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haydn, nichts als haydn: die eröffnung des mainzer musiksommers

am 3. August 2009

Festlicher geht es kaum. Passender aber auch nicht: Denn die feierliche Eröffnung des Mainzer Musiksommers – der dieses Jahr schon seinen zehnten Geburtstag feiern kann – verbindet sich im ersten Konzert mit einer intensiven Würdigung eines der diesjährigen Jubilare der Musikgeschichte. Domkapellmeister Mathias Breitschaft dirigierte zum Auftakt der diesjährigen, gemeinsam von SWR und der Stadt Mainz veranstalteten Konzertreihe, nämlich ein reines Haydn-Programm. Und obwohl er in „seinem“ Raum, dem Dom, naturgemäß vorwiegend Kirchenmusik heranzog, ein gleichermaßen repräsentatives und abwechslungsreiches. Denn neben dem Zentrum, der Großen Orgel-Solo-Messe und dem „Te Deum Laudamus“ noch zwei Orgelkonzerte aus dem reichen Fundus, den Haydn auch da hinterlassen hat.

Der Limburger Organist Markus Eichenlaub meisterte dabei auch die virtuosen Passagen fast nonchalant, immer mit coolem understatement und lässiger Eleganz, die ihre Wirkung vor allem aus der leicht dahin fliegend, locker und entspannt wirkenden technischen Präzision schöpfte. Das Kurpfälzische Kammerorchester ließ Breitschaft etwas erdiger und stärker grundiert begleiten. So bot er dem Solisten viel Raum, der sich – aus der Partitur spielend – aber lieber zurückhielt und geschmeidig in den Gesamtklang eingliederte.

Doch im Zentrum des Eröffnungskonzertes stand mit der großen und großartigen Messe eine fröhlich-überschwängliche Vertonung des Ordinariums. Und Breitschaft ließ keinen Zweifel an seiner Bereitschaft, der Messe nicht nur Power ohne Ende mitzugeben, sondern auch stark kontrastierende zarte und innige Momente. Und dann wieder war die Messvertonung spritzig-pulsierend bis zur Grenze des Wahnwitzes. Aber es ging alles gut – der Domkammerchor war bestens präpariert und verwöhnte mit jugendlich-frischem und schlanken Klang. Und die versierten Solisten, neben der gewohnt souveränen Janice Creswell und der klaren Diana Schmid sowie dem zurückhaltenden Bass Clemens Breitschaft vor allem der charismatische und engagierte Tenor Daniel Jenz, ließen auch keine Wünsche offen.

Ähnlich forsch ging der Domkappellmeister auch das C‑Dur-Te deum an. Das wurde dann so rasant und energieprotzend, dass es fast einen Tick angeberisch wirkte. Aber nur fast: Denn Breitschaft blieb immer gerade noch so kontrolliert und zielgerichtet, dass das Te deum zu einer unwiderstehlichen Verführung, einer sanften, unmerklichen Überredung hin zu Glauben und Kirche, wurde. Dass so wunderschöne Musik entstand, war fast nur ein Nebenprodukt. Aber wenn das so gut gelingt, dann lässt man ihm die Absicht zur Verführung – die schließlich durchaus im Sinne Haydns ist – gerne durchgehen. Und hofft, dass die restlichen Konzerte des Musiksommers genauso viele Verheißungen preisgeben werden.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

