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gottesdienst wie in alten zeiten

am 9. Juli 2009

Ein norddeutscher Gottesdienst zu Beginn des 17. Jahrhunderts – wie der wohl geklungen hat? Und was dort zu hören und zu erleben, zu sehen und zu feiern war, wenn es ein wichtiger Feiertag war wie etwa die Michaelisvesper? Um das aufzuspüren, könnte man sich jetzt einige Wochen in die Bibliothek setzen und alte Kirchenordnungen, Musikerrechnungen und Partituren studieren. Oder man setzt sich entspannt in seinen Hörsessel und legt die gerade erschiene SACD des Knabenchor Hannover in den Player. Dort ist nämlich genau das aufgenommen: Eine versuchte Rekonstruktion so einer Michaelisvesper, wie sie etwa in den 1620er-Jahren zum Beispiel in Wolfenbüttel hätte geschehen können. Jörg Breiding, der Dirigent der Hannoveraner, hat mit fachkundiger Unterstützung aus den Werken Michael Praetorius, der genau dort Organist und Hofkapellmeister war, ein mögliches Gesamtkunstwerk einer musikalischen Vesper zu Michaelis zusammengestellt. Und das dann zu unserem Glück mit seinem Chor und einer Menge Instrumental-Experten (dem Johann-Rosenmüller-Ensemble und Hille Perls „The Sirius Viols“ sowie dem Bremer Lautten-Chor) auf eine Super-Audio-CD gebannt. 80 Minuten faszinierende Musik sind das geworden, in denen man mit dem fremden Blick des Nachgeborenen der ungeheueren Vielfalt der Musik Praetorius’ lauschen darf, seinen Konzertsätzen und seinen Psalmen etwa, aber auch dem großen Magnificat, das in sich noch einmal mit seinem breiten Spektrum musikalischer Gestaltungskraft fein differenziert. Genau das macht auch Breiding mit seinen Sängern und Instrumentalisten: Das ist, gerade in der Harmonie der Mannigfaltigkeit und der weichen Fülle des Klangs eine sehr feine und feinsinnige Aufnahme geworden. Schade nur, dass die Gottesdienste heute solche musikalischen Hochleistungen nicht (mehr) bieten.

Michaelisvesper mit Werken von Michael Praetorius. Viele Solisten …. Knabenchor Hannover, Jörg Breiding. Rondeau Production SACD ROP7007, 2009.

(geschrieben für die neue chorzeit)

