerade in ihrer zwitterstellung interessant: natur scheint hier als das andere auf, das große gegenüber – aber (zumindest scheinbar) befindet es sich auch als solches wenigstens teilweise in der verfügungsgewalt des menschen – die elektrizität ist, beim titel des buches nicht verwunderlich, ein gern genutztes bild dafür: „hühner säubern ihr ei während du dir bereits / einen ihrer schenkel in den mund“ (16, novo e raro micaol di natura)

das vordringen der (noch ungebändigten) natur in den zivilisationsraum, das hoheitsgebiet des menschen als vernunftbegabtem tier – dafür steht natürlich schon das titelgebende bild des kugelblitzes: als blitz ist er zwar ein elementares und vollkommen unmittelbares naturereignis. aber er ist es nicht in normaler erscheinung, sondern quasi geformt, in behaupteter (nämlich vom menschen) kugel-form, also einer geometrisch „perfekten“ form, d.h. der blitz wird zu einer rein nach vernunftgründen geformten erscheinung (gedeutet). nicht nur natur wird zur zivilisation, sondern auch und vor allem geschieht der transformationsvorgang in entgegengesetzter richtung, vom menschen in die natur. aber das führt zu reibungen, zu zusammenstößen: die natur bleibt eben auch dann noch, wenn menschen sie nach eigenen „ideen“ formen wollen, „verschlossen“, dunkel und unverständlich: “ er dachte auf ihn. / so verstehen wir ‚natur‘. ist tollwut / wenn einer sich wehrt? ach, es buddelt / nach zufall, pfeift auf gedächtnis, mischt.“ (77)

dazu wird dann vor draesner als kunstvoll erdachter und ausgeführter kontrapunkt das dialogische moment der gedichte (in der ersten und der dritten person, im indikativ und konjunktiv), die anrede des „du“ eingeführt: der versuch, die liebe zu beschreiben, zu konstatieren, zu behaupten und selbstverständlich auch wieder zu formen – samt den notwendig damti einhergehenden zweifeln. der erste große teil des buches heißt nicht umsonst „(liebe)“. und später heißt es einmal: „falls dies stimmt // wird auch das paar eine vermutung sein“ (22). die liebe, also die verbindung von ich und du zum wir, steht dabei genau wie schon das subjekt für sich, immer in frage, ist nicht mehr ohne weiteres als gelingende vorauszusetzen: „das röhrchen der liebe (verloren)“ (28), „sicherer auch // du?“ (30)

das ganze geschieht eigentlich immer in sehr gezieltem aufbau und mehrdeutigkeiten: überlappende sätze ohne gliederungszeichen, perfektion des enjambements, seiner mehrdeutigkeit im syntaktischen sinn sind mittel, die draesner perfektioniert hat. dazu passt auch der hohe grad an reflekiertheit – nie etwas unbedachtes, kein wort, über das nicht nachgedacht wurde – genau das, was lyrik eben ausmachen (sollte). das wiederum entspricht der unmöglichkeit der unmittelbaren erfahrung, von der eigentlich auch jedes gedicht berichtet – das wahre träumen: „sie dachte wie solch ein tier wohl schläft mit dem blumentopfrücken / und sah mit braunem zucker bestreut all das vertäumte trara / (angeblich des traums) aber sofort war er wach (die ohren) sofort // fiel er wieder um wie ein kind – wie es weint – alle / gefühle also seien erlernt“ (19). schuld an dieser grundlegenden entfremdung des menschen von seiner umgebung und seiner selbst ist z.b. die „nähe von maschinen“ (19, so heißt das gedicht)