genies der klassik – bekannte und weniger bekannte

von Matthias

am 22. Dezember 2008

in kritik, musik

Genies waren sie egentlich alle drei. Und doch hat nur Wolfgang Amadeus Mozart geschafft, was Louis Spohr und Luigi Cherubini verwehrt blieb: Dauerhaft im Bewusstsein der Musikliebhaber und auf den Konzertpodien präsent zu sein. Seine 29. Sinfonie stand im vierten Sinfoniekonzert des Theaters neben dem einzigen sinfonischen Werk Cherubinis, dass eher selten zu hören ist. Auch Spohr ist wenn überhaupt mit Kammermusik zu hören – ganz bestimmt nicht mit seinem Concertante für zwei Violinen und Orchester. Denn wann sind schon zwei Violinisten von Rang bereit, sich gegenseitig die Schau zu stehlen? Selbst Ingolf Turban und Kolja Lessing machen das nicht allzu oft. Leider. Denn sie können es wahrlich vortrefflich. Ihre perfekte, oft beinahe symbiotisch scheinende Ergänzung in musikalischer Hinsicht demonstrierten sie im Staatstheater schon vor dem ersten Ton – mit einer genau synchronisierten Verbeugung. Und so fuhren sie dann auch fort. Klanglich gelang ihnen der Spagat zwischen vollkommener Übereinstimmung und beharrender Individualität erstaunlich gut. Obwohl keiner der beiden seine eigenen Qualitäten verleugnete, ergänzten sich Turbans deutliches, präsentes Spiel und Lessigs emotionaler gefärbte Klangwelt vorzüglich. Die Vielfalt der Einfälle, die immer neuen Wendungen und nicht enden wollender Mitteilungsdrang Spohrs fanden in den beiden Solisten jedenfalls sehr energische, detailverliebte und sorgsame Fürsprecher.
Stark war auch das Engagement Catherine Rückwardts mit dem Philharmonischen Staatsorchester für Cherubinis D‑Dur-Sinfonie. Die birgt von sich aus einiges dramatisches Potenzial und viele Gelegenheiten zum effektvollen Auftrumpfen. In solcher Umgebung bewährte sich die ruhige Hand der Dirigentin ganz besonders. Denn Rückwardt ließ sich nicht von der wirkungsmächtigen Oberfläche verführen, sondern schaute tiefer. Und entdeckte da nicht nur zauberhafte klangliche Bilder, sondern auch ein gekonnt ausgearbeite musikalische Erzählung. Diese Musik wogt im Theater ganz plastisch hin und her, zwitschert und plätschert, stürmt voran, schreckt auch zurück, prallt sogar auf Widerstände und lässt sich dennoch treiben, – und das alles ist auch noch in klassische Formen verpackt: Ein typisch klassiches Geniewerk eben.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

st. petersburg und mainz

von Matthias

am 18. Dezember 2008

in kritik, musik

Der Zusammenprall zweier Kulturen gilt oft als ein Zeichen von Unheil. Das muss aber nicht unbedingt so sein. Gerade in der Musik haben sich immer wieder große Ereignisse aus dem Aufeinandertreffen vollkommen unterschiedlicher Stile und Musiker ereignet. Das adventliche Chorkonzert im Dom war genau so ein Fall. Im Zentrum stand zwar der St. Petersburger Knabenchor. Aber die Mainzer ließen es sich nicht nehmen, den Mädchenchor wenigstens ein bisschen singen zu lassen. Und das war eine großartige Idee. Denn einen großen Teil seiner Wirkung und Eindrücklichkeit zog diese Adventsmusik aus dieser Konfrontation. Hier traten zwei völlig verschiedene Chortraditionen ins Blickfeld, zwei ganz gegensätzliche Klangkulturen.
Den Anfang machte der Mainzer Mädchenchor. Nicht viel war es, was sie sangen. Aber es reichte Karsten Storck, um das Niveau und die Qualität seines Ensembles wieder einmal plastisch bewusst zu machen. Egal, ob verträumt und sanft schwingend wie der Satz des Weihnachtsliedes „Maria durch ein Dornwald ging“ oder federnd zupackend wie bei der ausgewählten Magnificat-Vertonung: Immer bewiesen sie volle Präsenz, vorbildliche Klarheit und Einheit des Klangkörpers, der alle Strukturen klar erkennen ließ.
Und dann der Wechsel zu den russischen Jungen. Das war nicht nur ein anderes Geschlecht, das war eine ganz andere Idee des Chorklangs. Denn Transparenz und kompositorische Strukturen waren jetzt überhaupt nicht mehr wichtig. Jetzt ging es vor allem darum, den Raum mit Klang auszufüllen – ein Vorhaben, das im Mainzer Dom zu sehr anregenden Ergebnissen führte.
Alles war immer im Fluss, jeder Übergang wurde von Wladimir Ptscholkin so sorgsam abgefedert, dass er nahezu unerkennbar wurde. Es war eine scheinbar nie versiegende Fülle weicher Klangbilder, die sie aus den Werken vorwiegend russischer Komponisten herausholten. Und es war immer wieder verblüffend, wie nahtlos sie sich in den Raum schmiegten, wie die gar nicht so vielen Kinder und Jugendliche die Energien fließen ließen. Einen Sieger gab es in diesem Konzert natürlich nicht, nur zwei völlig unterschiedliche klangliche Ergebnisse. Aber schön waren beide.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

