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Tanzende Klänge

am 22. Mai 2013

Dirigenten erkennt man an zwei Dingen: Ihrem Umgang mit dem Klang und ihren Bewegungsmustern. Und meistens hängt das eng zusammen. Aber selten wird das so wunderbar hör- und sichtbar wie bei Jonathan Nott. Der kam mit dem SWR-Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg als Gast zum letzen Mainzer Meisterkonzert der Saison in die Rheingoldhalle. Und was der Brite da vorführte, war grandios: Der Dirigent tanzt die Musik, er malt und zeichnet mit den Händen und Armen, zelebriert und empfindet mit dem ganzen Körper. Beethovens vierte Sinfonie dirigiert Nott in einer derartigen Deutlichkeit, dass man fast die Partitur danach rekonstruieren könnte. Kein Wunder, dass das Orchester entsprechend plastisch und beseelt spielt: Selten hat die Vierte eine derartige Präsenz erfahren, selten ist sie aber auch als solch revolutionäre Musik zu hören. Denn Nott begreift Beethoven überhaupt nicht als Klassiker, sondern immer als Neuerer und Erfinder. Das Pathetische interessiert ihn dabei wenig, die feingeistigen Klangedetails und formalen Besonderheiten aber dafür umso mehr. Er dehnt etwa die Einleitung des ersten Satzes bis ins unheimliche – und diese Ahnung des Ungewissen verliert seine Interpretation dann auch in den knackigsten Momenten nicht mehr.

Auch das dritte Klavierkonzert zeichnete diesen Weg vor. Gemeinsam mit dem Pianisten Till Fellner zeigt das Orchester unter Nott mit faszinierender Deutlichkeit im Detail, wie modern Beethoven gelesen werden kann. Sicher, die Wiener Tradition klingt immer noch mit, ein zart-schmelzendes Wienerisch umweht den samtigen Klang. Aber wie Fellner dann den Anfang des zweiten Satzes als verwunschene Märchenstimmung spielt, zeigt wieder, dass dies nur noch eine ferne Erinnerung ist. Interessanter ist für Nott und Fellner offensichtlich die Ahnung der Moderne, die sie in der Partitur schon entdecken, die revolutionäre Seite des Klassikers Beethoven. Das SWR-Sinfonieorchester lässt sich dabei durchaus auch als Beethoven-Orchester hören – zumindest für einen Beethoven, der so modern ist. Das liegt auch am Kontext, den Nott schafft: Den vermeintlichen Klassiker Beethoven ergänzt er mit zwei Klassikern der Moderne, mit Alban Bergs „Lyrischer Suite“ von 1928 und den 1971 komponierten „Melodien für Orchester“ von György Ligeti. Problemlos wandert das Orchester zwischen den Epochen und Stilen hin und her: Genauso faszinierend wie Beethovens Vierte gelingen auch die Lyrische Suite von Alban Berg und vor allem die „Melodien“ von Ligeti. Das Orchester spielt die wunderbar gelassen, in einer präzisen Klarheit und Konturiertheit, die man sich öfters wünscht: Wie ein reiner Gebirgsbach sprudeln und wirbeln die Klänge, deren Untergrund und Struktur dabei immer kristallklar und transparent hervorstrahlt — die Klänge tanzen, genau wie ihr Dirigent.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Mysteriöse Großtat: Das Landesjugendorchester spielt Bruckner

von Matthias

am 9. April 2013

in musik

„Krone der Musik“ oder „Mysterium“: Die achte Sinfonie von Anton Bruckner fordert Superlative geradezu heraus. Denn sie ist selbst alles andere als bescheiden. Zu ihrer Zeit – also 1892 – war die Achte die längste Sinfonie überhaupt. Knapp 90 Minuten dauert es, diesen monumentalen Brocken aufzuführen – anderthalb Stunden der Spannung und Erlösung, aber auch der Anstrengung. Und das nicht nur beim Hören, sondern auch beim Spielen. Denn dieses Riesenwerk verlangt insbesondere den Blechbläsern viel ab, benötigt eine große Ausdauer und viel Kraft – bei totaler Präzision im Idealfall. Nahe dran ist das beim Jubiläumskonzert des rheinland-pfälzischen Landesjugendorchesters im Großen Haus des Staatstheaters zu erleben. Und das ist erstaunlich und bewundernswert, denn Bruckners Achte ist auch für gestandene Profis harte Arbeit. Umso mehr muss man schätzen, was die Jugendlichen da gestemmt haben. Zum 40jährigen Bestehen dieses außergewöhnlichen Orchesters durfte und sollte es aber etwas Außergewöhnliches sein: Zwei Wochen haben die über 80 jungen Instrumentalisten dafür geprobt. Und das Konzert im Staatstheater beweist, dass sich diese Arbeit gelohnt hat.

