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Große Messe und große Interpretation

am 7. Oktober 2011

Die vielen Kisten und Instrumentenkoffer des Orchesters stehen noch im Eingangsraum – die Christuskirche ist eben keine Konzerthalle. Auch im Kircheninneren ist es voll, schon der Bachchor und der unterstützende Chor der Musikhochschule brauchen einigen Platz, dazu dann noch die üppig besetze Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz. Aber für das Publikum ist noch genügend Platz. Zum Glück. Denn der ganze Aufwand der fast zweihundert Musiker ist ja kein Selbstzweck. Und Anton Bruckners dritte Messe in f‑Moll, das Hauptwerk des Konzertes am Tag der Deutschen Einheit, sorgt dafür, dass die Christuskirche auch akustisch gut gefüllt wird.

Aber die Fülle des Klangs wurde nie drückend, der machtvolle Klangapparat – und Bruckner nutzt den durchaus ausgiebig – beschert dem Publikum keinswegs eine beschwerliche Enge. Ganz im Gegenteil. Der prägendste Eindruck nicht nur bei der Bruckner-Messe, sondern auch schon in der Altrhapsodie von Johannes Brahms, war die feine Ausgestaltung aller Klänge. Und das ist ein unbedingtes Verdienst Ralf Ottos. Ein wirklich großes noch dazu. Die geradezu verrückt wirkende Detailgenauigkeit in Chor und Orchester geht nämlich mit einer ungeahnten Offenheit der Brucknerschen Musik einher. Was da an Vorbereitung dahinter stecken muss!

Erstaunlich intim klingt die größte Messe Bruckner in der Christuskirche. Das ist nicht gerade kammermusikalisch, aber trotz der teilweise mächtig geschichten Chor- und Orchesterklänge – irgendwie muss Bruckner ja noch zu erkennen sein – doch immer ganz direkte Musik, die sich nicht nur dem unbedingten Glauben ihres Schöpfers verdankt, sondern diese felsenfeste Gewissheit auch weitergeben kann – ohne zu verhehlen, dass vieles anders sein könnte. Der gern mal auftrumpfende, besserwisserische Bruckner kommt hier nicht zum Klingen. Ob es nun die berückende Innigkeit des Gloria ist oder die großartig ausgeformten Kontraste des Credo: Überall in dieser Messe herrscht ein lebendig-atmender Klang, der vor allem eine Geborgenheit in überlegter Gestaltung vermittelt, die sich den Rausch immer wieder versagt – und so vieles überhaupt erst zu erkennen gibt.

Der Bachchor singt das wie ein gebändigter Tiger: Voller Kraft, mit pulsierender Wildheit und natürlichem Instinkt, die aber ganz dem Willen des Dirigenten-Dompteurs Otto unterworfen sind und – ohne gebrochen zu weden, ohne an Ausstrahlung zu verlieren – zivilisiert wurden. Das ist immer ein schmaler Grat zwischen banalem Klangrausch und gefühlsduseligem Kitsch, den Bruckner im Idealfall von seinen Dirigenten verlangt. Und noch dazu technisch nicht ohne Tücken. Otto wandelt sicher – und führt das Publikum so nicht nur zum Erleben, sondern zum ganz neuen Kennenlernen dieser großen Messe.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Russische Hits

von Matthias

am 22. September 2011

in musik

Es ist schon seltsam, dass Tschaikowsky eines seiner berühmtesten Werke beinahe nicht komponiert hätte: Für „Romeo und Julia“, die nach dem Shakespeare-Drama geformte Fantasie-Ouvertüre, war erst ein Anstoß von außen notwendig . Auch bei seinem bekanntesten Komposition überhaupt, seinem ersten Klavierkonzert, plagten den skrupulösen Tschaikowsky lange die Selbstzweifel.

Zu hören ist davon aber nichts mehr. Auch beim ersten Mainzer Meisterkonzert in der Rheingoldhalle nicht.
Denn die Koblenzer Rheinische Philharmonie unter Daniel Raiskin bevorzugt im ganzen Konzert, das neben den beiden Tschaikowsky – jedes für sich schon ein absoluter Publikumsmaget – auch noch Liszts zweite Ungarische Rhapsodie in einer Orchester-Bearbeitung und Sergei Rachmaninows „Paganini-Rhapsodie“ für Klavier und Orchester versammelte, ein ziemlich robustes Musizieren. Die vielen raffinierten Feinheiten der „Romeo und Julia“-Ouvertüre sind dadurch kaum zu hören. Vor allem aber fehlen sowohl Spannung als auch Frische, durch die diese abgespielte Ouvertüre wieder lebendig würde. Aber trotz der nicht perfekten Wiedergabe wirkt sie natürlich immer noch: Wahre Meisterwerke sind schwer zu zerstören.