mit viel gefühl und genauigkeit: tschaikovskij und rachmaninov im staatstheater

von Matthias

am 1. Dezember 2008

in kritik, musik

Die ersten Töne kennt wahrscheinlich jeder im ausverkauften Großen Haus des Staatstheaters. Tschaikowskijs erstes Klavierkonzert ist ein ewiger Hit, der immer für volle Säle sorgt. Vor allem, wenn er von einer Pianistin wie Evgenia Rubinova – auch in Mainz keine unbekannte Größe mehr – vorgetragen wird. Die ersten Töne also. Sie sind nicht nur ein Zeichen des Werkes, sondern sie zeigen auch immer schon sehr deutlich die Richtung, die die Interpreten nehmen. Im Staatstheater werden mehrere Dinge erkennbar. Einmal wird hier mit großer Genauigkeit und wirklicher Lust am differenzierten Klang musiziert. Andererseits der Klang an sich: Schon die ersten Töne der Pianisten zeigen ihre geschmeidige Kraft, ihre Fähigkeit, aus dem simplen Flügel eine Unzahl an Klangvariationen aufsteigen zu lassen. Und schließlich die Versenkung in die Tiefen der imaginären Welt des Klavierkonzertes. Das sind alles altmodische, fast selbstverständliche Tugenden, die gerade bei diesem Konzert viele Musiker aber auf dem Altar der oberflächlichen Brillanz opfern. Nicht so dieses Duo an den Tasten und auf dem Pult. Und das nicht aus Verlegenheit. Gerade die beiläufige Nonchalance, mit der Rubinova sich der virtuosen Passagen entledigt, zeigt ihre Fähigkeiten. Aber ihr geht es eben um etwas anderes: Um die subtilen Klangfelder und ihre vielfältigen Strömungen, die aus dem radikal nach innen gewandten Kampf zwischen Orchester und Soloinstrument erwachsen. Die Genauigkeit, mit der sie sich dem poetischen Feinzeichnen hingibt, bringt immer wieder erstaunliche Ergebnisse und richtige Entdeckungen hervor. So unmittelbar lebendig und andächtig-imitfühlend hört man das Sehnen, die nie an ihre Ziel kommende Suche nach Verheißung und Erlösung aus der Ungewissheit nur selten.
Die zweite Konzerthälfte kehrte die Verhältnisse vollkommen um. Zumindest was die Bekanntheit der Musik angeht: Sergej Rachmaninows „Sinfonische Tänze“, seine letzte Komposition, dürften nur die wenigsten kennen – zumal das Philharmonische Staatsorchester sie hier zum ersten Mal spielt. Das ändert aber wenig an der Hingabe, mit der Catherine Rückwardt den Fluss dieser Musik ausbreitet. Und es ist nicht ganz einfach, das zusammenzuhalten. Aber es gelingt ihr trotz der kleinteilig aufgelösten Struktur und der sehr abwechslungsreichen Instrumentation. Denn statt den momentanen Nervenkitzel und Ohrenschmeicheleien zu erliegen, hält sie das kunstvolle Gleichgewicht immer aufrecht. Und damit kommt Rachmaninow genauso zu seinem Recht wie Tschaikowskij.
(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