wie es sich für echt moderne lyrik gehört (und das vergessen ja viele autoren und andere leider immer wieder) wird außerdem auch die generelle problematik des subjektes, seiner identität und die der anderer menschen (als adressaten – der sprache, der lyrik, der liebe) thematisiert. „dies löchrige tuch ich spreche // dich // durch es. wenn ich sage ‚du‘. wenn / cih sage ‚ich wollte …‘ ‚ich …‘ ein / kindergesicht. oh gesperrt! löchriger // busch: so sprech ich dich wenn. / ich sage: du, eben, lüstern“ an anderer stelle heißt es dann: „du bist. doch wo? / […] du bist nicht / wo nicht wen, du / gehst, der wald steht still. / […] / […] ein / schatten ruft. was altes / weiß von dir. die kehle / streckt sich schon. der / wolf liebt seinen satz. / das rudel ruft.“ (81, vor grammatik). und damit wird auch der nächste große themenkomplex dieser lyrik deutlich: außerdem in frage gestellt werden die worte in allgemeinen. genauer gesagt, wird auch hier nur die grundlegende erfahrung der moderne, das alles in frage steht, nur noch bekräftigt, aufgenommen und verarbeitet. besonders gilt dies natürlich für die verbindung wort – ding: „das eichhörnchen drehte / die nuss eifrig wie wir das wort ‚nuss‘ / im gehirn“ (23). auch ein titel greift das auf: „taucher, radebrech / (vom vierfachen sinn der schrift)“ (82). die vergegenwärtigung der schillerschen ballade geht dann ungefähr so: „anzüge mit füßen hingen / am geländer, im trockner / hingen köpfe // je weiter ein boot entfernt ist / umso tiefer nach unten muss man / um es zu hören // mit dem andrang der schwärze / gegen die maske vorm gesicht. // ertrinken.verstehen“ (82) – das ist natürlich die tragik überhaupt: erst ertrinken, dann verstehen … die beiden letzten gedichte führen das noch einmal alles zusammen. da heißt es dann „sehnsucht rief mich / hast du nerven / gern komme ich gern / bin deiner stimme ich / gefolgt / immer so blumen / blitzend, verwirrt (84), während die letzten zeilen, das postskriptum (außerhalb der drei großen teile) die schriftform schon nahezu vollständig verloren ist und nur noch sprache ist – in lautschrift notiert, auf englisch – wenn ich das richtig entziffert habe, steht da: „you too / loved you / was invented“

der zweite teil, „(kriege)“, blieb mir zumindest bei der ersten lektüre jetzt verschlossener, nüchterner und oft auch deutlich gewollter. die politische absicht etwa lässt sich zu leicht spüren und fassen – das tut der (kunst-)erfahrung der lyrik nicht gut. dabei verlieren die gedichte gleichermaßen an deutlichkeit wie an der so faszinierend, weil stupend beherrschten mehrdeutigkeit.
„mit eigenen augen sehen: getrimmt / zoomen begriffe weg. bis wir tröpfelnd / vor sehnsucht und glauben daliegen wie / der kopf einer geliebten katze unter / einer hand, die uns streichelt oder streicht,“ (62f)

das ist alles zusammen natürlich ein fast wahnsinniges programm. wer glaubt, ob all dieser fragen, dieser theoretisch-reflektierenden gedankengängen ginge der kunstcharakter der gedichte verloren, der itt. denn es ist kein wahn, keine hybris. denn die gedichte bleiben trotz der gefahr der theoretischen überlastung meist, d.h. in ihren überwiegenden teilen, immer auch sinnliche gebilde. eine unmittelbare qualität der fügung ihrer worte (weniger der rhythmen, mehr aus dem klang und den vermischten, kreuz und quer geschichteten bildlichkeiten gearbeitet) fesselt das lesende auge und hirn, die vorstellungskraft. und sie zeugen von der faszinierenden konzentration, die diese gedichte bestimmt. mehr lässt sich von lyrik eigentlich kaum noch verlangen. manches ist dabei durchaus grenzwertig – qualitätsmäßig gesehen: wenn genau diese konzentration sich verliert, wirkt das ganze sehr schnell nur noch manieristisch. aber es bleibt festzuhalten: das sind 85 seiten pure poesie unserer zeit mit der verheißung, diese auch zu überdauern. w

