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händel war in arkadien – und ich auch (fast)

Am 31. März 2009

An Händel-Aufführungen herrscht in diesem Jahr, der 250. Wiederkehr seines Todes, kein Mangel. Aber leider sind nicht alle diese Konzerte so klug geplant und so sachverständig und engagiert umgesetzt wie das, was die Villa Musica im Erthaler Hof bot. Mit der Mainzer Gesangsprofessorin Claudia Eder und neun jungen Sängerinnen und Sängern haben sie ein Programm entwickelt, das etwas auch in diesem Händel-Jahr recht seltenes vorführt: „Händel in Arkadien“.

Denn als der junge Komponist vor dreihundert Jahren einige Zeit in Rom weilte, war er rasch Teil der dortigen Kulturszene geworden, mit ihren Akademien und den Privatkonzerten der Kardinäle und Adligen. Für diese Veranstaltungen komponierte er Solokantaten und Kammerduette, die sich immer wieder mit dem Liebesleben in Arkadien beschäftigten: Händel im träumerischen Idyll der Schäfer und Nymphen also – kein oft zu hörendes Bild.

Und der Erthaler Hof mit seinem prächtigen Saal und der intimen Atmosphäre war ein idealer Ort, diese Musik und ihre Entstehung sowie ihre erste Aufführungen wieder frisch aufleben zu lassen. Ideal war aber noch viel mehr: Die sorgsam durchdachte Programmgestaltung, die klugen Einführungen von Karl Böhmer – und nicht zuletzt immer wieder die Musik selbst. Zum Beispiel die beiden Countertenöre Dimitry Egorov und Kyoung-Bae Choi, die die zu Händels Zeiten üblichen Kastraten ersetzten: Zwei ganz verschiedene Sänger, die beide das Publikum zu verzaubern wussten.

Überhaupt war es ein Genuss, so viele unterschiedliche Stimmen an einem Abend zu belauschen. Alle waren sie technisch – auch in den anspruchsvollen Partien – sicher, aber immer mit eigenem Charakter. Elvira Hasanagic sang die Kantate „La Lucrezia“ etwa mit großem Drama und viel innerer, ganz aus Text und Musik entwickelter Spannung. Eher verhalten blieb dagegen Maria Pizzuto in der Kantate „La bianca rosa“, während Kirsty Swift den Aufruhr und die kriegerische Stimmung von „Mentre tutto è in furore“ mit echtem Furor und sicherer Stimmbeherrschung vortrug.

Aber alle einte das verlockende Bemühen, die Zuhörer hineinzuziehen in die Musikpraxis früherer Zeiten. Diese subtile Verführung betrieben dabei nicht nur die jungen Sängerinnen und Sänger, sondern auch die beiden Instrumentalisten: Der vortreffliche und gewitzte Cembalist Christian Rieger und der unerschütterliche Michail Uryvaev am Cello, die den Basso continuo nicht nur informiert, sondern auch sehr inspiriert umsetzten. Das alles zusammen ergab dann fast so etwas wie ein ideales Konzert: Ein arkadischer Genuss eben.
(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

harte männer ganz sanft: rammsteins „engel“ a‑cappella

Von Matthias

Am 10. März 2009

In kritik, pop

Mutig ist es, was der Bosse-Verlag macht: Seine neue Reihe „Bosse Hits a‑cappella“ gleich mit Rammsteins „Engel“ zu eröffnen. Denn vielen ist Rammstein in Deutschland (im Ausland übrigens im Grunde gar nicht) immer noch ein Ärgernis. „Engel“ ist aber sicherlich eines der unverfänglichsten Lieder. Und zugleich einer der großen Erfolge der umstrittenen Band, der Durchbruch in die größere Öffentlichkeit vor über zehn Jahren.