nichts für müde beine oder müde ohren: candy dulfer in mainz

von Matthias

am 19. November 2008

in kritik, pop

„Candy Store“ steht in großen Buchstaben über der Bühne geschrieben. Aber das ist irreführende Werbung. Denn was hier über die Bühne geht, ist alles andere als süß. Die niederländische Saxophonistin Candy Dulfer ist es, die mit ihrer Band den Frankfurter Hof aufmischt.
Nach längerer Abstinenz ist die Meisterin des Funk mal wieder in Mainz. Und kaum steht sie auf der Bühne, geht die Party auch schon los. Denn das ist nichts zum Zuschauen, jeder Groove geht in die Beine: Diese Funkattacke würde auch hartgesottene Partymuffel überwältigen – wenn denn welche da wären. Denn die Party findet nicht nur auf der Bühne statt, sondern auch davor. Kein Wunder – schließloich präsentieren sich die Musiker vom ersten bis zum letzten Ton energiegeladen und spaßgetrieben. Das ist sozusagen die perfekte Novembermusik.
Dafür bedient sich Candy Dulfer wieder einmal ausgiebig vom reichhaltigen Funkbuffett. Trotz der Fülle schmeckt es aber ausgezeichnet. Oder gerade deswegen. Denn das ist alles andere als ein chaotisches Sammelsurium. Sondern eine perfekt abgestimmte Menüfolge. Nicht ohne Verdienst daran ist die Crew, die die Chefköchin Dulfer unterstützt. Das Zusammenspiel ist ausgesprochen dicht. Deutlich wird das noch einmal, wenn sie für das Finale einen großartigen Groove über mehrere Minuten schön sorgsam von unten Stück für Stück, Instrument für Instrument aufbauen – da bleibt niemand unberührt, da kocht der Saal beinahe über. Es ist aber auch wirklich ein Groove der Extraklasse, der dabei herauskommt. Und damit passt er genau zum krönenden Abschluss. Denn wenn etwas bezeichnend für Dulfer und ihre Band ist, dann ist es die Fähigkeit, alles und jedes grooven zu lassen.
Ein bisschen etwas Wahres ist also doch dran, an der Verheißung eines „Candy Stores“: Denn die Menge an Zutaten, die vielen Auswahlmöglichkeiten, von denen sich Candy Dulfer und ihre Band bedienen könne, erinnern schon an die überwältigenden Möglichkeiten eines Süßwarenhandels. Einen Zuckerschock bekommt man davon allerdings nicht. Und außerdem ist so ein Konzert auch noch besser für die Figur.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung). was nicht drin steht: der ziemlich mäßige sound im hinteren teil des saales – trotz oder wegen der ziemlich heftigen lautstärke …

sibelius und schostakowitsch im staatstheater

von Matthias

am 11. November 2008

in kritik, musik

Es war kein reines Zuckerschlecken, das zweite Sinfoniekonzert im Mainzer Staatstheater. Aber dafür ein großartiges Erlebnis. Und das aus vielen Gründen. Zum einen wäre da die Solistin, die Cellistin Tatjana Vassiljeva. Schon die ersten Töne des hochvirtuosen ersten Violoncello-Konzertes von Dimitri Schostakowitsch setzten Maßstäbe, denen Tatjana Vassiljeva auch durchweg gerecht wird. Der ganze erste Satz ist ein einziger atemloser Spurt, den die Russin mit grenzwertigem Druck und mit bis zum Zerreißen angespannter Konzentration absolviert. Über den stärker singenden, aber immer noch sehr fokussierten zweiten Satz bis in die funkensprühende Rasanz und kristallne Klarheit der Kadenz bis zur intensiven Dichte des Schlusses reicht die Anspannung in einem einzigen großen Bogen.
Der zweite Grund für das besondere Gelingen des Konzertes war das Philharmonische Staatsorchester. Denn die boten deutlich mehr als übliche Routine. Die klangliche Geschlossenheit und einsatzfreudige Hingabe, mit der die Musiker spielten, beflügelte nicht nur Schostakowitschs Konzert, sondern auch und vor allem die vierten Sinfonie von Jean Sibelius.
Und die führt auch schon direkt zum eigentlichen Zentrum des Abends: Arvo Volmer. Denn vor allem an ihm lag es, dass die vierte Sinfonie zu so einem Erfolg wurde. Ihm gelingt es nämlich scheinbar ohne besondere Anstrengung, die vielen, nach allen Seiten ausgreifenden Episoden dieser Musik immer fest zusammen zu schweißen. Und darüber hinaus, diese Einheit auch noch ganz natürlich und organisch wirken zu lassen. Das ist zwar in jedem Moment sehr gut bedacht, aber nie bedächtig. Denn auch wenn er sich durchaus Zeit für die genau ausgearbeitet Entfaltung der Musik und ihrer Form nimmt – langweilig wird das nie. Das liegt vor allem daran, die Einheit seiner Interpretation der inneren Logik der Sinfonie sehr genau folgt. Sie behauptet nie eine heile Welt, sondern vermittelt auf verblüffend deutliche und übersichtliche Weise ganz viel: Die Erfahrungen und Einsichten des Komponisten in den Zustand der Welt und das Wesen der Moderne. Das geht weit über bloß anregende Unterhaltung hinaus und ist alles andere als harmlose, beliebige Kunst – aber dafür umso lohnender. Vor allem, wenn es so deutlich und überzeugend musiziert wird wie im Staatstheater.