dunkle bilder und düstere texte

von Matthias

am 24. Juli 2006

in literatur

das soll jetzt nicht den eindruck erwecken, bei peter schünemanns kleinem, aber feinem band mit erzählungen: dunkles bild (münchen: hanser 2005) handele es sich um depressive prosa. aber die erfahrung der dunkelheit in verschiedenen graden, der düsternis (gerade im kontrast mit den aufscheinenden licht(blitzen)) ist doch ein pärgendes element dieser drei herrlichen texte. ihre dunkelheit, sprachmacht und ja, auch ihre menschenliebe, sowie natürlich ihre bildlichkeit erinnern mich teilweise (v.a. im dunklen bild) doch recht deutlich an texte von christoph ransmayr, besonders dessen letzte welt.

zwei texte haben mich besonders beeindruckt: zunächst der die sammlung eröffnenden und titelgebende, dunkles bild. schünemann erzählt in andeutungen, sorgfältig gesteuerte informationsvergabe (d.h. vor allem informationskontrolle: das ist einer dieser ganz seltenen texte, die nur ganz wenig und nur ganz allmählich mitteilen, aber dennoch ungeheuer lebendig und faszinierend sind), der erzählt also von einem maler, der vorübergehend (die gründe und umstände sind nicht so ganz klar), ein blindes kind bei sich aufgenommen hat. zusammen erfahren sie vor allem die kälte (und den mangel überhaupt). der maler ist auf der suche, auf der reise zu einem ungemalten und ungesehenen bild – er wird es erst im moment seines selbstmordes erkennen, der so zu einem wahren und wirklichen moment der erlösung und der schau der reinen wahrheit (was natürlich auch einen anspielung auf novalis, der jüngling zu sais, ist) wird (übrigens ist der tod (absichtlich herbeigeführt oder nicht) zentrales motiv von schünemanns erzählungen): „dann ließ ich los; un in der verhallenden sekunde sah ich endlich das bild, es waren nicht mehr die kalten augen der statuen, jahrtausendalt, es war das kleine gesicht, weiß, die verbrannte hoffnung in der lichtlosen nacht, nur sehr fern und allein das zarte leuchten in der tiefe seiner augen, das bild nun, nach dem ich geforscht, und der leise laut, der micht im sturz noch traf. “ (24)

im zitat wird die qualität der schünemannschen prosa schon ziemlich deutlich: expressionistisch beeinflusst, man könnte es fast eine bilderorgie nennen. die sprache lebt von der kraft ihrer bildlichkeit, d.h. ihrer metaphern und vergleiche. besonders in der massierung wirkt das gerade in dunkles bild ungeheuer konzentriert – obwohl diese erzählung nur ein kurzes stück ist, so ist sie doch von fesselnder, unbezwungener und ungezähmter, also unmittelbarer kraft. allerdings eben nicht so, wie das im moment eher zeitgemäß wäre, als scheinbare realitätsnahe, unmittelbare sprache ohne stilwillen. gerade der enorme stilwillen, die enorme geformtheit der sprache, der worte und ihrer verknüpfungen zu sätzen und absätzen, ist es erst, was mich beim lesen so ungeheuer fesselt. dazu kommt dann die bereits angesprochene reiche metaphorik und die postfigurative motivik.

die treibt vor allem in der zweiten erzählung, zwieland. eine büchner suite, ihre spielchen mit dem leser. denn dieser text ist bis zum überquellen vollgestopft mit anspielungenen, wiederaufnahmen, abwandelndem aufgreifen von bestimmten formulierungen, motiven, ideen aus büchners texten – aus dem danton, aus leonce und lena, natürlich aus dem lenz, aber auch aus den briefen und vielem anderen mehr. die erzählsituation ist recht einfach: eine betrachtung der letzten tage georg büchners. der autor liegt mit faulfieber in seiner eigenen variante der matrazengruft, wird von caroline und wilhelm schulz gepflegt, von minna besucht. das ganze sowohl in der eigenperspektive büchners als auch beobachtend, mit großer klarheit als auch im fiebertraum eine paradies der postfigurationen im quergang durch rückblick, biographie und werkschau.

