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Reinraummusik: Die King’s Singers in St. Stephan

Am 22. Juli 2011

So richtig begeistern konnte ich mich beim Auftritt der King’s Singers in Mainz nicht: Perfekt intoniert, ohne Frage – aber alles auch perfekt routiniert, vom Auf-die-Bühne-Schreiten bis zur Handhaltung alles minutiös einstudiert: Raum für Spontaneität, für Begeisterung (der Musiker selbst) gibt es hier nicht. Deswegen wird’s auch mal langweilig. Denn auch ein wahnsinnig professioneller, nahezu perfekter Ensembleklang ist alleine auf Dauer nur mäßig befriedigend. Aber trotzdem schön anzuhören ;-)

Wenn es so etwas wie königliche Reinheit gäbe – hier wäre es zu hören. Denn wenn die King’s Singers etwas beherrschen, dann ist es die mühelose Perfektion der reinen Intonation. Eine nahtlose, unzerbrechliche Einheit bilden diese sechs Sänger, vom ersten Einatmen bis zum letztenVerklingen. Und selbst die Handhaltung und das professionelle Lächeln sind bei allen gleich – Unterschiede gibt es nur in der Haartracht.

Mit unwiderstehlicher Routine produzieren die King’s Singers einen Verschmelzungsklang, der wahnsinnig machen kann. Zusammen bilden sie etwas ganz Einzigartiges, bei dem es fast egal ist, was sie singen. In St. Stephan, wo sie im Rahmen des Rheingau Musikfestvals gastierten, war das zunächst ein Gründonnerstags-Programm rund um den gregorianischen Choral „Pange lingua“. Da macht es auch nichts, das die Karwoche schon einige Zeit zurück liegt: Hier geht es nur um die Musik, und da vor allem um den puren Klang – die Texte und Inhalte spielen nur eine untergeordnete Rolle. In St. Stephan waren die Worte nur ausnahmsweise zu erahnen, verstehen konnte man die Text schon gar nicht.

Schön ist diese Musik trotzdem. Und das ist die Hauptsache, egal ob es um Motetten von Carlo Gesualdo oder von Anton Bruckner geht, ob Maurice Duruflés „Tantum ergo“ oder Tomas Luis de Victorias „Popule meus“ erklingt. Die Differenz zwischen 16. und 20. Jahrhundert wird mühelos überbrückt, die Unterschiede verschwimmen: Das sind einfach die King’s Singrs – fertig. Und das heißt: Wohlklang pur, immer wieder, egal, welche Noten gerade auf dem Pult liegen. Schon das langsame Ausklingen der Schlussakkorde allein ist dabei jedes Mal wieder bezaubernd, wie sie immer weicher werden und sich im Raum auflösen – solche Feinheiten bietet kaum ein anderes Ensemble so überzeugend. Aber besonders spannend ist das nicht, weil außer dem extrem gleichmäßig, ungemein rein ausgeformten Wohlklang für die sechs Engländer wenig anderes zählt. Ein kleines Crescendo ist da schon fast eine Sensation. Denn die zarte Zerbrechlichkeit des perfekten Vokalklangs ist eben immer in Gefahr – da würde übermäßige Expressivität nur schaden. Und schade wäre es wirklich, würde dieser Wohllaut zerstört. Doch das passiert den King’s Singers nie, ihr einzigartiger a‑cappella-Klang bleibt auch an diesem Abend ungebrochen.