Der Dirigent Klaus Arp führt sie besonnen durch Untiefen und über Gipfel, erklimmt mit dem Landesjugendorchester die steilen Wände und geleitet sie sicher am Abgrund entlang. Denn die Achte gleicht in fast jedem Moment einem Tanz auf dem Vulkan, zwischen Absturz ins Verderben und Aufheben ins Grandiose liegt hier nur ein schmaler Grat. Und das ist genau das, was man vielleicht das Programm dieser Sinfonie nennen könnte.

Gerade im Scherzo, dem zweiten Satz, wurde dieser Tanz unmittelbar hörbar — ein Tanz auf schmalem Grat, aber mit sicheren Füßen, die sich keinen Fehltritt erlauben: Strahlend und berstend geht Arp das Scherzo an, dämpft das Trio dann mit viel Ruhe zur himmlischen Länge ab, um in der Reprise erneut alles an gepfefferter Erregung und aufgewühlten Gemütern zu entfesseln. Schon von Beginn des ersten Satzes an führte er das Landesjugendorchester zu einem sehr deutlichen Klang mit klaren Akzenten. Dabei bleibt Arp aber zugleich vorsichtig und tastend in der Anlage und macht die Sinfonie zu einem echten Rätsel – einem Mysterium eben. Besonders spürbar wird das im dritten Satz, der sich vorsichtig ins Ungewisse vortastet und mit besonderer Zerbrechlichkeit gefällt. Die geht zwar manchmal etwas weit, wenn der Satz in Einzelepisoden zerfällt, behält aber doch so viel Nachdruck, dass man den Vorschein der Unendlichkeit zu hören glaubt.

Grandios ist dann das Finale, die Wuchtigkeit, die das Landesjugendorchester hier entwickelt, wie fein ziseliert die riesigen Klangwände noch im größten Lärmen bleiben: Das ist eine wunderbare Verbindung von körperlicher Klangerfahrung und Transzendenz. Ein Triumph der Musik und der Musiker, ganz fraglos.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Nationalmusikerexperimente: Beethoven, Sibelius & Nielsen

von Matthias

am 4. Juli 2012

in musik

Beethoven wurde erst nach seinem Tod zum urdeutschen Komponisten. Carl Nielsen und Jean Sibelius waren schon zu Lebzeiten nationale Ikonen. Besonders bei Sibelius wird das ganz deutlich: Die finnische Regierung gab zu seinem 50. Geburtstag die Komposition einer Symphonie – es wird seine fünfte – in Auftrag. Im 9. Sinfoniekonzert des Staatstheaters erklang sie zusammen mit der Helios-Ouvertüre von Carl Nielsen und dem vierten Klavierkonzert von Beethoven. Also nicht nur drei verschiedene Nationalmusiken, sondern auch Werke, die mit ihren Formen experimentieren. Beethovens viertes Klavierkonzert ist genau dafür berühmt: Das es neue Möglichkeiten des Zusammenspiels von konzertierendem Klavier und Orchester erprobt. Die Solistin in Mainz, Anna Vinnitskaya positioniert sich da sehr eindeutig: Schon mit ihren ersten einleitenden Takten, von Beethoven erstmals dem Klavier alleine anvertraut, zeigt sie sich als überlegene Kraft. Nirgendswo wird das so deutlich wie im zweiten Satz: Vinnitskaya spielt das Philharmonische Staatsorchester in Grund und Boden – ganz wie der Komponist es dachte. Und nicht etwas, weil Philharmonische Orchester so schlecht wäre. Nein, die Partitur verlangt das gerade zu. Das wird aber nicht immer so deutlich wie bei Anna Vinnitskaya. Ihre Präzision auf allen Ebenen macht das möglich: Die genau gestufte Tongebung, die überlegen eingesetzte Artikulation und ihre natürliche Phrasierung bestechen immer wieder durch hohe Genauigkeit, die sich auch im Orchesterpart wiederfindet.