Was der Bosse-Verlag nun vorlegt, ist aber nicht so sehr eine a‑cappella-Version des Rammstein-Songs, sondern eine noch einmal bearbeitete Version – für gemischten Chor sowie Frauenchor/Männerchor – des Maybebop-Arrangements. Und das Quartett verkehrt die „Neue Deutsche Härte“ des Originals ins ziemlich genau Gegenteil – eine weiche, schmusige Ballade haben sie daraus gemacht. Mit einem recht raffinierten, sehr ökonomischen Arrangement. Das findet sich auch in den vorliegenden Sätzen so wieder – die halten sich nämlich sehr genau ans Maybebop-Original, nur minimale Anpassungen an die verschiedenen Besetzungen hat Oliver Gies noch vorgenommen.

Ein schönes Beispiel ist dieser Satz zugleich, wie sehr eine Bearbeitung den Charakter eines Stückes verändern kann: Die Noten „stimmen“ eigentlich noch ziemlich genau mit der Musik von Rammstein überein. Aber die Reduktion auf vier menschliche Stimmen und die Veränderung der Struktur tun einiges, dem Engelslied jede Härte zu nehmen – damit aber auch viel von seinem eigentlichen Reiz. Jedenfalls ist es ein gut singbares Arrangement, das zwar technisch schon versierte Sänger fordert (etwa beim Zwischenspiel in klassischer Imitationstechnik, eine echte Maybebop-Zutat und ‑Spezialität), sonst aber zurückhaltend bleibt. Und es lässt den Interpreten wiederum einigen Raum – man muss das nicht unbedingt so wie Maybebop singen. Dass ist das große Plus dieser Ausgabe und ihre Aufgabe an Chöre und Ensembles: Einen eigenen Weg zwischen Rammstein und Maybebop zu finden.

Rammstein: Engel. Arrangement: Maybebop/Oliver Gies. Gustav Bosse Verlag 2008. (Bosse Hits a cappella, hrsg. von Stefan Kalmer). Gemischter Chor: BE 721, Frauenchor: Be 722, Männerchor: BE 723. 7 Seiten, 3,50 Euro.

(geschrieben für die neue chorzeit)

power und einfühlungsvermögen: händels oratorien im querschnitt

Von Matthias

Am 9. März 2009

In kritik

Nicht alle Händel-Einspielungen, die jetzt erscheinen, verdanken ihre Entstehung dem Jubiläum des Komponisten. Der Maulbronner Kammerchor und sein Leiter Jürgen Budday etwa beschäftigen sich schon länger und sehr erfolgreich mit den großen Oratorien des Meisters. Und seit zehn Jahren werden ihre Aufführungen von K&K mitgeschnitten. Aus diesem reichhaltigen Material hat das Label nun, zur Feier des doppelten Jubiläums sozusagen, eine Auswahl unter dem Titel „The Power of Händel“ zusammengestellt. Die etwas reißerische Vermarktung verzeiht man gerne – denn „outstanding“ sind sie wirklich, diese ausgewählten Soli und Chöre. Und „Power of Händel“ heißt das ganze Unternehmen zu recht. Denn was immer wieder sofort auffällt, ist die immense Kraft, die Budday und seine Mitstreiter in der Musik zum Leben erwecken. Das liegt beileibe nicht nur an den fast durchweg zügig bis rasanten Tempi. Eine Freude ist es aber schon, zu hören, wie präzise der Maulbronner Kammerchor auch bei hohem Tempo bleibt, wie rasch die Sänger – immerhin keine Profis! – reagieren und wie wendig sie in Klang und Ausdruck bleiben.

Klarheit, Prägnanz und pointierte Ausdrucksstärke gehen eine ausgesprochen fruchtbare Allianz ein. Und dass hier federnd und spritzig gesungen wird – mit Freude und Esprit aller Beteiligten – das hört man eben in fast jedem Moment. Und man hört es gerne, zumal auch die Aufnahme atmosphärisch gelungen ist.

The Power of Händel. Best of his glorious Oratorios. Solisten, Maulbronner Kammerchor, Jürgen Budday. KuK 44, 2008.

