Kategorie: kritik Seite 7 von 15

Es ging noch ein­mal wild zu im Gro­ßen Haus. Beim letz­ten Kon­zert für jun­ge Leu­te in die­ser Spiel­zeit ließ das Phil­har­mo­ni­sche Orches­ter sei­nem Publi­kum kaum Zeit zum Luft­schnap­pen: Immer war alles in Bewe­gung, immer ging es drun­ter und drü­ber – so ist es eben auf der hohen See. Denn vom Meer und sei­ne Bewoh­ner unter und auf dem Was­ser han­del­te die Musik.

Mate­ri­al dafür gibt die Musik­ge­schich­te mehr als genug her. Cathe­ri­ne Rück­wardt hat sich vor allem bei den Film­kom­po­nis­ten umge­se­hen. Das ist wun­der­bar spek­ta­ku­lär und zugleich immer so unmit­tel­bar ein­gän­gig, dass sie über­haupt nicht viel erklä­ren muss. Statt­des­sen liess sie ein­fach ihr Orches­ter spie­len. Und das ging mit spür­ba­rer Lust am unkom­pli­zier­ten Schwel­gen im per­ma­nen­ten Klang­rausch voll zur Sache. Von Beginn an fetz­ten sie rich­tig los. Erich Wolf­gang Korn­golds Ouver­tü­re zu „Cap­tain Blood“ gab dem gan­zen Orches­ter viel Arbeit: Die Trom­pe­ten schmet­ter­ten, die Posau­en dröhn­ten und selbst die Schlag­wer­ker hat­ten alle Hän­de voll zu tun. Und so ging es fast aus­nahm­los wei­ter. Ruhe­punk­te boten höchs­tens Anton Rubin­steins Ada­gio aus sei­ner zwei­ten Sin­fo­nie und die zwei Aus­schnit­te aus Clau­de Debus­sys „La Mer“. Die zeig­ten aber auch, dass die sub­ti­len Fein­hei­ten die­ser Klang­bil­der hier nicht so recht am Platz waren und die Musi­ker es die­ses Mal lie­ber hand­fest hat­ten. Dafür gab es ja auch genü­gend ande­re Gele­gen­hei­ten. Mit der bro­deln­den See und der flir­ren­den Span­nung bei der Begeg­nung mit dem wei­ßen Hai aus John Wil­liams’ Film­mu­sik etwa. Cathe­ri­ne Rück­wardt ließ sich von dem gefähr­li­chen Räu­ber übri­gens genau­so wenig ein­schüch­tern wie von den immer wie­der auf­kreu­zen­den Pira­ten: Mit locke­rer Hand führ­te sie ihr Orches­ter sicher und kon­trol­liert. Selbst durch die auf­ge­wühl­tes­ten, wild auf­bäu­men­den Wogen, wie sie etwa Gran­ville Bantocks „Hebride­an Sea Poem“ stür­misch und schrill zeich­net, kommt sie immer wie­der in geord­ne­te musi­ka­li­sche Bah­nen. Bei so viel Lust am puren Klang und soviel Hin­ga­be stör­te auch kaum, dass die Musik sich vor­wie­gend in Kli­schees beweg­te: Die Gei­gen seuf­zen schmach­tend, die Har­fe klim­pert mal ein Arpeg­gio dazwi­schen, die Blä­ser gibt es fast nur in der Blech­va­ri­an­te, die dafür aber auch ordent­lich dröh­nen darf. Das Spek­ta­kel gip­felt dann auch sehr fol­ge­rich­tig in der Musik aus dem „Fluch der Kari­bik“ – kein Fluch, viel­mehr ein Segen an pochen­der, mit­rei­ßen­der Musik.