mit musik & händel durch europa

von Matthias

am 7. Juli 2009

in kritik

Georg Friedrich Händel, der große Jubilar dieses Jahres, ist schon in jungen Jahren weit herumgekommen in Europa. Und er hat sich von vielem, was er dabei gehört hat, inspiereren lassen. Manchmal auch etwas mehr – das „Ausleihen“ gelungener Melodien beispielsweise war zu seinen Zeiten noch keineswegs so verpönt wie heute. Wer sich also ein bisschen intensiver mit Händels Musik beschäftigt, muss sich auch mit ganz viel anderen Werken befassen. Zum Beispiel mit Musik von Dietrich Buxtehude, dem Händel in Lübeck einen Besuch abstattete. Oder mit Johann Heinrich Schmelzer, der in Wien Karriere machte. Und natürlich auch mit Händels Rivalen in London, Giovanni Bononcini.
Die Villa Musica hat all das in ein schönes Programm mit dem Telemann-Quartett gepackt und im Erthaler Hof auch einen sehr passenden Saal für diese vielfältige, filigrane und dramatische Musik gefunden. Die Hitze dort hat das Publikum gerne ausgehalten, denn die vier Spezialisten des Telemann-Quartetts boten zwar nicht unbedingt große Überraschungen, aber hohe bis höchste Qualität. Und zwar in allen Dimensionen.
Das Fundament legte, das ist bei barocker Musik unverzichtbar, der Generalbass. Florian Heyerick am Cembalo und Rainer Zipperling mit Gambe und Cello begnügten sich aber nicht mit dem Hintergrund. Mit viel Fantasie, mit Präzision und spannungsgeladenen Linien machten sie sich zu einem unverzichtbaren, elementaren Teil der Musik. Und was diese beiden auszeichnete, galt auch für die Geigerin Swantje Hoffmann und den Altisten Yosemeh Adjei: Genauigkeit in allen Situationen und Hingabe an die Ausdrucksvielfalt und die Kraft der Musik. Dazu kam dann noch ein reibungsloses Miteinander, ein echt gemeinsames Musizieren, bei dem jeder mit jedem agierte, aufeinander reagierte und zusammen eine feste Einheit bildete. Unablässig flogen die Blicke kreuz und quer, vergewisserten sich Sänger und Cembalist, Geigerin und Cellist der Gemeinsamkeiten. Überhaupt war hier alles immer in Bewegung, kam keiner der Musiker zum Stillstand. Und das war ein gutes Zeichen: Denn diese Rastlosigkeit übertrug sich auf die Musik. So wurden dann auch eher ephemere Werke wie die Violinsonate von Isabella Leonarda oder die Cellosonate von Giovanni Bononcini zu spannenden Ausflügen in die barocke Klangwelt. Aber die Höhepunket lagen woanders. Schon die beiden Psalmvertonungen Buxtehudes ließen das erahnen: Das wahre Drama kam in den Arien Händels zum Vorschein. Hier konnte sich der famose Altus Yosemeh Adjei voll ausleben. Mit seiner leichtfüßig über alle Schwierigkeiten hinwegeilenden, klar und peinlichst genau geführten Stimme wurde er Rinaldo oder Cesare, kokettierte mit der die Vogelrufe imitierenden Violine, ließ den Zorn brausen, den Herzschmerz sehnend schluchzen und die Tugend preisen – ohne jede Spur von Zurückhaltung verleibte er sich seine Partien ein und führte gemeinsam mit dem Rest des Quartettes die Händel-Reise weit über die tatsächlichen Stationen in das unendliche Reich der Fantasie hinaus.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

wieder neu: brahms sinfonien und chorwerke

von Matthias

am 6. Juli 2009

in kritik, musik

Es ist schon eine kühne Idee und fast eine Steilvorlage für den Kritiker: John Eliot Gardiner will Brahms noch einmal „neu“ entdecken – und diesmal richtig. Vielleicht muss man so selbstbewusst wie Gardiner sein, um dieser Musik gerecht zu werden. Denn das wird er in fast beängstigender Weise. Da bleibt einfch nichts mehr zu kritisieren.

Alle vier Sinfonien hat er sich vorgenommen. Und er ergänzt sie mit großen Chorwerken von Brahms selbst oder aus seinem Umfeld. Das heißt für die ersten beiden, bereits erschienen CDs (die restlichen zwei folgen im Laufe des nächsten Jahres): Das Schicksalslied, der Begräbnisgesang, die Alt-Rhapsodie umrahmen die Sinfonien 1 und 2, dazu kommt noch Mendelssohn Bartholdys „Mitten wir im Leben sind“ und Schuberts „Gesang der Geister über den Wassern“ sowie zwei von Brahms für Chor und Orchester arrangierte Schubert-Lieder. Die Interpreten sind alte Vertraute Gardiners: Das Orchestre Révolutionnaire et Romantique sorgt mit seiner hohen interpretatorischen und technischen Kompetenz im Umgang mit historischen Instrumenten für den faszinierend durchsichtigen und farbenreichen Orchesterklang, der Monteverdi-Choir für die vokale Präzision und klangliche Wucht, die Gardiner zu bevorzugen scheint.