(geschrieben für die neue chorzeit)

schönheit in groß: mendelssohn bartholdys elias

Von Matthias

Am 12. Februar 2009

In kritik, musik

Die große Bühne der Phönixhalle ist voll gefüllt. Dicht an dicht stehen und sitzen die Studenten in Chor und Orchester des Collegium Musicums der Universität. Denn Felix Mendelssohn Bartholdy verlangt vollen Einsatz und große Massen für sein Oratorium „Elias“. Und obwohl die Zahl der Mitwirkenden hier noch lange nicht an die der Uraufführung heranreicht, kommt der „Elias“ in diesem Semester-Abschlusskonzert ziemlich großartig und mächtig daher. Das hindert den Dirigenten Joshard Daus aber überhaupt nicht daran, auch den Details ausreichend Aufmerksamkeit zu schenken.
Dieser „Elias“ ist also schön, über weite Strecken sogar wunderschön. Aber er ist einfach nur schön. Das ist zwar eigentlich großartig. Und auch überhaupt keine einfache Leistung. Dass aber dennoch etwas fehlt, merkt man an einigen Stellen. Etwa an den Soli von Ulf Bästlein, der geschmeidig und volltönend einen wunderbar emotionalen Elias gibt, der durchaus auch mal am fehlenden Glauben seines Volkes verzweifeln kann. Oder auch an der eleganten Leichtigkeit der Engelsmusik von Fionnuala McCarthy. Das ist nämlich genau die Trennungslinie zwischen den Solisten (außerdem noch die solide Altistin Claudia Rüggeberg und der etwas verwaschen klingende Tenor Julio Fernández) und den Ensembles, vor allem dem Chor: Daus kümmert sich nicht besonders um die religiösen Inhalte. Ihm scheint es im Gegensatz zu seinen Solisten vor allem um die reine Musik zu gehen, ihre klangliche Gestalt führt er immer wieder auf Hochglanz poliert vor.
Das kann Daus ausgezeichnet. Und auch delikate Stimmungen evozieren. Aber was ihm weniger gelingt, das ist die weiter umfassende Spannung, die Dramaturgie des gesamten Oratoriums. Zwar bemüht er sich um zügig-fließende Tempi und dichte Anschlüsse der einzelnen Sätze und Nummern, verpasst dabei aber immer wieder eigentliche Höhepunkte. Dort, wo die Musik klein und leicht, detailreich und schwebend sein kann und soll, dort hat er seine größten Stärken. Er lässt seine Musiker zwar immer wieder Anlauf nehmen für den nächsten Spannungsgipfel – aber die letzten Meter verweigert er ihnen dann gerne.
Keinen Abbruch tut das dem Engagement und der Leistung der Studenten. Vor allem der Chor zeigt sich wieder einmal als Wachs in den Händen Daus’. Weich und geschmeidig, kompakt und erstaunlich beweglich folgt er ihm sehr bereitwillig für zwei Stunden große und reine Musik
(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

erinnerung im dom

Von Matthias

Am 30. Januar 2009

In geschichte, kritik, literatur, musik

Wann fängt Krieg an? Und wann hört er eigentlich auf? Das waren einige der zentralen Fragen der Veranstaltung im Dom zum Tag des Gedenkens an die Opfer des Nationalsozialismus. Domorganist Albert Schönberger und Peter-Otto Ullrich hatten dafür mit einer großen Zahl Mitstreiter Texte aus Vergangenheit und Gegenwart zu einem breit gefächerten Pasticcio zusammengestellt.
Bemüht um Gerechtigkeit und Ausgeglichenheit kommen sowohl die Opfer- als auch Täterseite immer wieder zu Wort. Ein besonderer Fokus liegt aber auf der Erinnerung und Verarbeitung der Verbrechen der Überlebenden und Nachgeborenen. Und immer wieder geht es um Fragen, wann eigentlich Krieg war. Bei dem Überfall Polens, oder doch schon vorher? Bei der Machtergreifung oder noch früher? Und vor allem: Wann endete der Krieg? Wenn alles vergeben und vergessen ist? Mit Antworten haben die Textsucher sich aber sehr behutsam zurückgehalten. Die Tendenz freilich wird klar: Krieg ist solange wir ihn spüren. Und das ist heute immer noch. Dafür gibt es in der Literatur und Geschichte eine Menge Geschriebenes. Zum Beispiel in den Gedichten von Wislawa Szymborska oder bei Christa Wolff, bei Manès Sperber, bei Sebastian Haffner oder bei Saul Friedländer.
Albert Schönberger hat dazu ein wenig Musik beigesteuert, die er mit einigen Mitgliedern des Mainzer Kammerorchester und Alexander Niehues an der der Orgel zwischen und an einigen ausgesuchten Stellen auch während der Textrezitationen erklingen ließ. Das war sehr gefühlvoll, jedoch nicht sentimental, in hohem Grade einfühlsam, aber nicht aufdringlich. Denn was Schönberger hierfür geschrieben hat, bleibt immer sehr schlichte, zurückgenommene Musik, die sich nie aufdrängt oder in den Vordergrund spielt, sondern mit Choralmotiven, Anspielungen und auch größer ausgearbeiteten Choralbearbeitungen die Texte ergänzen und vertiefen will und kann. Natürlich nutzt das auch den Klang des Raumes in bewährter Weise mit. Schließlich war das ganze Projekt ja auch „Stationengang mit Musik“ überschrieben. Dazu zählten auch die ergänzenden Projektionen von Figurendetails aus dem reichen Angebot des Domes.
Schade nur, dass kaum jemand sich diesen Überlegungen aussetzen wollte. Denn die wenigen Zuhörer, die gekommen waren, diesen Tag als Anlass zum Nachdenken und Erinnern zu nehmen, verloren sich in den leeren Reihen des Domes sehr.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung).