Den Status des überstrapazierten Meisterwerkes kann auch das b‑Moll-Konzert problemlos beanspruchen. Und auch hier stellt sich immer wieder die Frage: Haben Pianist und Dirigent noch etwas zu sagen? Beim Meisterkonzert ist das schnell beantwortet: Ja, unbedingt. Vor allem der Pianist Konstantin Scherbakov beweist sich hier meisterhaft. Weil er ungemein viel kann: Nicht nur den in diesem Schlachtross unvermeidlichen Theaterdonner – das absolviert er bravourös, aber scheinbar ohne innere Beteiligung. Viel deutlicher kommen seine immensen Fähigkeiten in den vermeintlichen Nebensächlichkeiten zu tragen: Wie er mitten im wildesten virtuosen Getümmel noch feinste Nunacen der Weichheit und Abrundung hervorzaubert – das verrät wahre Größe.

Und er nimmt dem Konzert damit viel von seiner oberflächlichen Triumph-Geste. Hier sind das versponnene Herbst-Nebel, die nur hin und wieder aufreißen und die strahlenden Reste der gleißenden Sommersonne hindurch lassen. Und einige kräftig Windstöße sorgen in dieser verwunschenen Traumlandschaft, die wie eine Feenwelt erscheint, für Durchblick und die Rückkehr in die Realität. Viele Doppeldeutigkeiten der Partitur werden so wunderbar klar, aus ihnen entwickelt Scherbakov dramatischen Impulse und eine Vielschichtigkeit, die die intellektuelle Neuentdeckung der versteckten Andeutugen und Kleinigkeiten dieser scheinbar so überaus bekannten Musik über ihre Emotionalität hinaus hebt. Schade nur, dass Raiskin mit der Rheinischen Philharmonie nicht genauso subtil und fragil begleiten kann. Aber im Finale finden sie dann doch noch zusammen, in einer schönen Form der vehementen Klarheit – und der absoluten Begeisterung für Tschaikowskys Musik. Und die teilt auch das Publikum mit ihnen.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Stimmung und Kontrapunkt

von Matthias

am 21. August 2011

in musik

„Willkommen in unserer Sauna“ werden die Besucher des Mainzer Musiksommers in der Villa Musica begrüßt: Im Sommer heizt sich deren kleiner Konzertsaal kräftig auf. Aber so heiß wurde es dann gar nicht. Auch nicht musikalisch – das Duo Arp/Frantz blieb gelassen und ließ sich von den hohen Temperaturen nicht überwältigen.

Ein interessantes Programm haben die beiden jungen Musiker mitgebracht: Sie kontrastieren Werke für Cello und Klavier von Johann Sebastian Bach und Felix Mendelssohn Bartholdy. Das passt — immerhin war Mendelssohn Bartholdy ein großer Verehrer Bachs. Davon kann man aber an diesem Abend nur wenig hören. Denn den beiden Musikern geht es nicht darum, zu zeigen, wie geschickt der Romantiker kontrapunktisch arbeitet oder Reverenzen an die Musikgeschichte in seine Kammermusik einbaut. Sie wollen vor allem die Stimmung herbeiholen.

Das macht sich schon gleich zu Beginn, in den „Variations Concertantes“, einem knappen Jugendwerk des fast zwanzigjährigen Komponisten, bemerkbar. Julian Arp und Caspar Frantz spielen das als vergnügliche, kunstvoll gearbeitete Unterhaltung im kleinen Rahmen: Weich perlend verströmen die Variationen gute Laune und zeigen sich dabei als Musik, die nicht viel will – oder zu wollen scheint. Wesentlich deutlicher — und vielschichtiger — wird es aber in Mendelssohn Bartholdys zweiter Sonate für Violoncello und Klavier, in der das Duo die ganze Bandbreite der Gefühle ausschöpft.