der dritte text in diesem band, die novelle zenons spur, scheint mir gegen diese beiden erzählungen etwas abzufallen. jetzt ist es vor allem die auflösung des (künstlerischen) lebens in das nichts, das erzählt wird: ein bruderpaar, maler und schriftsteller, an der schwelle zum tod. der maler, epileptiker, erliegt einer krankheit, hat zuvor noch sämtliche überreste seiner künstlerischen tätigkeit getilgt. sein bruder, schriftsteller, folgt ihm offenbar in den tod. mir allerdings fehlt dieser novelle die spannkraft, das fesselnde moment oder einfach die konzentration der beiden anderen erzählungen. es kann freilich auch sein, dass ich nur noch nicht den passenden zugang, den richtigen moment der lektüre erwischt habe.

als ganzes mag das zwar zunächst wie ein reichlich anachronistisches unternehmen erscheinen, was schünemann hier vorlegt. aber jenseits von plattem aktualitätsdrang, von pseudo-kunst und gewollter bedeutsamkeit, ist das offensichtlich ein versuch der verschmelzung: das durchaus in hohen dosen vorhanden pathos dieser expressionistisch angehauchten sprache und ihrer väter wie kleist, novalis, hölderlin (büchner natürlich auch) zeigt seine überzeitlichkeit, stellt seine weiterhin mögliche funktion auch im 20. (alle texte sind nicht mehr ganz taufrisch) bzw. natürlich auch im 21. jahrhundert zumindest zur diskussion, wenn nicht gar unter beweis. zumindest ich möchte das behaupten, denn der versuch, das echo, den ruf vergangener zeiten hier einzufangen und lebendig und vor allem wirkmächtig zu machen, ist schünemann offensichtlich gelungen. das sagt nun allerdings wenig über die allgemeine verfügbarkeit dieser art von sprache (die auch eine bestimmte art des denkens, vor allem aber der wahrnehmung der welt und des subjektes impliziert) aus – peter schünemann kann darüber gebieten, und das ist ein glorreicher sieg für den autor, aber auch für den leser, der dafür noch ein paar offene nervenenden hat.

von Matthias

am 20. Juli 2006

in medien, musik

die alljährliche sommerloch-reportage erwischt heute die orgelanlage im mainzer dom. in der rhein-zeitung noch mit schönen fotos garniert.

die königin ist überall zugleich und tritt in vielerlei verkleidung hervor. sie wispert einmal zart aus dem westchor, braust unmittelbar darauft mit der ganzen kraft ihrer mechanischen lungen über das chorgestühl. und vom ostchor kommt verhalten das sanft tönende echo zurück: das ist die orgel im mainzer dom.

sie kann selbst im sonnigsten hochsommer den advent herauf beschwören und weihnachen in unmittelbare nähe rücken. denn mit ihrem unerschöpflichen reichtum an klangfarben und fein abgestuften lautstärken lässt sie dem organisten freie hand: sie lässt ihn melancholische trauer andeuten, in überschäumender freude jubeln oder mit sanfter eindringlichkeit zur einkehr mahnen. denn seit dem letzten großen umbau von 1965 ist die mainzer domorgel ein instrument, das es so nur einmal in deutschland gibt. eigentlich besteht sie aus gleich vier orgeln: da ist die hinter dem chorgestühl versteckte orgel im westchor und eine komplette orgel auf der anderen seite des doms, im ostchor. dazu kommt das instrument an der nordwand des querhauses und natürlich das zentrum, die pfeifen auf der südempore. dort steht auch der spieltisch, von dem der domorganist albert schönberger die fast 8000 pfeifen der 114 register beherrst. denn wenn die orgel die königin der instrumente ist, dann müsste schönberger der könig der musik im mainzer dom sein. aber dafür ist er freilich viel zu bescheiden und zurückhaltend: ihn interessieren nur die möglichkeiten, die das zusammenspiel von raum und klang für die musik bergen. auf die einmalige anlage der mainzer domorgeln ist er aber schon ein wenig stolz. schließlich steht hier der größte spieltisch deutschlands: eine komplizierte steuerzentrale, die so manchem flugzeug zur ehre gereichen würde. nicht nur sechs tastaturen und die pedale, die unzähligen schalter und steuerungen für die einzelnen register, zur farbwahl, auch telefon, lautsprecher, mikrofon und videokamera samt bildschirm hat der organist an seinem arbeitsplatz oben auf der südlichen chorempore.