Singende Seelen

Von Matthias

Am 8. Juli 2011

In musik

Wenn ein A‑Cappella-Ensemble sich den Namen „Sjaella“, für „Seele“ gibt, kann man von der ersten CD schon einiges erwarten. Besonders beseelt singen die sechs jungen Sängerinnen auf ihrer Debüt-Aufnahme allerdings eher selten. Ein bisschen schade ist das, die technischen Möglichkeiten dazu hätte die Gruppe, die trotz der Jugend ihrer Mitglieder schön sechs Jahre gemeinsam singt, nämlich durchaus. Der wilde Stilmix, das kunterbunte Sammelsurium dieser CD zeigt das deutlich: Intonationssicher und klar ausbalanciert singen sie immer, ob die Musik von Knut Nystedt stammt oder von Sting, ob gerade die Noten von Duruflés „Tota pulchra es“ oder ein Volksliedsatz an der Reihe sind: Immer wieder singt Sjaella ohne Zweifel sauber – man könnte problemlos mitschreiben. Aber Charme, Inspiration oder Esprit – das vermittelt die Aufnahme leider kaum. Deswegen hängen selbst Beatles-Hits wie „Drive my car“ oder Stings „Valparaiso“ etwas glanzlos im leeren Raum. Dabei gelingt Sjaella durchaus einiges, Diamons are a girl’s best friend etwa – das hat in seiner naiven Unschuld schon seinen Reinz … Aber ob das wirklich so tief ins Innere der Teenager-Seelen blicken lässt, wie das Booklet behauptet?

Sjaella: Sjaella. Querstand VKJK 1009. 2011. 48:52 Minuten.

(geschrieben für die Neue Chorzeit.)

Vocal Percussion und Beatbox selbst gemacht

Von Matthias

Am 19. März 2011

In musik

Das Beatboxen und die Vocal Percussion ist ja eine vergleichsweise junge Art des „Singens“, deren Geheiminisse, Techniken, Modalitäten und Ideen fast nur im direkten Kontakt, in Clubs – und über YouTube – weitergegeben wurden. Aber das ändert sich gerade – weil Beatboxen aus der Clubnische befreit wurde und immer breitere Verbreitung findet. Es kommt also gerade recht, dass Richard Filz die Basics dieser Profession vermitteln will. Und die DVD ist dafür natürlich ein naheliegendes Medium – mit einem Buch ließe sich das Nachahmen von Schlaginstrumenten höchstens halb so gut erreichen. Bei „vocal percussion basics“ darf man nicht nur Erklärungen lauschen, sondern Filz auch dabei zusehen, wie das alles entsteht. Und Filz ist nicht nur ein Beatboxer, sondern auch ein Coach mit viel Erfahrung.

Die gibt er mehr als zwei Stunden auf dieser DVD weiter. Sein Konzept ist einfach, schlüssig und übersichtlich: Ausgehend von den Grundsounds des Mund-Schlagwerks entwickelt er einfache grundlegende Rhythmen vom Rock über Funk, Hip Hop & Swing zu Latin Grooves, baut diese aus verschiedenen Bausteine zusammen, stellt mögliche Fills und Ergänzungen vor, bis hin zur eigentlichen Songbegleitung – immer mit dem Ziel der praktischen Anwendung, schießlich soll das Geübte auch im musikalischen Zusammenhang erprobt werden. Und Filz ermuntert darüber hinaus ausdrücklich zum eigenen Experimentieren und Improvisieren mit den hier vermittelten Grundlagen.

Durchweg merkt man die Erfahrung des Unterrichtens: Richard Filz macht das nämlich nicht nur vor, sondern kann auch sehr genau erklären, was wo mit welchem Teil des Mundes zu tun ist, was besonders am Anfang hilfreich ist, wie man das mit etwas Übung weiterentwickeln kann. Und nebenbei zeigt er auch immer wieder, welche Klänge und Instrumente man als Vocal Percussionist eigentlich imitiert.
Der eigentliche Lehrgang, ein interaktiver Workshop im „Call and Response“-Verfahren, wird auch immer wieder von hilfreichen Ergänzungen zur Atmung, zur Visualierung der Sounds (dem Airdrumming, bei dem die Hände das Schlagzeugspiel parallel zum Mundwerk mitvollziehen) oder zum Lippen-Warm-Up und der Mikrofonierung unterbrochen.

„Vocal Percussion basics“ wird begleitet von einem kleinen Heft mit notierten Basis-Rhythmen (das den etwas hochgegriffenen Titel „Vocal Groove Lexikon“ trägt) und einem frei zugänglichen Internet-Angebot unter http://www.vocal-percussion.com. Filz ist überzeugt: „Vocal Percussion kann jeder machen“ – immer und überall, beileibe nicht nur Sänger, auch Schlagzeuger. Und mit dieser DVD sollte zumindest der Einstieg möglich werden.