beethoven und das motorrad

von Matthias

am 30. Oktober 2008

in kritik, musik

so, ersteinmal der „offizielle” text, den ich für die mainzer rhein-zeitung geschrieben habe:

Motorräder kommen im klassischen Konzertleben recht selten vor. Aber andererseits sind auch Posaunenkonzerte im traditionellen Repertoire eher dürftig gesät. Was liegt also näher, als diese beiden Seltenheiten zur potenzierten Unwahrscheinlichkeit zu kombinieren?
Der Posaunist Christian Lindberg hat keinen Hinderungsgrund gefunden. Er geht sogar noch einen Schritt weiter: Um das „Motorbike Concerto” von Jan Sandström so richtig authentisch aufzuführen – schließlich ist es eigens für ihn komponiert worden – schlüpft er sogar in eine passende Motorradkluft. Nur das Motorrad fehlt also noch in der Rheingoldhalle. Aber zusammen mit der Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz und deren Dirigenten Ari Rasilainen entfaltete Lindberg immerhin eine täuschend echte Geräuschkulisse.Das Motorrad, das Lindberg hier eloquent und mit vollem Einsatz verkörpert, dröhnt und röhrt, quietscht und braust durch die diversen Landschaften. Sehr pittoresk ist das alles, serviert immer mit einem gehörigen Schuss Komik. Denn Sandström hat hier Programmmusik reinsten Wassers geschrieben. Bekanntermaßen ist ja ein Motorrad mehr als ein bloßes Fortbewegungsmittel, sondern ein regelrechter Lebensstil. Und auf Tour bekommt so einiges mit – so viel, dass auch das „Motorbike Concerto” noch nach allen Seiten von Eindrücken und Einfällen überquillt.¹
Ganz im Gegensatz dazu dann der Klassiker überhaupt, Beethoven. Und gleich noch seine „Über&”-Sinfonie, die Fünfte. Hochtrabende und gewichtige Deutungen umranken und überwuchern das Werk seit der Uraufführung vor ziemlich genau zweihundert Jahren. Aber das schein Rasilainen gar nicht so sehr zu bekümmern. Ohne besonders übereifrige Überhöhung nimmt er sie erst einmal einfach als das, was sie schließlich ist: Musik. Und so offen bleibend, ohne der Vagheit anheim zu fallen, entwickelte die Staatsphilharmonie ein sehr geschlossenes Klangbild. Der Dirigent profilierte sich als fließender Erzähler, der ganze Lebensentwürfe und Geschichten entfaltet.² Ohne Zweifel oder auch nur das leiseste Zögern überstehen die selbst die harten Konfrontationen mit der Realität im dritten Satz. Und immer wieder überwältigend ist natürlich die Wucht dieses unzerstörten Glaubens an die Kraft des Individuums, die das Finale unter der herrisch gebietenden Hand des Dirigenten entfaltet. Und auch wenn die Staatsphilharmonie ausgerechnet auf der Zielgeraden, in den letzten Takten, das Ende schon vorwegnimmt und deutlich an Präzision und Klarheit verliert, bleibt das Zusammenwirken aller Kräfte selbstverständlich immer noch triumphal – anders kann Beethovens Fünfte gar nicht enden.³