(geschrie­ben für die main­zer rhein-zeitung)

ein schwie­ri­ges unter­fan­gen: das semes­ter­ab­schluss­kon­zert. viel gutes war dabei, aber auch viel mist und ver­werf­li­che ideen… das ist dabei herausgekommen:

Das ers­te gesun­ge­ne Wort ist Pro­gramm: „Trös­tet“ beginnt der „Mes­si­as“ von Hän­del. Denn Trost und Freu­de über die Ankunft des Erlö­sers sind es, die das Ora­to­ri­um bestim­men. Sel­ten wird das so deut­lich wie beim Semes­ter­ab­schluss­kon­zert von Chor und Orches­ter des Col­le­gi­um musi­cum in der Phö­nix­hal­le. Denn hier kommt die­se Initi­al­zün­dung aus dem Mund von Dani­el Sans – nicht nur aus dem Mund, aus tiefs­ter See­le scheint sich die Gewiss­heit Bahn zu bre­chen. Ganz zart und weich setzt der Main­zer Tenor damit ein, ent­wi­ckelt das eine, immer wie­der wie­der­hol­te Wort dann mit genau dosier­ter, nie über­trie­be­ner Über­zeu­gung mit sanf­ter Nach­drück­lich­keit bis zur fes­ten Gewiss­heit und Bestä­ti­gung: Der Trost ist gerecht­fer­tigt, der Mes­si­as erschienen.

Auch sonst ist es ein Abend der Details. Die waren schon immer die beson­de­re Spe­zia­li­tät von Jos­hard Daus. Die­ses Mal über­treibt er es damit aller­dings ein wenig. Denn die gera­de­zu mikro­sko­pi­sche Genau­ig­keit ermög­licht zwar Klang­stu­di­en von beson­de­rer Güte, führ­te aber ande­rer­seits zum Ver­lust von Klar­heit und Struk­tur. Akzen­te gab es etwa fast gar nicht. Auch Hän­del­sche Idee las­sen sich kaum noch fin­den – die­ser Mes­si­as ist viel mehr Mozart als Hän­del. Denn Daus hat sich für die Mozart’sche Bear­bei­tung des Ora­to­ri­ums ent­schie­den. Die hat unter ande­rem den Vor­teil, dass man auf deutsch sin­gen darf. Und das geschieht hier aus­ge­zeich­net. Sowohl die Solis­ten als auch der Chor sind ganz beson­ders gut ver­ständ­lich. Und gera­de der Chor ist das Zen­trum die­ser Auf­füh­rung. Unent­wegt strahlt er Besinn­lich­keit und Andacht aus. Über­haupt spielt die Rein­heit des Klan­ges eine ganz gro­ße Rol­le für Daus. So vor­sich­tig nähert er sich dem Werk, als wäre die Musik selbst schon etwas Hei­li­ges. Ande­rer­seits scheint der Diri­gent bedacht zu sein, immer eine gewis­se Min­dest­di­stanz zum Werk und sei­ner Über­zeu­gung der Erlö­sung zu wah­ren. Das wird vor allem dann deut­lich, wenn einer der Solis­ten – etwa der impul­si­ve Bass Ulf Bäst­lein – die­sen Abstand überwindet.

Und so groß­ar­ti­ge Klangstill­le­ben Jos­hard Daus dabei auch gelin­gen, vol­ler feins­te Schat­tie­run­gen und unglaub­lichs­ter Nuan­cen, umso stär­ker fal­len die Nach­läs­sig­kei­ten an ande­ren Stel­len auf. Etwa die grau­sam unter­be­lich­te­ten Holz­blä­ser. Aber auch das struk­tu­rel­le Pro­blem sei­nes Ansat­zes liegt immer wie­der deut­lich zu Tage: Sei­ne Klang­bil­der sind eben Still­le­ben im wahrs­ten Sin­ne des Wor­tes – ohne Bewe­gung und Ent­wick­lung füh­ren sie nir­gends hin, son­dern blei­ben rei­ne Moment­auf­nah­men. Das Ora­to­ri­um wird des­halb zu einer lan­gen Rei­he von – an sich wun­der­schö­nen – Stand­bil­dern, die den eigent­lich beab­sich­tig­ten Film aber nicht erset­zen können.