Richard Filz: Vocal Percussion basics. Interaktiver Workshop. DVD, 124 Minuten. Universal Editon UE 45017. 2009.

(geschrieben für die Neue Chorzeit.)

wise guys: so viel nettigkeit – das kann doch nicht sein

Von Matthias

Am 8. Februar 2010

In medien, musik

sie nervt zumindest ein bisschen. aber bevor ich das lästern anfange, zunächst einmal den text, den ich für die mainzer rhein-zeitung schrieb:

Sie sind bringen alle zusammen: Singende Kinder, kreischende Teenies mit und ohne Eltern, alte Fans, die schon beim ersten Konzert dabei waren genau wie zahlreich neu enthusiasmierte, solche mit Partitur unterm Arm und diejenigen, die schon im Tour-T-Shirt erscheinen und signierte CDs als Trophäen heimtragen. Bei den Wise Guys ist einfach jeder zu Hause. Und die fünf sind überall dort daheim, wo ein Bühne und einige gut gelaunte Zuhörer zu finden sind. In Mainz passiert das öfters. Jetzt wieder mal in der Phönix-Halle, um ihr neues Album vorzustellen. Das heißt „Klassenfahrt“ – ein wunderbarer, passender Titel für das Quintett. Die auch nicht mehr ganz so jungen Herren aus Köln werden nämlich einfach nicht so richtig erwachsen. Dafür haben sie viel zu viel Spaß am Rumalbern. Und am Singen. Und ganz besonders, wenn sie beides verbinden können. Zum Beispiel in der Rap-Parodie „Hamlet“, in der zumindest zwei aus ihrer Mitte, Sari und Ferenc, mal die ganz harten Kerle geben. Das erfordert einige Umstellung, denn eigentlich sind die Wise Guys viel zu nett für so etwas. Deshalb ist das auch nicht gerade der Höhepunkt des Konzertes. Davon gibt es aber mehr als genug andere – mit den alten Hits wie „Es ist nicht immer leich ich zu sein“ oder dem unvergessenlichen „Radio“. Aber auch mit neuer Musik und neuen Texten, wie immer vor allem von Dän und Eddi.
Denn, das zeigt „Klassenfahrt“ sehr schön, die Wise Guys bleiben sich treu. Und das heißt, dass sie weiterhin sehr nette, hitverdächtige Popsongs schreiben. Dass sie die als A‑Cappella-Gruppe halt ausschließlich mit ihren Stimmbändern produzieren, ist da fast zufällig. Und gar nicht so wichtig. Hauptsache, die gute Laune kommt. Dafür brauchen sie nie viel: Eine eingängige Melodie, ein unbedingt gereimter Text, etwas Augenzwinkern: Und fertig ist schon die Rock-Hymne „Latein“, die den Klassenprimus zum Helden macht. Zumindest für diesen Song. Überhaupt ihr ungebrochener Optimismus. Das wird manchmal fast zu viel, wenn sie immer noch und wieder nur an das Gute glauben – selbst „Am Ende des Tages“, mag er noch so ruppig gewesen sein. Und das „Schlechte Karma“ wird natürlich auch umgehend überwunden. Das sind eben die Wise Guys: unverdrossen gut drauf. Das es musikalisch einfallsreichere und stimmlich raffiniertere Gruppen gibt, macht da gar nix. Denn wenn die Wise Guys dann zum Beispiel „Wo der Pfeffer wächst“ anstimmen, könnten sie sich ganz entspannen und aufs pantominische Singen verlegen – das Publikum singt gerne und rundum begeistert an ihrer Stelle. Aber das tun sie natürlich nicht. Sondern legen noch einen Zahn zu und rocken auf der Bühne mal so richtig ab. Schließlich wollen ja alle Spaß haben – und das „ganz ohne Drogen“, wie es einmal heißt. Aber irgendewie sind die Wise Guys doch auch eine Droge. Man kommt einfach nicht los von ihnen.