Show 3 footnotes

und da haben wir auch schon eines der zentralen probleme: im prinzip hat sandström die form nämlich überhaupt nicht bewältigt. das ist bloß eine einfallslose aneinanderreihung von episoden. anderer probleme sind aber gravierender: die aussage dieser musik nämlich gleich null. eigentlich ist das nur ein sehr aufwändiger kindergarten: sandström erfuhr, was lindberg auf der posaune so alles anstellen kann. und was er schon gehört hat. das hat er dann – weitgehend traditionell (das modernste moment ist die emanzipation des geräusches (aber nur als geräusch, nicht als musikalischer faktor), die aber auch schon seit hundert jahren gegessen ist) – hingeschrieben. technisch mag das ziemlich bis sehr anspruchsvoll sein, der posaunist muss so einiges tun für sein geld. aber das meiste sind eben mätzchen. und die sind musikalisch so überhaupt nicht motiviert. das schlimmste daran ist ja fast, dass so etwas natürlich großen erfolg beim publikum hat: die oberfläche ist halt nett, nicht so arg kompliziert und vor allem sehr sehr pittoresk. denken muss man nicht dabei. das ist wahrscheinlich der größte erfolgsfaktor dieser musik, dass sie denkerischen mitvollzug eigentlich sogar unterbindet, nicht nur nicht fördert oder fordert. ↩
nur so nebenbei: der unterschied zur erzählweise sandströms ist enorm: denn beethoven hat inhalte – so unspezifisch sie im musikalischen ausdrucksverfahren bleiben mögen. sandström hat nur eine bloße bilderfolge, keine narration, keine – inhaltlich gefüllte – erzählung. und das ist ein wesentlicher unterschied. im prinzip nämlich schon die differenz zwischen kunsthandwerk und kunst. oder halt zwischen unterhaltungsmusik und kunst. oder wie auch immer … ↩
nicht besprochen habe ich jetzt die das konzert eröffnenden „egmont-ouvertüre” von beethoven und schließlich ferdinand davis „concertino für posanue” op. 4. letzteres muss man aber eigentlich auch nicht groß erwähnen – ein virtuosenstückchen halt, dass lindberg mit technischer souveränität sehr gelassen herunterspielt. besonders nachhaltig ist die wirkung dieser musik nicht gerade. so eine dutzendware aus dem 19. jahrhundert halt – ganz nett, aber nicht sehr eindrucksvoll. die egmont-ouvertüre hat rasilainen auch eher noch zum warmmachen genutzt. auch das ist ja so eine unsitte des konzertwesens, sich während dem konzert noch einzuspielen, aufeinander einzustellen. passiert aber sehr häufig. und wird oft genug auch entsprechend geplant mit so kurzen füllstücken, damit wesentlich nix wichtiges versaut wird. nagut, so schlimm war’s auch nicht. aber halt auch nicht besonder oder bemerkenswert. ↩

lieder aus der fremde = gute unterhaltung?