die im ganzen raum verteilten einzelteile der großen orgeln machen dem organisten das leben und vor allem das spielen allerdingst nicht gerade leicht. die mainzer orgel gehört selbst für den domorganisten albert schönberger zu den am schwersten zu bespielenden orgeln überhaupt. aber sie hat für ihn auch einen unschätzbaren vorteil: sie bringt den raum zum schwingen kaum eine kirche ist so von klang erfüllt wie der mainzer dom, schwärmt er. dafür nimmt er dann nicht nur den steilen aufstieg über die enge wendeltreppe auf die südempore gerne in kauf, sondern auch den umstand, dass er immer wieder auf den heiligen geist warten muss, mit strom und luft. bis der ton, den sein fingerdruck auf die taste erzeugt, ihm überhaupt zu ohren kommt, dauert es nämlich stets einige sekunden der teil der orgel im ostchor ist weit entfernt. aber schönberger würde diese besonderen spirituellen möglichkeiten nie aufgeben wollen: der raum veredelt die musik nach seiner art. die impulse muss man als organist natürlich aufnehmen und dafür ist schönberger ja auch genau der richtige, nämlich ein raffinierter und gewandter improvisator. freilich, bei der darstellung von orgelwerken mit besonders kunstvoll verschlungenen stimmen bekommt allerdings auch er probleme: der lange nachhall lässt hier vieles einfach verschwinden. doch für solche musik hat schönberger inzwischen noch eine extra-orgel, die in der gotthard-kapelle steht. ein neubau, in klassischer tradition gefertigt, bestens geeignet für polyphone orgelwerke vom barock bis in die romantik.

das allerneueste element in diesem tönenden organismus sind aber die kardinalstrompeten, die zum zwanzigjähren jubliäum von bischof lehmann 2003 in die wächterstube eingebaut wurden. und sie sind mit sicherheit der spektakulärste teil: ferngesteuert schaltet sich das licht in der wächterstube ein, die fenster zum dom öffnen sich automatisch und die auf einen schlitten montieren trompetenpfeifen fahren in den dom hinein und schmettern dann so richtig los.

so eine gewaltige anlage braucht auch eine menge pflege. vor allem, wenn sie in die jahre gekommen ist. die hauptteile der orgel sind mittlerweile über 40 jahre in betrieb und deshalb sehr störanfällig: die elektrischen kontakte, die leitungen das ist damals alles sehr billig und einfach gebaut worden. und heute haben wir unheimliche probleme damit, erzählt schönberger. der orgelbauer ernst-michael breitmann ist immer wieder im einsatz, um defekte teile auszutauschen und überhaupt die spielbarkeit der domorgeln zu sichern. doch abgesehen davon zeigt sich schönberger immer noch sehr zufrieden mit seinem instrument. auch bei der sanierung des dominnenraumes in den nächsten jahren wird es wohl keine grundlegenden änderungen geben. hier und da lässt sich noch etwas optimieren, damit die gemeinde von der orgel besser angesprochen werden kann. die orgel spielt nämlich überall hin, nur nicht dort, wo die gemeinde versammelt ist, gesteht er ein. aber an der besonderen verteilung der orgeln über den domraum möchte er aber unbedingt festhalten.