Denn Gardiner ist nicht nur ein Musiker, der sein Tun sehr genau bedenkt. Sondern auch ein großartiger Dramatiker – auch wenn er das meist im schlanken und flexiblen Gestus seiner Interpretationen versteckt. Nach der Halbzeit ist klar, was man von diesem Projekt erwarten darf: Vieles. Vielleicht sogar alles. Die Sinfonien: Prächtig, lebendig, ungeheuer vital auf der einen Seite, aber auch verflixt ernst, bewusst und genau – als wüsste die Musik selbst um ihren Stellenwert in der Musikgeschichte.

Und die Chormusik: Durchweg auf höchstem Niveau. Gut, der Monteverdi-Choir lässt ab und an einen leichten englischen Akzent aufblitzen. Das ist aber auch schon der einzige Vorwurf, den man ihm machen kann. Die oft im besten Sinne theatralische Dramatik, die Weite des Spektrums, die ihm in klanglichem Ausdruck und Dynamik zur Verfügung steht, die Beweglichkeit des Chores auch im großen Klangvolumen – das alles formt sich unter Gardiners Hand zu fantastischen, unmittelbar mitreißenden und nachhaltig beeindruckenden Musik.

Ob das die Brahms-Sicht wirklich ändert? Auf jeden Fall bringt es die Beteiligten dazu, diese Werke noch einmal so „neu“ aufzuführen, als wäre die Tinte in der Partitur erst gestern trocken geworden.

(geschrieben für die neue chorzeit)

angebissen: der don-camillo-chor auf cd

von Matthias

am 5. Juli 2009

in kritik, musik, pop

Musik dazu verwenden, jemanden zu verführen, ist keine neue Idee. Das Opfer mit der Musik als Köder zur Musik zu begehren, ist schon etwas ungewöhnlicher. Und wenn ein Chor das dann auch noch so offen und direkt unternimmt wie der „Don-Camillo-Chor“ aus dem Münchner Umland, dann gehen jeder Zielperson schnell die Argumente für den Widerstand aus.

Das liegt, wie ihre neueste (und erste) CD mit dem passenden Titel „Good Bait“ beweist, zu großem Teil an der jugendlichen Frische und dem unbändigen Überschwang, mit dem der gesamte Chor sich auf sein Repertoire vorwiegend aus Jazz und Pop stürzt. So eine freizügige Freude teilt sich dem Hörer in jedem Moment mit, dass er mit dem größten Vergnügen anbeißt.

Das Vergnügen ist allerdings nicht nur ein Verdienst der Sänger und ihres Chorleiters, der sie immer wieder knackig auf den Punkt fokussiert. Es liegt zu einem großen Teil auch an den angenehm einfallsreichen Arrangements, die mehrheitlich vom Dirigenten selbst oder aus der bewährten Feder des um keine Pointe verlegenen Oliver Gies stammen.

Das reicht vom feurigen „Chili con Carne“ aus dem Fundus der „Real Group“ über aufgefrische Swing-Klassiker bis zu – in ihren komplexen Arrangements kaum noch erkennbaren – Pop-Hits der letzten Jahrzehnte. Mit einer recht freien Bearbeitung von Brahms’ „Guten Abend, gut’ Nacht“ beweist der Don-Camillo-Chor dann nebenbei auch noch, dass er mehr als nur reiner Jazz-Pop-Chor ist: Diese jungen Sänger und Sängerinnen fühlen sich in vielen Gefilden zu Hause. Mit Recht. Denn „Good Bait“ ist nicht nur eine schöne, gelungene Leistungsschau, sondern auch einfach gute Unterhaltung.

Don Camillo Chor: Good Bait. Spektral SRL4-09049, 2009.

(geschrieben für die neue chorzeit)

geschaffen aus dem nichts

von Matthias

am 1. Juli 2009

in kritik, musik

Es war ein Hit von der ersten Aufführung an, den Joseph Haydn vor 210 Jahren mit seinem Oratorium „Die Schöpfung“ gelandet hat. Und wie jetzt der volle Dom bei schönstem Sonntagssommerwetter beweist, gilt das auch noch heute. Man konnte im Dom auch wunderbar erfahren, warum genau die „Schöpfung“ sich eigentlich seit ihrer Uraufführung dieser andauernder Beliebtheit erfreut: Kaum ein anderes Werk Haydns – und auch die Vorbild-Oratorien Händels nicht – kann so eine große Bandbreite musikalischer Mittel und so eine gelungene Mischung aus Schönheit, Drama, Spannung und Happy-End aufweisen: Fast wie das Rezept eines Blockbusters liest sich die Liste der Eigenschaften dieses Komposition.