von Matthias

am 28. Oktober 2008

in kritik, musik

Gefühl ist Trumpf, ohne Gefühl geht hier gar nichts. Salome Kammer kann sich das aber auch leisten. Denn die Sopranistin – den meisten eher als Schauspielerin aus den „Heimat“-Filmen bekannt – ist ohne weiteres in der Lage, zwei Stunden über und mit Gefühl zu singen, ohne der Langeweile oder der Eintönigkeit den Hauch einer Chance zu geben.
Lieder auf Texte von Brecht hat sie sich ausgesucht, von Kurt Weill und Hanns Eisler. Der Abend steht, als Teil des Begleitprogramms zur Austellung „Das vedächtige Saxofon – ‚Entartete Musik‘ im NS-Staat“, unter dem Titel „Lieder aus der Heimat – Lieder in der Fremde“. Aber darum geht es gar nicht so sehr. Das erzwungene Exil von Dichter und Komponisten, die Erfahrung der Fremde und der Unsicherheit – all das steht für Kammer und ihren Begleiter Rudi Spring gar nicht unbedingt im Zentrum des Programm. Denn den Mittelpunkt hat ganz eindeutig die Unterhaltung besetzt. Das ist zwar ein kleiner Etikettenschwindel. Aber kein schlimmer – denn wer so gut unterhalten kann wie diese beiden Musiker, der sollte das auf jeden Fall möglichst häufig tun. Wesentliche Ingredienz für den Erfolg ist die große Vielfalt. Und zwar in jeder Hinsicht: Von der Auswahl der Lieder bis zur stimmlichen Umsetzung und angedeuteten szenischen und mimischen Präsentation – Langweile hat hier im Ratsaal überhaupt keine Chance.
Aber auch die Sentimentalität nicht. Denn Salome Kammer wird nie gefühlsduselig. Auch bei den großen Hits von Brecht/Weill, der Seeräuber-Jenny etwa oder „Und was bekam des Soldaten Weib“ zeichnet sich die Sängerin vor allem durch die chamäloenhaftige Verwandlungen ihrer Stimmungen aus, die sehr genau treffen.
Noch etwas konzentrierter, fokussierter – und deshalb auch wirkungsstärker – sang sie die Eisler-Lieder. Vor allem bei der Auswahl aus dem Hollywood-Liederbuch konnte sie die knappen, trotz ihrer kunstvollen Form sehr aufs Wesentliche reduzierten Lieder stark machen, sie vital und charmant vibrieren lassen.
Hier war das Duo ohne Zweifel am stärksten. Aber gerade hier stellte sich manchmal doch die Frage: Nimmt Salome Kammer das nicht alles ein wenig locker? So anregend es immer wieder ist, ihr zuzuhören und zuzuschauen – manches Lied hat komplexere Inhalte und mehr zu entdecken, als sie ihm zugestehen will. Denn bei allem Witz und bei aller Raffinesse, die Brecht und sowohl Weill als auch Eisler immer wieder versprühen: Alle diese Lieder sind bis auf ihren Kern geprägt von den tragischen Erfahrungen des 20. Jahrhunderts, wie sie ihre Schöpfer miterlebten. Doch dieses Stimmung und dieses Gefühl wollten Kammer und Spring nicht mit ihrem Publikum teilen.

geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.

internationale pianisten in mainz, die achte saison

von Matthias

am 25. Juni 2007

in medien, musik

heute morgen: pressekonferenz des swr zum neuen programm der konzertreihe „internationale pianisten in mainz” (die drögheit dieses titels begeistert mich immer wieder – zum glück sind die konzerte im normalfall wesentlich inspirierter). viel zu berichten gab es eigentlich nicht, das programm ist auch nicht besonders aufregend (wenig wirklich spannende programme, viel, sehr viel, normales repertoire).

peter stieber, leiter der swr2 landesmusikredaktion rheinland-pfalz (auch ein schön umständlicher titel, aber beim swr gibt es offenbar immer noch fast alles doppelt …) sprach aber erstaunlich offen über die probleme, künstler zu außergewöhnlichen programmen zu motivieren. andererseits: das ist so überraschend auch nicht, wenn man genauer darüber nachdenkt. denn die erarbeitung eines programms oder zumindest einzelner stücke kostet den pianisten einfach zunächst einmal viel zeit. ungewöhnliche, neue stücke wird er, wenn er in den üblichen klassik-markt hinein will (und das wollen eben die meisten, nur dort gibt es schließlich viel ruhm und viel geld (wenigstens potentiell)), aber nur sehr selten bis gar nicht in seinen konzerten spielen können – also ganz simpel eine investition, die sich nicht rentiert, weil sie überhaupt nicht die chance dazu bekommt. das kann man beklagen oder nicht – so lange man die gestaltung der kultur immer mehr dem markt überlässt, wird man das nicht ändern können. so etwas ließe sich nur eben durch gezielte förderung und unterstützung langfristig bewegen. aber der swr will ja auch den saal vollbekommen – und das geht eben doch am einfachsten, wenn man das publikum nicht zu sehr strapaziert und verschreckt – da wäre dann zumindest einiges an zusätzlichem aufwand nötig (aber veranstaltungen wie etwa die des ensemble modern zeigen ja, dass das nicht grundsätzlich unmöglich ist).