Denn das Philharmonische Staatsorchester ist kurz vor der Sommerpause in hervorragender Form. Das zeigte schon die klare Tonsprache der Helios-Ouvertüre von Carl Nielsen am Beginn, vor allem aber die fünfte Symphonie von Jean Sibelius. Er selbst hat sie mal als eine einzige, auf den Triumph des Schlusses ausgerichtete Steigerung beschrieben. Und das passt auch auf die Mainzer Aufführung. Denn Dirigent Hermann Bäumer zeigt in hörenswerter Klarheit die Modernität der vor fast hundert Jahren entworfenen Musik. Das beginnt mit der verschleierten Form des ersten Satzes und erstreckt sich bis in den letzten Schlussklang. Vor allem aber wird Sibelius Fünfte im Theater ein klangliches Fest: Von den fantastisch klar und einprägsam klingenden ersten Abschnitten der Holzbläser am Beginn bis zu der grandios ungeheuerlichen Spannung des letzten Satzes, die bis in den allerletzten Moment der irrsinnig zerrischenen Schlussakkorde reicht: Unter Bäumers Händen wird die Partitur plastisch und lebendig, wie ein erweckter Organismus, wie zu Leben gekommene Ideen und wie eine vollkommene Nachbildung des mystischen Naturerlebnis, das Sibelius zu dieser Musik inspirierte.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Meisterkonzert mit und ohne Weihnachten

von Matthias

am 14. Dezember 2011

in musik

Es sieht fast wie ein normales Meisterkonzert aus: Eine kleine Haydn-Sinfonie, dann Beethovens viertes Klavierkonzert und zum Abschluss ein richtig großes sinfonisches Werk, die achte Sinfonie von Schubert. Aber Weihnachten macht sich auch im Meisterkonzert bemerkbar – zumindest ein bisschen: Die Sinfonie Nr. 26 von Haydn trägt nämlich den Beinamen „Weihnachtssinfonie“. Das ist zwar eigentlich ein Fehler, denn Haydn hat sie als Passionsmusik komponiert. Aber der besinnliche zweite Satz lässt sich auch im Advent gut hören. Vor allem, wenn ihn die Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz unter ihrem Gastdirigenten Fabrice Bollon so farbig und bildhaft musiziert wie beim vierten Meisterkonzert. In der Rheingoldhalle hatte Bollon schon mit den ersten Haydn-Takten die Richtung vorgegeben: Kräftig zupackend formt er vor allem sehr satte Streicherklänge und bemüht sich um deutliche, manchmal sogar grelle Farben. Prachtvoll und sehr repräsentativ wirken da selbst die andächtigen Klänge des Mittelsatzes.

Ähnlich rustikal ließ er das Ludwigshafener Orchester dann die achte Sinfonie von Franz Schubert musizieren. Die hat ihren Beinamen „Große“ zwar vor allem bekommen, weil Schubert noch eine zweite, frühere C‑Dur-Sinfonie komponiert hat, die einfach deutlich kürzer ist. Bei Bollon ist das „groß“ aber durchaus entscheidend: Mächtig und wuchtig stapelt er die dicken Akkorde auf das felsefeste Fundament der dröhnenden Posaunen. Ungeheuer massiv wirkt da fast jeder Ton, jede Phrase wie für die Ewigkeit. Fragen oder gar Zweifel findet der Dirigent in dieser Partitur überhaupt keine, befiehlt stattdessen felsenfeste Gewissheiten. Das ist natürlich, gerade im zweiten Satz und schließlich vor allem im Scherzo, eine unerbittliche Vereinfachung. Eine Vereinfachung, die trotz ihrer Verzerrung klanglich durchaus wirken kann, auch wenn im Finale die Kantigkeit und Schärfe dieser Klangkonstruktion leider etwas verloren geht.

Viel faszinierender blieb da Beethovens viertes Klavierkonzert in Erinnerung. Denn Jasminka Stancul spielte das wunderbar schnörkellos und trocken, mit fast heiligem Ernst. Dabei blieb das Konzert im Kern auch bei ihr natürlich unverkennbar romantisch. Aber die zartfühlige Poesie ihrer Phrasierung verband sich wunderbar mit ihrer klaren Tongebung. Vor allem aber gelang der Pianistin und dem Orchester ein erregendes Miteinander – und genau darauf kommt es bei diesem Konzert an. Zumal Bollon aus dem Orchester auch feine Klangfarben kitzeln konnte, die die Staatsphilharmonie in der Rheingoldhalle nicht immer bietet. So ausgewogen und balanciert im Hin und Her der Musik war das wirklich ein intellektuell und emotional aufregendes Spiel – und ganz unabhängig von der Jahreszeit.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Himmlische Freuden