Stimmungsvoll spielt das Duo auch zwei Sonaten von Bach. Was anderes bleibt ja auch kaum übrig, bei der doppelten Fehlbesetzung: Bach hat diese Sonaten der Gambe und dem Cembalo zugedacht, nicht dem Cello und Klavier. Dass es jetzt so ganz anders klingt, macht aber wenig. Vor allem bei der zweiten Sonate hat das die neue Klangpracht durchaus Vorteile. Vom zarten, vorsichten Beginn bis zum kraftvollen Ende entsteht dabei eine kleine Geschichte der Bewegung. Am Anfang noch ganz zurückhaltend, vorsichtig tastend die Fühler ausstreckend — ein Aufbruch ins Ungewisse. Das Duo bekommt aber bald Boden unter den Füßen, mit dem zweiten Satz wird der Schritt fest und zuversichtlich. Der dritter Satz erscheint dann als verträumtes Spazieren, fast ein Schlafwandeln, ein Schlendern ohne Ziel und Not. Der Schluss wiederum ist die höchste Form der Bewegung, ganz vom Nutzen befreit: Das Tanzen, neckisch, mit sicher gesetzten Pointen. Dabei sind Arp und Frantz nie effekthascherisch. Denn die Klangverbindung zwischen Cello und Klavier ist eng, fast symbiotisch. Man hört in beinahe jedem Moment, dass sie sich aus gutem Grund „Duo“ nennen: Sie müssen sich nicht einmal mehr ansehen, so gut wissen sie um die Reaktion des Partners. Und das hört man nicht nur in der technischen Souveränität, sondern auch im Gleichklang der Farben und Schattierungen.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Wie Einhard zum maurischen Sklaven wurde

von Matthias

am 12. August 2011

in musik

Ein paar Jahrhunderte Vertreibung und Wanderschaft verändern alles. Da wird dann aus Einhard nach und nach Gerineldo, der Berater des Kaisers Karl der Große verwandelt sich zu einem maurischen Sklaven. Genau das passiert nämlich in der langen mündlichen Überlieferung der Musik der Sephardim. Um die Lieder und Musik dieser spanischen Juden, die am Ende des Mittelalters vertrieben wurden und sich im ganzen Mittelmeerraum verteilten, ging es dem Ensemble Sarband beim Mainzer Musiksommer.

Und da taucht eben auch dieser Gerineldo auf, als maurischer Sklave, in den sich die Prinzessin verliebt und die sich dann auch gleich reichlich ungehörig benehmen, wie Vladimir Ivanoff, der Leiter des Quartetts, erläutert. Fadia El-Hage, die libanesische Sängerin des Ensembles, trägt das variierte Strophenlied dann mit Schmelz und Emphase vor. Genau wie auch die anderen Romanzen und Balladen, die sich nicht immer nur um das verwickelte Liebesleben drehen, sondern auch gerne dazu dienen, die Geschichte der spanischen Juden zu tradieren. Begleitet wird sie dabei von den dafür typischen Instrumenten: Der näselnden Kemençe, einer auf dem Schoß gehaltenen einfachen Fiedel. Oder dem Kanun, der etwas schnarrenden orientalischen Zither-Variante. Vladimir Ivanoff ergänzt das mit Tambourin, Rahmentrommel oder auch mal der Ud, der arabischen Laute. Das sind genug Möglichkeiten, um für ein abwechslungsreiches Klangbild zu sorgen und doch nie gewohnt zu wirken.

Ivanoff hat auch die „aktuellen“ Versionen dieser Balladen und Romanzen gesucht und zusammengestellt. Das alles ist – trotz des Festival-Mottos — nicht gerade „klassische“ Musik. Zumindest nicht in Deutschland. Dafür erklingt sie aber mit garantiertem Exotenbonus. Dabei ist die Musik, die das Ensemble Sarband in der St. Antoniuskapelle spielt, eigentlich das normalste überhaupt. In den meisten Fällen sind es nämlich Küchenlieder, Lieder der alltäglichen Arbeit, die von den Müttern an ihre Töchter weitergegeben wurden und so die Geschichte und Tradition der Sephardim auch in der Diaspora aufrecht erhalten sollen. Natürlich blieben sie nicht rein, sie veränderten sich, passten sich den neuen Umgebungen an. Auch das führt Sarband vor: Wie ein Lied mit mehreren Melodien überliefert ist, zum Beispiel das „Una matika de ruda“. Wie das meiste an diesem Abend singen sie es in der eigenen Sprache der Sephardim, dem Ladino, einer Abart des Spanischen. Die türkische Melodievariante lässt das Lied als eine versunkene, reich verzierte Betörung erscheinen, während die bosnische Melodie dagegen eine lebhafte, bewegte Freude vermittelt. Und das bleibt auch über Jahrhunderte hinweg so.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Langweilige Schönheit

von Matthias

am 7. August 2011

in musik

irgendwie erwischt’s mich gerade: Nach dem zwar schönen, aber nicht besonders spannenden Konzert der Kings Singers nun das ebenfalls schöe, aber nicht besonders spannende Konzert des Trio Mediaeval (auch mit ganz ähnlicher Zweiteilung: erst geistliche Musik, aber nicht zu viel — und in der zweiten Hälfte dann leichte Unterhaltungsmusik … — allerdings waren beide Teile bei den Kings Singers doch noch deutlich anspruchsvoller als hier, fällt mir im Rückblick auf)