Und Domkapellmeister Mathias Breitschaft gelingt es mit der ganzen Masse der erwachsenen Sängern seiner Chöre und dem vital spielenden Mainzer Kammerorchester, diese Mischung ganz ausgezeichnet vorzuführen und in der Balance zu halten. So erhält die aufklärerisch gefärbte Erzählung der Schöpfungsgeschichte eine sehr pointierte Dramatik. Breitschaft nimmt sich nämlich der plastischen Klangschilderungen Haydns und seiner bildhaften Vertonung des biblischen Geschehens in drastischer Deutlichkeit an. Das macht den Text fast überflüssig, so klar und nachvollziehbar wird die Klangsprache im Dom entwickelt. Und das Beste: Damit ist Breitschaft noch nicht am Ende. Ihm gelingt es nämlich außerdem auch, die Einheit des Oratoriums betonend zu wahren. Die zügigen Tempi und seine scharfe Kontrolle des Geschehens, gepaart mit der energischen Animation aller Beteiligten verhindern trotz aller feinen Arbeit das Verlieren in Details. Von der hier sehr friedvollen „Vorstellung des Chaos“ am Beginn, die die kommende Ordnung der Schöpfung schon in sich trägt, bis zum großen Finale nach dem Lobpreis des paradiesischen Lebens im Garten Eden reicht die vollendete Einheit der Musik. Und die Solisten unterstützen ihn in seinen intensiven Bemühungen. Bariton Dietrich Greve hilft mit fülliger, warmtönender Güte und Harmonie, während Tenor Markus Schäfer sich eher den dramatischen Akzenten und deutlichen Akzenten verpflichtet sieht. Vor allem die Sopranistin Sabine Goetz aber beeindruckt mit ihrer engelsgleichen, reinen und in allen Lagen ausgegelichenen Stimme – eine wunderbare Besetzung für den Erzengel Gabriel. Der Chor wirkte neben dieser leidenschaftlichen und ausgesprochen präzisen fast etwas blass, bewältigt seine Partie aber natürlich sehr sicher. Mit so viel chorischer Masse, die sich – etwa im wunderbar zarten Eingangschor – durchaus zähmen lässt, kann Breitschaft souverän arbeiten. Und da ist es kein Wunder, dass die „Schöpfung“ auch in Mainz ihren Status als immerwährender Hit behaupten kann.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

orff, bartók und gershwin glücklich vereint

von Matthias

am 9. Juni 2009

in kritik, musik

Béla Bartók, George Gershwin und Carl Orff haben wenig gemein. Und doch passen sie alle in das Konzert des Bachchores in der Christuskirche. Denn kleine Übereinstimmungen finden sich doch. Zum Beispiel, um ganz pragmatisch anzufangen, es gibt von jedem Musik für zwei Klaviere – wenn man schon zwei hochklassige Pianisten wie die Brüder Paratore zur Verfügung hat, muss man das ja auch nutzen. Und sie komponierten (fast) zur gleichen Zeit: Gershwins „Rhapsody in Blue“ war 1924 erstmals zu hören, Bartóks Sonate für zwei Klaviere und Schlagzeug im Januar 1938 und Orffs „Carmina burana“ entstand ab 1934. Das hört man ihnen aber kaum an, denn trotz der zeitlichen Nähe bleibt diese Trias grundverschieden.