Drei Kom­po­nis­ten, drei Wer­ke, ein Kla­vier­abend: Das Pro­gramm ist schnell gele­sen. Aber die Wir­kung ist nach­hal­tig. Denn Evge­nia Rubi­no­va ver­steht ihr Hand­werk. Und das, obwohl die in Frank­furt leben­de Rus­sin ihre Aus­bil­dung eigent­lich noch gar nicht been­det hat. Doch davon war im Frank­fur­ter Hof nichts zu spü­ren. Der SWR hat die jun­ge Pia­nis­tin im Rah­men der Rei­hen „Inter­na­tio­na­le Pia­nis­ten“ nach Mainz geholt.

Drei Wer­ke also – viel wei­ter lässt sich das sowie­so schon puris­ti­sche Kla­vier­re­ci­tal kaum noch redu­zie­ren. Mit Cho­pin, Rach­ma­nin­off und Skria­bin stan­den zwar bekann­te Namen auf dem Pro­gramm. Die Stü­cke, die sich Rubi­no­va aus­ge­sucht hat­te, sind aber alle­samt nicht gera­de die größ­ten Hits.

Schon von Fré­dé­ric Cho­pin wähl­te sie aus­ge­rech­net die zwei­te Kla­vier­so­na­te. Das war aus­ge­spro­chen raf­fi­niert, denn zumin­dest die Mar­cia funèb­re dar­aus kennt jeder. Und zugleich war die­se Sona­te im Frank­fur­ter Hof, wo Rubi­no­va sie in all ihren Kon­tras­ten sehr schön aus­leuch­te­te und gera­de den Trau­er­marsch zu einem rich­tig­ge­hen­den Mys­te­ri­um mach­te, zugleich war die­se Sona­te gera­de in ihrer Aus­drucks­viel­falt eine wun­der­ba­re Über­lei­tung und Vor­be­rei­tung für den nächs­ten Pro­gramm­punkt. Denn Alex­an­der Skria­b­ins Fan­ta­sie in h‑Moll zählt ganz bestimmt nicht zu den meist­ge­spiel­ten Stü­cken. Und die unge­heu­er­li­che Dich­te des unab­läs­si­gen Flus­ses an Ideen und har­mo­ni­schen Gedan­ken machen es weder dem Inter­pre­ten noch dem Publi­kum beson­ders leicht. Doch da kann Evge­nia Rubi­no­va hel­fen: Locker und leicht wie eine Par­füm­wol­ke ent­flieht die Fan­ta­sie ihren gefühl­vol­len Fin­gern. Nahe­zu schwe­re­los sinkt die­se Musik ins Ohr und ins Hirn, brei­tet sich aus und füllt jeden Win­kel des Den­kens und Füh­lens aus. Gera­de die fra­gi­le, immer wie­der gefähr­de­te Zusam­men­set­zung der Klang­welt Skria­b­ins ver­moch­te Rubi­no­va ganz rei­zend aus­zu­kos­ten – da fehlt zur Per­fek­ti­on nur noch das letz­te biss­chen Kon­se­quenz und Durch­set­zungs­kraft, vor der die jun­ge Pia­nis­tin immer wie­der zurück­zu­scheu­en schien.

Die kom­plet­te Hexa­lo­gie der Moments musi­caux von Ser­gej Rach­ma­nin­off schließ­lich ist eben­falls nur all­zu sel­ten kom­plett zu hören. Schwär­me­risch agi­tiert in die­se Klang­welt boh­rend, wandt die Pia­nis­ten die­se Pre­zio­sen immer wie­der ins Offe­ne und Unbe­stimm­te: Nur der unmit­tel­ba­re Augen­blick zählt hier, eine fort­wäh­ren­de Ket­te von ein­präg­sa­men Ein­drü­cken ent­steht so – Momen­te der Erfül­lung und des rei­nen, unver­fälsch­ten Genusses.