ja, so war das. und ich habe noch ein bisschen mehr drüber nachgedacht. vielleicht ist ja der erfolg der wise guys in deutschland das beste zeichen für ihr mittelmaß – in zeit und ort -, für die zufriedenheit der musiker & des publikums mit der bequemen mitte, dem ewigen sowohl-als auch: ein bisschen witz, ein bisschen nachdenklichkeit, ein bisschen gut, ein bisschen böse, ein bisschen freud und ein bisschen leid. aber halt nichts richtig … nichts wirklich zu ende gedacht oder geführt. und das nervt nach einer weile – mich zumindest: diese ewigen halbheiten, die – das unterstelle ich – durchaus berechnet, zumindest beabsichtigt sind: nämlich aus der orientierung am größten gemeinsamen nenner. die offensichtliche ästhetische (und intellektuelle) belanglosigkeit ist die folge davon. und damit ist die musik nicht nur nachrangig, sondern auch voll zufrieden: das streben nach besonderem, nach außergewöhnlichem hat sie längst aufgegeben. das aber macht sie (fast) blödsinnig (ok, das ist vielleicht ein wenig hoch gegriffen) massenkompatibel. nur eben auch langweilig und vorhersehbar. da ist für mich einfach kein kitzel, kein reiz mehr dran – weder musikalisch noch inhaltlich irgend etwas überraschendes, neues.

schon die besetzung weist ja darauf hin: fünf männerstimmen – aber keine extreme. kein wirklich tiefer bass und kein ordetnlicher hoher tenor. auch keine beatbox oder wirklich gute vocal percussion. und, das ist die kehrseite, deswegen sind sie ja auch so wunderbar zum mitsingen geeignet. aber das liegt natürlich auch an den einfachst gebauten songs, den übersichtlichen arrangements und vor allem den eingängigen, unkomplizierten, eigentlich sogar simplen melodien.

angebissen: der don-camillo-chor auf cd

Von Matthias

Am 5. Juli 2009

In kritik, musik, pop

Musik dazu verwenden, jemanden zu verführen, ist keine neue Idee. Das Opfer mit der Musik als Köder zur Musik zu begehren, ist schon etwas ungewöhnlicher. Und wenn ein Chor das dann auch noch so offen und direkt unternimmt wie der „Don-Camillo-Chor“ aus dem Münchner Umland, dann gehen jeder Zielperson schnell die Argumente für den Widerstand aus.

Das liegt, wie ihre neueste (und erste) CD mit dem passenden Titel „Good Bait“ beweist, zu großem Teil an der jugendlichen Frische und dem unbändigen Überschwang, mit dem der gesamte Chor sich auf sein Repertoire vorwiegend aus Jazz und Pop stürzt. So eine freizügige Freude teilt sich dem Hörer in jedem Moment mit, dass er mit dem größten Vergnügen anbeißt.

Das Vergnügen ist allerdings nicht nur ein Verdienst der Sänger und ihres Chorleiters, der sie immer wieder knackig auf den Punkt fokussiert. Es liegt zu einem großen Teil auch an den angenehm einfallsreichen Arrangements, die mehrheitlich vom Dirigenten selbst oder aus der bewährten Feder des um keine Pointe verlegenen Oliver Gies stammen.

Das reicht vom feurigen „Chili con Carne“ aus dem Fundus der „Real Group“ über aufgefrische Swing-Klassiker bis zu – in ihren komplexen Arrangements kaum noch erkennbaren – Pop-Hits der letzten Jahrzehnte. Mit einer recht freien Bearbeitung von Brahms’ „Guten Abend, gut’ Nacht“ beweist der Don-Camillo-Chor dann nebenbei auch noch, dass er mehr als nur reiner Jazz-Pop-Chor ist: Diese jungen Sänger und Sängerinnen fühlen sich in vielen Gefilden zu Hause. Mit Recht. Denn „Good Bait“ ist nicht nur eine schöne, gelungene Leistungsschau, sondern auch einfach gute Unterhaltung.

Don Camillo Chor: Good Bait. Spektral SRL4-09049, 2009.