Bartóks Sonate zum Beispiel ist ein eher sprödes, auch nur selten aufgeführtes Werk. Und eigentlich klingt es auch nicht so harmlos, wie hier in der Christuskirche. Da trägt der Raum große Mitschuld, der vieles weichzeichnet und verschwimmen lässt. Anthony und Joseph Paratore versuchen zwar, durch knackige Pointierungen dem etwas entgegenzusetzen. Aber so richtig weit kommen sie damit nicht. So bleibt die Sonate mit der ungewöhnlichen Besetzung für zwei Klaviere und zwei Schlagwerker (die aus dem Ensemble Babette Haag kamen) für dieses Mal fast eine verwunschene Feenmusik, deren weich fließende, stellenweise sogar ins rauschhaft taumelnde Klangwelten aber durchaus auch bedrohlichere Szenarien herbeizaubert. Doch noch bleibt alles Rohe und Wilde in sicherer Distanz und fest eingezäunt.

Gershwins Musik kennt solche Gefahren nicht. Routiniert arbeiten sich die Pianisten mit jahrzehntelanger Erfahrung durch die Rhapsody in Blue. Das Schlagwerk bleibt hier aber eher rasselnder und scheppernder Fremdkörper, was dem Zauber aber nicht weiter schadet.

Dafür dürfen die Percussionisten danach noch einmal alles geben: Die „Carmina burana“, die der Bachchor in der vom Orff-Schüler Wilhelm Killmayer angefertigten Fassung für zwei Klavier und Schlagwerk präsentierte, bietet ja nicht nur dem Chor reichlich Möglichkeiten zum Brillieren. Dem aber ungedingt auch – und der Bachchor nutzt die wie immer ganz selbstverständlich. Unter Ralf Ottos beseelter Leitung ergibt sich organisch eines aus dem anderen, laufen Chorsätze nahtlos in Soli und umgekehrt, verbinden sich Humoreske und Folklore, Liebesleid und Freudentaumel zu einer mächtigen, klangewaltigen Einheit. Besonders auszeichnend dabei: Die unerschüttliche Präzision – nicht nur technisch, sondern auch klanglich und emotional treffen Otto und seine Sänger immer genau auf den Punkt. Auch die Solisten passen gut dazu: Daniel Sans gefällt mit beherrschter Sicherheit, der komödiantisch begabte Klaus Häger mit seinem unkompliziertem Bass und die Sopranistin Valentina Farcas fügt sich mit selbst in großer Höhe klarer Stimme wunderbar ins Gesamtbild. Kein Wunder, dass die ausverkaufte Christuskirche restlos begeistert ist.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

reihenglück: 20 jahre „jazz im chor“

von Matthias

am 9. Mai 2009

in kritik, musik

Die 13 ist ja eigentliche eine Unglückszahl. Davon hat sich der Bosse-Verlag aber nicht beirren lassen und das Jubiläumsheft der Reihe „Jazz im Chor“ mit genau dieser Zahl an Songs gefüllt. Zu recht – denn „Jazz im Chor“ ist eine Erfolgsreihe, die auf Aberglauben verzichten kann. Seit 20 Jahren werden die Chorhefte herausgegeben von Christoph Schönherr, der damit Trend vielleicht nicht begründete, aber doch maßgeblich mitbestimmte. Und der, gerade mit den dort versammelten und zugänglich gemachten Arrangements, einiges getan hat für die Akzeptanz und Umsetzungsfähigkeit, die gekonnte Aufführung jazziger Arrangements eben nicht nur in Spezialensembles, sondern auch in bunt gemischten Chören.
13 Standards also, ausgesucht aus den zehn Heften der letzten zwei Jahrzehnte. Das heißt: Überwiegend bekannte und erprobte Sätz. Für Chöre – oder Chorleiter -, die jetzt einsteigen wollen ist das eine ideale Sammlung. Hits sind es sowieso.
Alle sind zwar nicht zu schwer gesetzt, aber sehr differenziert die Möglichkeiten auslotend und vor allem immer mit Gespür für publikumswirksame Effekte. Und sie sind außedem auch so bearbeitet, dass das Singen viel Spaß macht. Nicht alle beschränken sich dabei auf puren Chor – die zusätzlich zu erwerbenden Instrumentalstimmen haben ja in dieser Reihe auch schon Tradition. Neben „echten“ Standards – „Lullaby of Birdland“ etwa, oder Thelonious Monks „Blue Monk“ – repräsentieren Songs wie der Samba „It’s when the music starts to play“ oder Antonio Carlos Jobims Bossa „Wave“ (beide in Sätzen von Torsten Maaß) das reichhaltige Latin-Feeling von „Jazz im Chor“. Außerdem gibt es noch drei Originale von Martin Carbow für die Gospel-Abteilung. Ein Heft mit reichem Material und vielen Möglichkeiten also.