das eigentliche ergebnis (für die mainzer rhein-zeitung) ist zwar eher uninteressant, sei hier der vollständigkeit halber aber doch präsentiert:

Das verflixte siebte Jahr ist überstanden: Im Herbst geht die Konzertreihe „Inernationale Pianisten“ in die achte Saison. Und bisher ist alles gut gegangen, der SWR als Veranstalter ist sehr zufrieden mit dem Mainzer Publikum: Die Konzerte sind mit einer Auslastung von 85 Prozent immer gut besucht. Und Peter Stieber, als Leiter der Landesmusikredaktion verantwortlich für die Gestaltung der Reihe, ist besonders erfreut über das junge Publikum: 45 bis 50 Jahre ist das im Durchschnitt alt – vergleichbare Reihen sind mindestens zehn Jahre älter. Da ist es nicht überraschend, dass die Macher auch in diesem Jahr am bewährten Konzept festhalten: Junge Pianisten oder unbekannte Namen werden eingeladen, in Mainz ein Konzert auch mit neuer und ungewöhnlicher Musik zu spielen – selbst wenn das bei den Künstlern mitunter etwas Überredung erfordert.
Im September geht es los im Frankfurter Hof. Den Beginn macht Oleg Maisenberg, der erste der drei Russen, die nach Mainz kommen werden. Und Maisenberg ist auch gleich mit Abstand der Älteste – und Bekannteste der Klaviervirtuosen. Er wird ein ganz klassisch-romantisches Programm mit Musik von Schubert, Schumann und Brahms spielen. Im Oktober wird sein Landsmann Alexei Volodin das Repertoire etwas ausweiten: Neben Bach und Beethoven hat sich der Pianist am Anfang seiner Karriere vor allem mit leidenschaftlich-virtuosen Darbietungen hervor getan – zum Beispiel mit Musik von Chopin und Liszt. Die Reihe der Russen wird im Dezember von dem deutschen Musiker Michael Korstick unterbrochen. Der ist zwar auch schon lange als gefeierter Pianist unterwegs, doch immer noch ein Geheimtipp. Die Mainzer könnten ihn kennen, denn war kürzlich – ebenfalls für den SWR – in Schloss Waldthausen zu Gast. Auch er wird, als ausgewiesener Beethoven-Spezialist, sein Programm klassisch mit Haydn und Beethoven beginnen, dann aber zu Charles Koechlin und Charles-Valentin Alkan übergehen – zwei der unzähligen zu Unrecht untergegangenen Komponisten hervorragender Klaviermusik. Evgenia Rubinova, die jüngste Künstlerin und einzige Frau, stellt sich dem Mainzer Publikum im Januar mit einem slawisch-russischen Programm vor: Chopin, Skriabin und Rachmaninoff hat sie sich vorgenommen. Den Abschluss der Spielzeit gestalten zwei Briten. Zunächst der in England sehr bekannte, in Deutschland aber nur äußerst selten zu hörende Paul Lewis. Der Schüler von Alfred Brendel wird Mozart und Schubert mit der „Musica Ricercata“ von György Ligeti konfrontieren. Und Jonathan Plowright wird im April seinem Faible für die Raritäten des polnischen Klavierrepertoires freien Lauf lassen: Neben den zwei großen B‘s, Bach und Beethoven, wird er hauptsächlich Musik des polnischen Pianisten, Komponisten und Politikers Ignaz Paderewski spielen.