was nicht drin steht: die sehr seltsame gewichtung teilweise. die ersten opfer, die – auch sehr ausführlich – zu wort kamen, waren von russischen soldaten vergewaltigte frauen. und die vertriebenen, die – so ungefähr sinngemäß – ihre heimat opferten für deutschland, die in der brd ihr leid zurückstelltent (!) um der integration willen. nun ja. dann gab es natürlich noch die juden. und den eindruck einer menge deutscher generäle, die den krieg nicht wollten und schon vorher wussten, dass sie ihn verlieren würden. dummerweise haben sie halt weitergekämpft. und eingefallen ist es ihnen erst in kriegsgefangenschaft. nun ja.

jazz im klangraum: jazztage mainz, tag 1

Von Matthias

Am 28. Januar 2009

In kritik, musik

Beim ersten Mal hätte es noch Glück sein können, beim zweiten Mal kann der Erfolg der Jazztage Mainz kein Zufall mehr sein. Acht Bands in zwei Tagen ist eine Menge Musik, aber im „Klangraum“, wie die Organisatoren sich nennen, ist Platz für vieles. Musikalische Grenzen sind hier längst aufgehoben. So war es auch beileibe kein reines Jazz-Festival, der Pop nahm auch gehörigen Raum ein.
Den Anfang machte das sehr relaxte „Diethelm Duo“. Mit der Besetzung Fender Rhodes und Saxophon spielten sie angenehm entspannte Kompositionen mit unüberhörbaren Wurzeln im West-Coast-Cool-Jazz. Ihre fein gewobenen, durchaus mal psychedelisch angehauchten klar strukturierten Songs gleichen dabei Ausflüge in verträumte Gegenden.
Das Quartett um den Gitarristen Daniel Stelter, dass die Bühne danach eroberte, führte in ganz andere Regionen. Denn sie heizten unbarmherzig ein, als würden sie schon ewig zusammen spielen. Dabei waren die Jazztage ihr erster Live-Auftritt überhaupt, bisher spielten sie nur im Studio zusammen. Unerbittlich groovten sie mit allen Mitteln und entpuppten sich dabei als echte Klang-Extremisten. Vom ersten Ton jedes neuen Stückes an verfolgten sie die Eskalation ihres knackigen Sounds mit enormer Konsequenz. Die Rasanz, mit der diese Mischung aus Jazz, Fusion und hartem Rock von einem Extrem ins andere kippt, war beeindruckend. Genauso wie die Sicherheit, mit der die vier jungen Musiker das mit vollem Körpereinsatz vom wippenden Fuß bis zur exaltierten Mimik umsetzten.
FrauContraBass verhieß dann erst einmal wieder kammermusikalische Entspannung. Aber von wegen: Auch das Duo von Sängerin Katharina Debus und Bassist Hanns Höhn ließ kaum Luft zum Ausruhen. Dafür hatten ja auch die reichlich dimensionierten Umbaupausen genügend Gelegenheit gegeben. Auf die Idee muss man freilich erst einmal kommen, mit Bass und Gesang ausgesuchte Perlen der Popgeschichte neu zu interpretieren. Stevie Wonder hat diese artistische Duo genauso auf dem Programm wie Michael Jackson oder Britney Spears. Und weil Debus eine sehr wandlungsfähige Sängerin auch ohne Text ist und Höhn seinen Kontrabass auch mal zum Schlagzeug verwandelt, funktionierte das wunderbar.
Funktionieren trifft auch die Vorgehensweise von „Trance Groove“ sehr genau. Die sieben Musiker um den Schlagzeuger Stefan Krachten grooven mit schamlosem Ekkletizismus und gnadenloser guten Laune seit über fünfzehn Jahren durch Jazz, Rock und Funk. Und sie klingen immer noch frisch und unverbraucht, voller Ideen und vor allem Spontaneität und echter Kraft – auch in der Showbühne Mainz. Ein wirklich mitreißender und fetziger Abschluss des Abends – für die Jazztage Mainz allerdings gerade einmal die Halbzeit, denn auch der Samstag war ja wieder voller Musik.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