deutsche literaturgeschichte in einer stunde

von Matthias

am 17. Juli 2006

in geschichte, literatur

auch wenn klabund der verfasser der jetzt als nachdruck der zweiten auflage von 1921 beim textem-verlag erschienen deutschen literaturgeschichte in einer stunde. von den ältesten zeiten bis zur gegenwart ist — die autorität des schriftstellers reicht in diesem falle nicht aus, über die mängel solcher unternehmen hinwegzutäuschen. das sind natürlich zuforderst ganz prinzipielle — eine solche “literaturgeschichte” kann weder literatur noch geschichte sein, sie ist bloß eine knappe versammlung der höhenkammliteratur, eine aufzählung des kanons. auch wenn klabund sein ziel noch anders verfehlt — in einer stunde wird der text kaum zu schaffen sein, ich brauchte fast drei dafür (und habe nicht sehr getrödelt). auffallend an klabunds unternehmung sind eher die immer wieder eingestreuten unbekannten namen — z.b. johann christian günther, zu dem ihm einfällt: “wie ein sturmwind braust [er], der götterbote einer neuen zeit, in die deutsche dichtung.” (35) anlässlich eines anderen unbekannten schwingt er sich zu wahren großtaten auf: salomon “geßner war einmal eine europäische berühmtheit. es wird nicht besser werden in der welt, ehe es geßner nicht wieder ist. wir werden erst dann ewigen frieden haben, wenn arkadische dichter wie er wahrhaft populär geworden sind.” (41)

und damit sind wir ja auch schon beim eigentlichen problem: klabund ist ein bekennender und gnadenloser emphatiker, um eine kürzlich aufgebrachte unterscheidung hier anzuwenden. als autor hat er natürlich jedes recht, ein solcher zu sein — als literarhistoriker meines erachtens aber überhaupt keines. und es ist natürlich sehr passend, dass ausgerechnet volker weidermann, an dessen “lichtjahre” sich die von hubert winkels (zeit vom 30.3.) eingeführte unterscheidung der literaturkritiker zwischen emphatikern und gnostikern überhaupt entzündete, das vorwort zu diesem nachdruck beisteuert: eine rückvergewisserung des eigenen unternehmens — seht her, auch der große klabund war (wie ich) ein emphatiker! und die “lichtjahre” sind dann auf einmal so etwas wie eine fortsetzung von klabunds werk, der ja zu beginn des 20. jahrhunderts aufhört zu lesen und sich zu begeistern (und schon ab der zweiten hälfte des 19. jahrhunderts gehörig ins schwimmen gerät und kaum noch sortiert bzw. zwischen gut und schlecht unterscheidet und deshalb notgedrungen auch nichts mehr wirklich beschreibt, sondern alles nur noch gehetzt anreißen kann).

als solcher präsentiert klabund naturgemäß einen vollkommen subjektiven blick auf die geschichte der deutschen literatur und tut doch gleichzeitig so, als sei dies eine richtige literaturgeschichte. dazu passend ist sein ansatz viel zu sehr personal geprägt, um wirklich zu relevanten einschätzungen zu kommen — personal insofern, als er bedeutung zunächst an seiner eigenen leseerfahrung misst und personal auch insofern, als er literaturgeschichte als geschichte von autorenpersonen schreibt (die fast durchweg männlich sind, natürlich). das ergibt ein ziemliches misch-masch, geprägt von einer fast ausschließlich identifikatorischen lektüre. epochen, geistige verbindungslinien, traditionen etc. kommen bei ihm allenfalls am rande vor. und solch ein ansatz führt naturgemäß zu einigen gerechten, aber auch zu einigen ungerechten urteilen und fehlern (z.b. das hier: “friedrich schiller ist der dichter der jugend” (53) — dazu muss man schon einiges aus dem werk schillers ausblenden) — immerhin unternimmt klabund nicht noch den versuch, das zu verbergen: die (selbst-)sicherheit des urteilens hat schon fast etwas großartiges. als zeitdokument und in seiner ausgrabung gerade zu diesem zeitpunkt heute, wo sich immer mehr literaturkritiker als emphatiker genügen und darauf auch noch stolz sind (was natürlich in der tradition des großen grauenhaften anti-kritikers reich-ranicki steht), ist das immerhin eine ergötzliche lektüre — für historische wahrheit und gerechtigkeit ist klabund hier halt nicht zuständig.