von Matthias

am 28. November 2011

in musik

„Wir genießen die himmlischen Freuden“ — das Motto für seine Interpretation scheint der Dirigent Peter Hirsch direkt aus dem Schlusssatz der vierten Sinfonie von Gustav Mahler genommen zu haben. Damit endete er das dritte Sinfoniekonzert im Staatstheater – und damit triumphierten er und das Philharmonische Staatsorchester. Anfangs, bei Leos Janáceks Orchester-Ballade „Des Spielmanns Kind“, reagierte das Mainzer Publikum noch sehr zurückhaltend. Nicht ganz ohne Grund, denn das blieb wirklich noch ziemlich blass. Gefallen hatten auch Alban Bergs „Drei Bruckstücke“ aus dessen Oper Wozzeck nicht – obwohl Hirsch und die Sopranistin Marlene Mild den grausigen Schrecken dieser Musik sehr überlegt und gekonnt Gestalt werden lassen. Aber ob das Publikum dann so eine Mahler-Sinfonie erwartet hatte? Denn Hirsch ging einen eigenen, sehr gefährlichen Weg: Er radikalisierte die 1901 uraufgeführte Sinfonie total – zu einer eminent modernen Musik.

Der in dieser Hinsicht durchaus extremistische Dirigent änderte auch sein Auftreten vollkommen: Er schwebt fast vor dem Orchester, der Taktschlag ist kaum noch zu erkennen, für jeden Klang formt er eine eigene Geste, ja fast eine eigene Erscheinung. Permanent verwandelt er sich vom imposanten Großmeister und Dompteur zum scheuen Kitz, vom steifen Zelebranten zum wild fuchtelnden Derwisch: Und jeder Klang, jede Phrase klingt dann auch ganz eigen. Diese Sinfonie ist ein einziges Fest der Ambivalenzen: Hirsch lässt sie im Zustand der permanenten Störung spielen. Ruhe und Ordnung, oder auch nur so etwas wie Gleichgewicht, gibt es hier nicht. Oder höchstens ganz kurzzeitig. Leicht geht hier nichts, Verzögerungen und Stolpern werden zur geplanten Normalbewegung.

Und doch ist das Philharmonische Orchester immer ganz bei sich: Sein durchweg sehr klarer, schlanker Klang wird dann im zweiten Satz etwa wunderbar hohl. Und vor allem ist das Orchester in der Lage, die irrsinnigen Spannungen, die Hirsch fordert, wirklich auszuhalten. Er zerdehnt die Musik gerne bis an die Schmerzgrenze, forciert Brüche bis kurz vor das Reißen – und das immer wieder und wieder. Ein unermesslich riskantes Spiel ist das: Schafft er es, die schweren Zentrifugalkräfte noch im Schach zu halten? Oder fliegt ihm gleich alles um die Ohren? Man erwartet die Katastrophe fast in jedem Takt, nach jeder Phrase rechnet man mit dem Chaos – und jedes Mal wird man erneut enttäuscht. Oder eben begeistert: Selbst im unendlich quälend langsamen dritten Satz wird die Spannung nahezu unerträglich ausgeweitet. Doch alles hält – auch dank Marlene Mild, die mit unschuldig-klarem Ton fast überdeutlich wirkt. In der Kombination ist das eine nahezu absurde Energie, die Hirsch aus der Sinfonie entwickelt. Und damit hat der Dirigent fast geschafft, dass die Schlusszeilen wahr werden: „Kein’ Musik ist ja nicht auf Erden, die unserer verglichen kann werden.“

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Es ist vollbracht: Gardiners Brahms-Aufnahmen

von Matthias

am 11. April 2011

in musik

John Eliot Gardiner hat eine Vorliebe für große und ungewöhnliche Projekte. Nach der Bach-Pilgrimage hat er sich inzwischen einem anderen großen B zugewendet: Brahms und seinen Sinfonien. Dessen vier Symphonien reichen aber nicht, das war dem Dirigenten offenbar zu wenig. Also hat Gardiner für seine Live-Aufnahmen noch große Chorwerke hinzugefügt — vorn Brahms, seinen Zeitgenossen, aber auch von ganz alten Meistern wie Gabrieli, Schütz und Bach. Er will damit vor allem die Vokaltät der Brahmsschen Orchesterwerke hervorheben. Inzwischen ist er damit auch fertig: Vier wunderschön klingende und auch schön anzuschauende CDs sind es geworden, die er mit “seinem” Orchester, dem Orchestre Révolutionnaie et Romantique, und dem Monteverdi-Choir eingespielt hat und auf seinem eignen Label Soli Deo Gloria veröffentlicht hat (vgl. Neue Chorzeit xx/xx).