(geschrieben für die neue chorzeit)

harte männer ganz sanft: rammsteins „engel“ a‑cappella

Von Matthias

Am 10. März 2009

In kritik, pop

Mutig ist es, was der Bosse-Verlag macht: Seine neue Reihe „Bosse Hits a‑cappella“ gleich mit Rammsteins „Engel“ zu eröffnen. Denn vielen ist Rammstein in Deutschland (im Ausland übrigens im Grunde gar nicht) immer noch ein Ärgernis. „Engel“ ist aber sicherlich eines der unverfänglichsten Lieder. Und zugleich einer der großen Erfolge der umstrittenen Band, der Durchbruch in die größere Öffentlichkeit vor über zehn Jahren.

Was der Bosse-Verlag nun vorlegt, ist aber nicht so sehr eine a‑cappella-Version des Rammstein-Songs, sondern eine noch einmal bearbeitete Version – für gemischten Chor sowie Frauenchor/Männerchor – des Maybebop-Arrangements. Und das Quartett verkehrt die „Neue Deutsche Härte“ des Originals ins ziemlich genau Gegenteil – eine weiche, schmusige Ballade haben sie daraus gemacht. Mit einem recht raffinierten, sehr ökonomischen Arrangement. Das findet sich auch in den vorliegenden Sätzen so wieder – die halten sich nämlich sehr genau ans Maybebop-Original, nur minimale Anpassungen an die verschiedenen Besetzungen hat Oliver Gies noch vorgenommen.

Ein schönes Beispiel ist dieser Satz zugleich, wie sehr eine Bearbeitung den Charakter eines Stückes verändern kann: Die Noten „stimmen“ eigentlich noch ziemlich genau mit der Musik von Rammstein überein. Aber die Reduktion auf vier menschliche Stimmen und die Veränderung der Struktur tun einiges, dem Engelslied jede Härte zu nehmen – damit aber auch viel von seinem eigentlichen Reiz. Jedenfalls ist es ein gut singbares Arrangement, das zwar technisch schon versierte Sänger fordert (etwa beim Zwischenspiel in klassischer Imitationstechnik, eine echte Maybebop-Zutat und ‑Spezialität), sonst aber zurückhaltend bleibt. Und es lässt den Interpreten wiederum einigen Raum – man muss das nicht unbedingt so wie Maybebop singen. Dass ist das große Plus dieser Ausgabe und ihre Aufgabe an Chöre und Ensembles: Einen eigenen Weg zwischen Rammstein und Maybebop zu finden.

Rammstein: Engel. Arrangement: Maybebop/Oliver Gies. Gustav Bosse Verlag 2008. (Bosse Hits a cappella, hrsg. von Stefan Kalmer). Gemischter Chor: BE 721, Frauenchor: Be 722, Männerchor: BE 723. 7 Seiten, 3,50 Euro.

(geschrieben für die neue chorzeit)