Christoph Schönherr (Hg.): Best of Jazz im Chor. 13 Jazz Standards for Mixed Choir. Gustav Bosse 2009. 79 Seiten. 19,95 Euro.
(geschrieben für die neue chorzeit)

passionsmusik aus siebenbürgen

von Matthias

am 7. April 2009

in kritik, musik

Siebenbürgen ist nicht gerade ein Zentrum deutscher Kirchenmusik. Genauer gesagt, ist es eher ein Zentrum von gar nichts. Manchmal sind aber die Ränder durchaus interessanter als die Mitte. Etwa, wenn dort bestimmte Traditionen überleben, wie zum Beispiel die über lange Zeit weitergegebenen lokalen Passionsmusiken. Das sollte man wissen, wenn man sich die „Siebenbürgische Passionsmusik“ für Chor, Solisten und Orgel von Hans Peter Türk anhört. Denn Türk ist ein siebenbürgischer Komponist.

Eine neue Matthäus-Passion also, als Fortführung noch erhaltener Bräuche – aber dennoch überhaupt nicht bloß bewahrend, sondern eben weiterführend. Denn Türk ist zwar kein Avantgardist, aber doch – trotz seiner geographischen Randlage – als Kompositionsprofessor ein Kenner der Entwicklungen und Techniken in der Musik. Und zwar nicht nur der Musik der letzten Jahre. Denn seine „Siebenbürgische Passionsmusik“ bedient sich bei Formen und Techniken aus eigentlich der ganzen abendländischen Musikgeschichte. Das führt zu einigen eigenartigen und bemerkenswerten Ergebnissen, die die Einspielung mit der Meißner Kantorei 1961 unter Christfried Brödel und mit Ursula Philippi an der Orgel eindrücklich vorführt.
Denn wie immer, wenn sich Bekanntes mit Fremdem, Vertrautes mit Exotischem mischt, entdeckt man reilich Neues und Interessantes – in Beidem. Der Text bleibt ganz auf vertrautem Boden, in der Musik entwickelt der 1940 geborene Siebenbürge aber einen eigenen Ton. Dabei vertraut Türk auf die Worte – und zwar sehr stark. Daraus und damit entwickelt er eine Musik, die sich dem Hörer unmittelbar unmitteilt. Und sie zeigt deutlich: Hier geht es nicht darum, um jeden Preis außergewöhnliche Musik zu finden. Türk strebt offenbar viel mehr danach, der Passionserzählung ein zeitgemäßes musikalisches Gewand zu geben, sie aber zuallererst als Erzählung zu verstehen. Und das kann dann eben auch heißen, sich als Komponist extrem zurückzunehmen. Auch in dieser konzentrierten Form, mit wenigen Einwürfen, behutsam untermalenden Tönen der Orgel etwa gelingt es ihm ohne Weiteres, starke Kontraste und nahegehende Stimmungen zu vermitteln, spannende Rezitative zu schreiben, die natürlich und kunstvoll zugleich wirken. Und vor allem hochgradig einfühlsame, intensiv vibrierende Choräle, die den wahren Kern dieser Passionsmusik bilden.