Sie stehen einfach da. Und fangen dann mal an : Ganz zart setzt der erste Ton an, vorsichtig fühlt er sich in den Raum der Augustinerkirche ein, ohne irgend eine Unsicherheit zu verraten und klingt doch, als könne er bei der geringsten Berührung zerbrechen. Schnell stabilisiert sich der Klang, verbreitert sich mit dem Einsatz der anderen Stimmen und fächert sich zur Harmonie auf: Das Trio Mediaeval singt. Und macht sonst nichts. Die drei Sängerinnen brauchen auch nichts außer ihren Stimmen, denn singen, das können sie.

Und ihr Klang ist bezaubernd. Er ensteht vor allem aus der nahtlosen Mischung und wundersamen Einigkeit der drei Stimmen, denen man in jedem Ton die lange gemeinsame Erfahrung anhört. Und sie haben eine sehr charakteristische Art der Phrasierung entwickelt, die sich durch ihre Sanftheit auzeichnet: Beginn und Ende jeder wohlgeformt abgerundeten Phrase sind immer weich und genauo anschmiegsam wie eine zarte Berührung.

Das bleibt dann aber eben immer gleich — egal ob das Trio eine aus wenigen Fragmenten rekonstruierte mittelalterliche Marienmesse singt, die sogenannte „Worcester Ladymass“, ob es liturgische Gesänge, die Gavin Bryars ihnen vor wenigen Jahren als Ergänzung dazu komponiert hat oder ob sie in der zweiten Konzerhälfte norwegische Volkslieder vortragn . Der Text zum Beispiel ist grundsätzlich zweit- bis drittrangig. Und das heißt, er ist kaum bis gar nicht zu verstehen, zumal das Textheft nicht immer weiterhilft. Meist stört das nicht so sehr, man kann sich ja auf den Klang konzentrieren und daran freuen – auf den reinen, klaren Klang dreier Frauenstimmen, der ganz ohne Ablenkung und Mätzchen auskommt. Das ist wunderbar, wo sie damit den Kontrapunkt der Messgesänge aufdecken können und die Verwandtschaft von mittelalterlicher und moderner Musik erlebbar machen.

Aber es wird halt doch eintönig. Zumal die Arrangements der immer irgendwie leicht melancholisch klingenden Volkslieder zwar geschickt die Möglichkeiten des Trios nutzen, die Klänge und Stimmcharakteristiken der drei Sängerinnen, sonst aber auch nicht besonders originell sind . I mmer wieder hört man also von Neuem, wie die Schönheit des Vokalklangs sich mit dem Raum vereint. Das Trio Mediaeval singt auch nicht nur vom Altar aus — wo es sich anbietet, nutzen sie das gesamte Kirchenschiff . So viel Schönheit ohne Ecken und Kanten, ohne Reibepunkte oder Widerhaken, so viel simple Harmonie hält niemand lange aus – auch die Sängerinnen offenbar nicht: Kaum 90 Minuten singen die drei beim Mainzer Musiksommer, dann bricht die banale Alltagswelt wieder über das Publikum hinein.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Der Mann mit der Schmetterlingshand

von Matthias

am 2. August 2011

in musik

Er hat Hände wie ein Schmetterling: Nicht nur auf den Tasten schweben sie, in jeder Pause, vor jedem Einsatz setzen sie zu einem kleinen Flug durch die Luft an. In jede Pause schwebt die Hand von den Tasten in den Luft, die Finger flattern und schwingen wie ein Schmetterling von Blüte zu Blüte, bevor sie wieder ein – vorübergehendes – Ziel finden und sich auf den Tasten niederlassen. Olli Mustonen ist ein faszinierender Pianist. Und nicht nur wegen seiner Fingertänze.

Alles kommt aus ihm. Nicht, weil er die Musik für seinen Auftritt im Schloss Waldthausen umformt. Sondern weil er sie sich vollkommen zu eigen macht. Ob Robert Schumann, Alexander Skrjabin, Rodion Schtschedrin oder Bohuslav Martinů: Jede Musik, die er in Angriff nimmt, zeichnet sich schließlich durch ungeheure Dringlichkeit aus. Das muss er jetzt spielen, genau so, genau in diesem Moment, es drängt geradezu aus ihm heraus. Obwohl natürlich auch Mustonen schon vor Monaten genau festgelegt hat, was er im Schloss Waldthausen, an diesem speziellen Abend, beim Mainzer Musiksommer, spielen wird. Und doch ist in seinem Spiel eben immer wieder die Frische, die neugierige Begeisterung des Entdeckers zu hören: Alle seine Töne atmen Unmittelbarkeit. Ob das die Frucht eines Mönchs oder eines Magiers ist, bleibt unentschieden.