Die dritte Symphonie wird ausschließlich von Chorwerken des Meisters selbst gerahmt. Vor allem der „Gesang der Parzen” und die „Nänie” stechen positiv hervor: Mit Augenmaß lässt Gardiner den Monteverdi-Choir sowohl den dramatischen Gestus als auch feine Details der Textausdeutung realisieren.

Auch die vierte CD dieser Reihe fängt ganz ausgesprochen dramatisch an, mit Beethovens Coriolan-Ouvertüre. Und geht dann auch so weiter . Geschmeidig und diszipliniert zugleich ist Gardiners Interpretation aller vier Symphonien, die schwungvoll die Dramatik der Partitur weckt, ohne je bemüht zu wirken. Genauso natürlich und ganz entspannt selbstverständlich (darin wirken diese Aufnahmen fast klassisch) lässt er den Monteverdi-Choir auch die Vokalwerke singen. Selbst die etwas spröderen Brahmsschen „Fest- und Gedenksprüche” fließen bei ihm ganz harmonisch aus den Lautsprechern. Nicht nur hier, auch bei den ausgewählten Chorsätzen von Giovanni Gabrieli, Heinrich Schütz und Johann Sebastian Bach, zeichnen sich diese Aufnahmen immer durch eine angenehme Kombination aus Freude an der Detailgenauigkeit und großzügiger klanglicher Gestaltung aus.

Ob die unmittelbare Nachbarschaft der großen Vokalwerke die Symphonien nun wirklich in einem ganz anderen Licht erscheinen lässt, ist eigentlich egal. Jedenfalls gelingen Gardiner alle vier in vorzüglicher Weise. Und wenn es dazu noch interessante Chormusik gibt — umso besser.

(geschrieben für die Neue Chorzeit.)

genies der klassik — bekannte und weniger bekannte

von Matthias

am 22. Dezember 2008

in kritik, musik

Genies waren sie egentlich alle drei. Und doch hat nur Wolfgang Amadeus Mozart geschafft, was Louis Spohr und Luigi Cherubini verwehrt blieb: Dauerhaft im Bewusstsein der Musikliebhaber und auf den Konzertpodien präsent zu sein. Seine 29. Sinfonie stand im vierten Sinfoniekonzert des Theaters neben dem einzigen sinfonischen Werk Cherubinis, dass eher selten zu hören ist. Auch Spohr ist wenn überhaupt mit Kammermusik zu hören – ganz bestimmt nicht mit seinem Concertante für zwei Violinen und Orchester. Denn wann sind schon zwei Violinisten von Rang bereit, sich gegenseitig die Schau zu stehlen? Selbst Ingolf Turban und Kolja Lessing machen das nicht allzu oft. Leider. Denn sie können es wahrlich vortrefflich. Ihre perfekte, oft beinahe symbiotisch scheinende Ergänzung in musikalischer Hinsicht demonstrierten sie im Staatstheater schon vor dem ersten Ton – mit einer genau synchronisierten Verbeugung. Und so fuhren sie dann auch fort. Klanglich gelang ihnen der Spagat zwischen vollkommener Übereinstimmung und beharrender Individualität erstaunlich gut. Obwohl keiner der beiden seine eigenen Qualitäten verleugnete, ergänzten sich Turbans deutliches, präsentes Spiel und Lessigs emotionaler gefärbte Klangwelt vorzüglich. Die Vielfalt der Einfälle, die immer neuen Wendungen und nicht enden wollender Mitteilungsdrang Spohrs fanden in den beiden Solisten jedenfalls sehr energische, detailverliebte und sorgsame Fürsprecher.
Stark war auch das Engagement Catherine Rückwardts mit dem Philharmonischen Staatsorchester für Cherubinis D‑Dur-Sinfonie. Die birgt von sich aus einiges dramatisches Potenzial und viele Gelegenheiten zum effektvollen Auftrumpfen. In solcher Umgebung bewährte sich die ruhige Hand der Dirigentin ganz besonders. Denn Rückwardt ließ sich nicht von der wirkungsmächtigen Oberfläche verführen, sondern schaute tiefer. Und entdeckte da nicht nur zauberhafte klangliche Bilder, sondern auch ein gekonnt ausgearbeite musikalische Erzählung. Diese Musik wogt im Theater ganz plastisch hin und her, zwitschert und plätschert, stürmt voran, schreckt auch zurück, prallt sogar auf Widerstände und lässt sich dennoch treiben, — und das alles ist auch noch in klassische Formen verpackt: Ein typisch klassiches Geniewerk eben.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)