Das ist dann in der Summe eine durchaus moderne Musik, die verständlich und unbedingt zugänglich auch für Nicht-Kenner der zeitgenössischen Musik ist. Und eigentlich sogar für deren Verächter zu ertragen. Gut funktionierende Kirchenmusik also.

Hans Peter Türk: Siebenbürgische Passionsmusik für den Karfreitag nach dem Evangelisten Matthäus für Chor, Solisten und Orgel. Ursula Philippi, Orgel. Meißner Kantorei 1961, Christfried Brödel. Musikproduktion Dabringhaus und Grimm 2009. MDG 902 1554–6.

(geschrieben für die neue chorzeit)

hoffnung und ihre erfüllung (musikalisch): esperanza spalding & triband

von Matthias

am 5. April 2009

in kritik, musik, pop

Eigentlich hätte auf der Eintrittskarte ein Warnhinweis stehen müssen. Der Jazzminister warnt: Der Genuss dieser Musik verändert ihr Jazz-Bewusstsein. Denn was Jazztoday jetzt im Frankfurter Hof präsentierte, hat mit traditionellem Jazz ungefähr noch so viel zu tun wie ein moderner Synthesizer mit einem ehrwürdigen Konzertflügel – wenig, sehr wenig sogar. Aber das macht ja nichts. So lange es Spaß macht. Und genau dafür ist Esperanza Spalding mit ihrem Trio zum ersten Mal aus Amerika nach Deutschland gekommen.

Spalding ist eine junge Musikerin, die sich nicht zwischen dem Singen und dem Bass entscheiden kann – und deshalb einfach beides macht. Und mit Erfolg: ihre steile Karriere führte sie im Februar bis ins Weiße Haus. Und jetzt nach Mainz. Da machte sie schon mit dem Opener klar, wohin die Tour geht: „Jazz ain’t nothin’ but soul“. Sofort ist die Band mitten im Groove, Otis Brown am Schlagzeug wirkt dabei stellenweise wie ein Drumcomputer. Und während Esperanza Spalding mit flinken Fingern ihren funky Bass wirbeln lässt und dazu noch gleichzeitig locker die Stimmbänder im Scatgesang tanzen lässt, zeigt vor allem Pianist Leo Genovese – auch mit der Melodica – seine verspielte Seite. Denn egal ob es Jazzstandards oder etwa Wayne Shortes „Endangered Species“ sind: Das Quartett mach sich alles zu eigen, addiert seine voll gepfropften Arrangements, die nur ein Ziel kennen: Das Ergebnis muss Spaß machen. Und da kommen sie immer an, bis zur Pause ist kompromisslos gute Laune angesagt.

Triband kündigte sich danach dann selbst mit „ihr Kontrastprogramm für heute abend“ an. Und das war nicht übertrieben – jetzt war Schluss mit lustiger Spaßmusik. Das deutsche Quartett ist ja schon einige Jahre unterwegs und hat in der Zeit ihre Musik noch verfeinert: Zu einer wahren Feier der Subtilität mit Hang zur nachdenklicher Melancholität. Aber nicht resignierend, sondern die Wirklichkeit einfach umarmend: Gefühlslagen des Individuums nach der Postmoderne besingen sie in Songs wie „Somebody else“. Und mit echten Live-Qualitäten. Am deutlichsten wurde das in „Where did all the love go“ oder dem grandiosen „Dizzy Day“ am Schluss des Abends. Etwas Pop ist in dieser Mischung, natürlich steuert auch die Jazzgeschichte einige Ingredienzen bei, der Funk ist auch nicht spurlos an ihnen vorürber gegangen. Aber die Klangtüftler, die so ganz in ihrer Musik aufgehen, bauen daraus etwas Eigenes: Sandie Wollasch singt immer klar und minimal verspielt. Der Bassist Paucker – wie Sebastian Studnitzky ein echter Multiinstrumentalist (auch so eine Grenzüberschreitung …) gibt sich mit jeder Faser des hageren Körpers der Musik hin, tanzt um und mit Bass und Analog-Synthesizer, während Tommy Baldu die brodelnden Rhythmen zum Tanzen bringt. Und dieses Gebräu ist so wirkungsvoll, dass es auch das anfangs nur zurückhaltend reagierende Mainzer Publikum in seinen Bann zieht.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