st. petersburg und mainz

Von Matthias

Am 18. Dezember 2008

In kritik, musik

Der Zusammenprall zweier Kulturen gilt oft als ein Zeichen von Unheil. Das muss aber nicht unbedingt so sein. Gerade in der Musik haben sich immer wieder große Ereignisse aus dem Aufeinandertreffen vollkommen unterschiedlicher Stile und Musiker ereignet. Das adventliche Chorkonzert im Dom war genau so ein Fall. Im Zentrum stand zwar der St. Petersburger Knabenchor. Aber die Mainzer ließen es sich nicht nehmen, den Mädchenchor wenigstens ein bisschen singen zu lassen. Und das war eine großartige Idee. Denn einen großen Teil seiner Wirkung und Eindrücklichkeit zog diese Adventsmusik aus dieser Konfrontation. Hier traten zwei völlig verschiedene Chortraditionen ins Blickfeld, zwei ganz gegensätzliche Klangkulturen.
Den Anfang machte der Mainzer Mädchenchor. Nicht viel war es, was sie sangen. Aber es reichte Karsten Storck, um das Niveau und die Qualität seines Ensembles wieder einmal plastisch bewusst zu machen. Egal, ob verträumt und sanft schwingend wie der Satz des Weihnachtsliedes „Maria durch ein Dornwald ging“ oder federnd zupackend wie bei der ausgewählten Magnificat-Vertonung: Immer bewiesen sie volle Präsenz, vorbildliche Klarheit und Einheit des Klangkörpers, der alle Strukturen klar erkennen ließ.
Und dann der Wechsel zu den russischen Jungen. Das war nicht nur ein anderes Geschlecht, das war eine ganz andere Idee des Chorklangs. Denn Transparenz und kompositorische Strukturen waren jetzt überhaupt nicht mehr wichtig. Jetzt ging es vor allem darum, den Raum mit Klang auszufüllen – ein Vorhaben, das im Mainzer Dom zu sehr anregenden Ergebnissen führte.
Alles war immer im Fluss, jeder Übergang wurde von Wladimir Ptscholkin so sorgsam abgefedert, dass er nahezu unerkennbar wurde. Es war eine scheinbar nie versiegende Fülle weicher Klangbilder, die sie aus den Werken vorwiegend russischer Komponisten herausholten. Und es war immer wieder verblüffend, wie nahtlos sie sich in den Raum schmiegten, wie die gar nicht so vielen Kinder und Jugendliche die Energien fließen ließen. Einen Sieger gab es in diesem Konzert natürlich nicht, nur zwei völlig unterschiedliche klangliche Ergebnisse. Aber schön waren beide.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

musik, den glauben zu festigen: voces cantantes in st. stephan

Von Matthias

Am 29. September 2008

In kritik, musik

Anfangs lag noch ein sanfter blauer Schimmer über dem Kirchenraum. Doch bald schon schwand jede Außenwelt ganz und gar dahin. Das lag nicht nur an der einbrechenden Dunkelheit, sondern vor allem an dem, was in der Kirche passierte. Denn reiner Chorklang eroberte den Raum, machte ihn sich zu eigen: St. Stephan feierte das 30-jährige Jubiläum der Chagall-Fenster mit einem Konzert der Voces Cantantes.
Und mit einer passenden Auswahl Musik: Werke, die zwar immer wieder ein Außen mit sich bringen, im Kern aber ganz auf sich selbst konzentriert bleiben hatte sich Alexander Süß für seinen Kammerchor ausgesucht. Denn in allem, was hier erklang, geht es nicht um die Welt, sondern um Gott, um den Glauben und die Zweifel der Christen – egal ob mit Musik aus der Renaissance oder der Romantik, egal ob nun Jacobus Gallus, Johannes Brahms oder Felix Mendelssohn Bartholdy christliche Texte vertonen.
Der Kern des Konzertes waren einige der vielen Psalmvertonungen von Mendelssohn Bartholdy. Und die trugen hier schon so viel Vielfalt in sich, dass sie allein schon ausgereicht hätten. Denn die Voces Cantantes bemühten sich sehr und mit hörbarem Erfolg um eine passende Klanggestalt für jeden Satz, fast sogar für jedes Wort. Immer wieder suchte – und fand – Alexander Süß die treffendste Ausdrucksform, die eine genau passende, adäquate Umsetzung der stummen Noten in aussagekräftigen Schall.
Und die Chorsänger folgten ihm dabei sehr willig. Ob es nun die durchweg sehr flexiblen Tempi, die weichen Einsätze oder der strahlend triumphierende Schlussakkord waren – immer blieben sie eine homogene Einheit. Dadurch blieben alle Gemütslagen der Musik nicht nur erfahrbar, sondern auch verständlich. Der Zweifel an der Gerechtigkeit Gottes leuchtete ebenso unmittelbar ein wie die unbeirrbare Festigkeit des Glaubens und die Freude an der Geborgenheit in Gottes Hand oder an der Herrlichkeit der Schöpfung.
Dass der eine oder andere Übergang dabei etwas abrupt erfolgte, dass die Spannungsbögen manchmal etwas kurzatmig blieben, trübte die Freude nur sehr geringfügig und kurzzeitig. Denn schließlich endet alles immer wieder im Wohlklang, auf den die Voces Cantantes abonniert schienen. Keine Zweifel bleiben, wenn nur der Glaube fest genug ist – und die Schönheit der Musik groß genug.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)