bachs h‑moll-messe in neuer ausgabe

Von Matthias

Am 25. Januar 2009

In kritik

Warum vertont der evangelische Kantor überhaupt in Deutschland die große katholische Messe? Wollte Bach seine Kollegen mal zeigen, wie man das richitg, nach allen Regeln der Kunst, macht? Darauf weiß auch Joshua Rifkin keine endgültige Antwort.
Doch kaum jemand hat die Diskussion um die „richtige“ Aufführung der Bach’schen Vokalwerke in den letzten Jahren so befruchtet wie der amerikanische Forscher und Dirigent. Also ist es auch vollkommen folgerichtig, dass er eine neue kritische Ausgabe der Messe verantwortet. Denn dass mit der Edition der Neuen Bach-Ausgabe noch nicht das letzte Wort gesprochen ist, war schon lange klar.
Das wesentliche Problem aller bisherigen Ausgaben ist nämlich, dass sie große Teile von
Carl Philipp Emanuels Ergänzungen und – gutgemeinten – Verbesserungen des Autographes beibehalten haben. Joshua Rifkin war da nun um einiges genauer und hat den Autograph noch einmal einer peniblen kritischen Prüfung unterzogen.
Das Ergebnis betrifft – auf unterschiedliche Weise – große Teile des Notentextes. Im Detail sind das eigentlich immer nur Kleinigkeiten, die auch nicht unbedingt dazu nötigen, die Messe komplett neu zu verstehen. Da aber auch viele Artikulationen, Phrasierungen und Vortragsbezeichnungen betroffen sind, geben sie in der Summe allerdings doch die Möglichkeit, die h‑Moll-Messe auch interpretatorisch neu zu entdecken.
Das klare, übersichtliche Notenbild erleichert den Umgang und macht das Lesen in der Partitur auch optisch zum Vergnügen. Sehr schön ist außerdem, dass Breitkopf auch für die Käufer der Studienpartitur den Kritischen Bericht im Internet zum Download bereitstellt. So kann jeder Leser die Entscheidungen Rifkins nachvollziehen.

Johann Sebastian Bach: Messe H‑Moll. BWV 232. Herausgegeben von Joshua Rifkin. Studienpartitur. Breitkopf & Härtel PB 5303.