einmal quer durch die musikgeschichte: schütz, pergolesi und brahms im passionskonzert

von Matthias

am 2. April 2009

in kritik, musik

Es war ein Hin und Her wie selten bei den Domkonzerten: Die Chöre wechselten, es wurde mit und ohne Orchester musiziert, die Solistenblieben auch alle nicht lange, selbst der Dirigent wurde getauscht. Und doch herrschte auch ganz viel Andacht im Passionskonzert. Im Zentrum stand dabei die Matthäus-Passion von Heinrich Schütz, die eigentlich gar keine Passion ist. Zumindest nicht im musikalischen Sinn. Denn bei Schütz heißt die Vertonung der Passionsgeschichte noch Historie – eine Erzählung der Leiden Christi. Und die hält sich, von Eingangs- und Schlusschor abgesehen, streng an den Text des Evangelisten. Arien und Choräle wird man hier also vergebens erwarten. Die Nähe zum Bibeltext führt dazu, dass große Teile vom Evangelisten und den anderen Solisten übernommen werden, der Chor mehr oder minder auf kurze Einwürfe beschränkt bleibt. Das sollte allerdings nicht zu so einer Hetze führen wie im Dom. Denn weder Mathias Breitschaft noch der eigentlich sehr solide Evangelist Daniel Käsmann nahmen sich im Gleichmaß der fortlaufenden Bewegung, des ununterbrochenen Berichtes Zeit für besondere Momente, für Augenblicke der Dramatik. Die sind aber auch bei Schütz durchaus vorhanden – man muss sich nur etwas mehr Mühe geben, sie freizulegen. Wie das geht, weiß Breitschaft ja durchaus. Das stellte er dann etwa im Schlusschor unter Beweis: Hier hatte er auf einmal Zeit für subtile Ausdeutung, die die Domkantorei auch – trotz der starken Besetzung – sehr deutlich und transparent, vor allem aber mit leichtem Klang mitmachte und mittrug.

Karsten Storck übernahm das Dirigat der anderen beiden Werke. Neben dem etwas blassen und unscheinbaren 13. Psalm für Frauenchor von Johannes Brahms, den der Mädchenchor sehr brav sang, war das vor allem Giovanni Pergolesis „Stabat Mater“. Dessen reine Melodien verherrlichen im Wohlklang sowohl der Chorsätze als auch der Arien und Duette mit den beiden schön aufeinander abgestimmten Solistinnen, Dorothee Laux und Patricia Roach, die süße Wollust der Schmerzen. Gerade der ständige Wechsel zwischen Chor und Soli gelang Storck dabei sehr schön. Denn die Chorsätze ließ er immer etwas stärker zelebrieren als unbedingt nötig. Zusammen mit der Intimität der Arien kam das „Stabat Mater“ so in seiner gesamten Länge zu einem wohlgerundeten Pulsieren, einer angenehmen Mischung aus zügigen Tempi und innigen Momenten der Empfindsamkeit. Und darum geht es schließlich: Das Mit-Gefühl zu wecken.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

Lesen. Hören. Und ein bisschen schreiben.

Kategorie: kritik Seite 2 von 15

gottesdienst wie in alten zeiten

mit musik & händel durch europa

wieder neu: brahms sinfonien und chorwerke

angebissen: der don-camillo-chor auf cd

geschaffen aus dem nichts

orff, bartók und gershwin glücklich vereint

reihenglück: 20 jahre „jazz im chor“

passionsmusik aus siebenbürgen

hoffnung und ihre erfüllung (musikalisch): esperanza spalding & triband

einmal quer durch die musikgeschichte: schütz, pergolesi und brahms im passionskonzert