(geschrieben für die neue chorzeit, 1/2009)

stark im glauben und in der musik: paulus im dom

Von Matthias

Am 26. Dezember 2008

In kritik, musik

Paulus-Jahr, Komponisten-Jubiläum, Weihnachten – Anlässe gibt es mehr als genug, Felix Mendelsson-Bartholdy Oratorium „Paulus“ jetzt aufzuführen. Aber eigentlich ist der beste Grund ja schon, dieses große Werk überhaupt zum Klingen zu bringen. Vor allem, wenn man sich darauf so ausgezeichnet versteht wie Domkapellmeister Mathias Breitschaft – dann braucht man wirklich keinen äußeren Anlass mehr. Die Erwartungen der vielen Mainzer – selbst Stehplätze waren schon knapp – wurden im Dom also bestimmt nicht enttäuscht.
Von Anfang bis Ende, von der Steinigung des Stephanus über die Wandlung des Saulus zum Paulus bis zum Abschied des Märtyrers von seiner Gemeinde zeichnete Breitschaft mit den Domchören und dem Mainzer Kammerorchester eine intensive Klanggeschichte des sicheren Bestehens im Glauben. Der Hauptakteur dabei war – wenig überraschend an diesem Ort – die Chöre, also vor allem die Domkantorei mit den verstärkenden Männerstimmen des Domchores. Die gaben nämlich den entscheidenden Kick, bereiteten mit ihrer nachdrücklichen Präsenz ein ausgezeichnetes Klangfundament.
Breitschaft führte seine Musiker in dramatischer Aufladung genau und diszipliniert, mit klar gezeichneten Strukturen und deutlichen Höhepunkten in den weiten Bögen – so macht das richtig viel Freude. Und außerdem gelang ihm noch etwas Besonderes: Zwei Chöre schienen sich in den Kehlen der Sänger zu verstecken. So völlig verschiedenen klang das in den Chörsätzen einerseits und den Chorälen andererseits. Indem Breitschaft diesen Unterschied aber so deutlich markierte und gleichzeitig auch die Verbindung zwischen allen Teilen des Werkes besonders stärkte, erschien das nicht gerade knappe Oratorium hier wie aus einem Guss.
Das Solistenquartett spielte oder sang dabei wunderbar mit, vor allem der kräftige Sopran von Kaja Bördner und der stark ausdifferenzierte Bariton Johannes Kösters als Paulus.
In der Verbindung mit den ausgefeilten Chorpassagen und gerade ihrer klanglichen Festigkeit betonte Breitschaft damit ganz besonders die personale, individuelle Seite des Glauben, die Erfahrung Gottes. Diese Gewissheit der religiösen Grundlage macht das Paulus-Oratorium so anrührend – selbst Atheisten muss so eine überzeugende Darbietung zumindest Respekt entlocken.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

genies der klassik – bekannte und weniger bekannte

Von Matthias

Am 22. Dezember 2008

In kritik, musik

Genies waren sie egentlich alle drei. Und doch hat nur Wolfgang Amadeus Mozart geschafft, was Louis Spohr und Luigi Cherubini verwehrt blieb: Dauerhaft im Bewusstsein der Musikliebhaber und auf den Konzertpodien präsent zu sein. Seine 29. Sinfonie stand im vierten Sinfoniekonzert des Theaters neben dem einzigen sinfonischen Werk Cherubinis, dass eher selten zu hören ist. Auch Spohr ist wenn überhaupt mit Kammermusik zu hören – ganz bestimmt nicht mit seinem Concertante für zwei Violinen und Orchester. Denn wann sind schon zwei Violinisten von Rang bereit, sich gegenseitig die Schau zu stehlen? Selbst Ingolf Turban und Kolja Lessing machen das nicht allzu oft. Leider. Denn sie können es wahrlich vortrefflich. Ihre perfekte, oft beinahe symbiotisch scheinende Ergänzung in musikalischer Hinsicht demonstrierten sie im Staatstheater schon vor dem ersten Ton – mit einer genau synchronisierten Verbeugung. Und so fuhren sie dann auch fort. Klanglich gelang ihnen der Spagat zwischen vollkommener Übereinstimmung und beharrender Individualität erstaunlich gut. Obwohl keiner der beiden seine eigenen Qualitäten verleugnete, ergänzten sich Turbans deutliches, präsentes Spiel und Lessigs emotionaler gefärbte Klangwelt vorzüglich. Die Vielfalt der Einfälle, die immer neuen Wendungen und nicht enden wollender Mitteilungsdrang Spohrs fanden in den beiden Solisten jedenfalls sehr energische, detailverliebte und sorgsame Fürsprecher.
Stark war auch das Engagement Catherine Rückwardts mit dem Philharmonischen Staatsorchester für Cherubinis D‑Dur-Sinfonie. Die birgt von sich aus einiges dramatisches Potenzial und viele Gelegenheiten zum effektvollen Auftrumpfen. In solcher Umgebung bewährte sich die ruhige Hand der Dirigentin ganz besonders. Denn Rückwardt ließ sich nicht von der wirkungsmächtigen Oberfläche verführen, sondern schaute tiefer. Und entdeckte da nicht nur zauberhafte klangliche Bilder, sondern auch ein gekonnt ausgearbeite musikalische Erzählung. Diese Musik wogt im Theater ganz plastisch hin und her, zwitschert und plätschert, stürmt voran, schreckt auch zurück, prallt sogar auf Widerstände und lässt sich dennoch treiben, – und das alles ist auch noch in klassische Formen verpackt: Ein typisch klassiches Geniewerk eben.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

st. petersburg und mainz

Von Matthias

Am 18. Dezember 2008

In kritik, musik

Der Zusammenprall zweier Kulturen gilt oft als ein Zeichen von Unheil. Das muss aber nicht unbedingt so sein. Gerade in der Musik haben sich immer wieder große Ereignisse aus dem Aufeinandertreffen vollkommen unterschiedlicher Stile und Musiker ereignet. Das adventliche Chorkonzert im Dom war genau so ein Fall. Im Zentrum stand zwar der St. Petersburger Knabenchor. Aber die Mainzer ließen es sich nicht nehmen, den Mädchenchor wenigstens ein bisschen singen zu lassen. Und das war eine großartige Idee. Denn einen großen Teil seiner Wirkung und Eindrücklichkeit zog diese Adventsmusik aus dieser Konfrontation. Hier traten zwei völlig verschiedene Chortraditionen ins Blickfeld, zwei ganz gegensätzliche Klangkulturen.
Den Anfang machte der Mainzer Mädchenchor. Nicht viel war es, was sie sangen. Aber es reichte Karsten Storck, um das Niveau und die Qualität seines Ensembles wieder einmal plastisch bewusst zu machen. Egal, ob verträumt und sanft schwingend wie der Satz des Weihnachtsliedes „Maria durch ein Dornwald ging“ oder federnd zupackend wie bei der ausgewählten Magnificat-Vertonung: Immer bewiesen sie volle Präsenz, vorbildliche Klarheit und Einheit des Klangkörpers, der alle Strukturen klar erkennen ließ.
Und dann der Wechsel zu den russischen Jungen. Das war nicht nur ein anderes Geschlecht, das war eine ganz andere Idee des Chorklangs. Denn Transparenz und kompositorische Strukturen waren jetzt überhaupt nicht mehr wichtig. Jetzt ging es vor allem darum, den Raum mit Klang auszufüllen – ein Vorhaben, das im Mainzer Dom zu sehr anregenden Ergebnissen führte.
Alles war immer im Fluss, jeder Übergang wurde von Wladimir Ptscholkin so sorgsam abgefedert, dass er nahezu unerkennbar wurde. Es war eine scheinbar nie versiegende Fülle weicher Klangbilder, die sie aus den Werken vorwiegend russischer Komponisten herausholten. Und es war immer wieder verblüffend, wie nahtlos sie sich in den Raum schmiegten, wie die gar nicht so vielen Kinder und Jugendliche die Energien fließen ließen. Einen Sieger gab es in diesem Konzert natürlich nicht, nur zwei völlig unterschiedliche klangliche Ergebnisse. Aber schön waren beide.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

Lesen. Hören. Und ein bisschen schreiben.

Kategorie: kritik Seite 3 von 15

händel war in arkadien – und ich auch (fast)

harte männer ganz sanft: rammsteins „engel“ a‑cappella

power und einfühlungsvermögen: händels oratorien im querschnitt

schönheit in groß: mendelssohn bartholdys elias

erinnerung im dom

jazz im klangraum: jazztage mainz, tag 1

bachs h‑moll-messe in neuer ausgabe

stark im glauben und in der musik: paulus im dom

genies der klassik – bekannte und weniger bekannte

st. petersburg und mainz