Wie ein Schmetterling plötzlich auftaucht, so unmittelbar wechselt er die Klangfarbe, wenn es nötig ist. Das heißt aber nicht, dass er ausschließlich sanft und zurückhaltend vorsichtig spielen würde: Sobald es nötig wird – und es erscheint ihm öfter nötig, als man glauben möchte – wird aus der Schmetterlingshand ein jagender Adler: Der kreist noch kurz über der Tastatur, stürzt dann im todsicheren Sturzflug rapide hinab, trifft natürlich unweigerlich die richtige Taste. Aber auch den richtigen Ton: Mustonen ist genau, was seine Klanggestaltung angeht, überaus genau.

Und immer wieder fliegt der Schmetterling dazwischen – Mustonen lockert die Hand und die Finger für neue Abenteuer. Ob das in den sattsam bekannten Kinderszenen Schumanns ist oder den nur selten gespielten Präludien & Fugen von Schtschedrin: Klangkombination ist sein große Thema, am besten zu erfahren in den zart abgetönten Akkorden. Kein Wunder: Im Zentrum des Abends steht schließlich Skrjabin, der große Klangkünstler. Mustonen beweist das zunächst mit den Préludes op. 13 und 16, und dann vor allem mit dem späten „Poème“, „Vers la flamme“. Wirklich als ein sprachloses Gedicht erklingt das, unvergleich schön und berauschend. Wie ein Schmetterling eben: Der Flug sieht wie ein Taumeln aus, ist aber schön und zielgerichtet. Und so spielt auch Mustonen: Die Form der Musik ist oft kaum erkennbar, aber das Erlebnis der Reinheit und Freiheit des Klangs überdeckt alle Mängel.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Der Sommer ist Musik

von Matthias

am 31. Juli 2011

in musik

Wenn schon das Wetter nicht mitspielt, dann wenigstens die Kunst: Der Mainzer Musiksommer ist wieder eröffnet:

Keine leichte Sache wird das: Von 16. bis zum 20. Jahrhundert reicht die Spanne, von franko-flämischer Vokalpolyphonie bis zu spätromantischen Chorliedern. Das Eröffnungskonzert des Mainzer Musiksommers im Dom ist damit fast ein kleines Festival in sich.

Einfach ist das nicht, so eine große Vielfalt in einem Konzertabend zusammenzubringen und jedem einzelnen Werk auch gerecht zu werden. Doch Domkapellmeister Mathias Breitschft gelingt das mit dem Domkammerchor richtig gut. Sicher, die Spezialisten würden die Chormusik der Mainzer Hofkapellmeister wie Gabriel Plautz, Philipp Friedrich Buchner oder Johann Zach schon anders singen. Aber auch Breitschaft findet einen guten Weg. Einen sanften vor allem:

Immer wieder fällt in diesen liturgischen Chorsätzen aus dem Renaissance- und Barock-Mainz der weiche Chorklang auf, den Breitschaft formt. Der Domkammerchor und seine Solisten lassen den Klang förmlich in die Domhalle fließen, ohne die Kontrolle über die Konturen zu verlieren – und mit der Fähigkeit, immer wieder klare Akzente zu setzen und Höhepunkte zu formen.
Der Sprung in die Romantik ist dann freilich doch genau das: Ein Sprung. Und ein recht großer noch dazu. Zumal Franz Liszts „Präludium und Fuge über B‑A-C‑H“ für Orgel ja auch nicht zurückhält mit großen Gesten, harmonischen Kühnheiten und klanglichen Effekten.

Domorganist Daniel Beckmann, der in der ersten Hälfte den Chor auch schon mit Cellistin Traudl Eutebach im Generalbass unterstützt hat, übernimmt die Aufgabe, diesen Sprung auszuführen – und tut das gewandt, ohne die Bodenhaftung zu verlieren. Wo andere Organisten sich gerne austoben, bevorzugt er eher gemäßigte Tempi und nimmt sich auch Zeit für Ruhepunkte – so bleibt auch in der Domakustik noch vieles erkennbar. Vor allem aber ist es seine sehr fantasievolle, abwechslungsreiche und einfühlsame Registrieung, die nicht nur das Potenzial der Orgel auskostet, sondern auch dem Werk zur vollen Geltung verhilft.

Der Domkammerchor nimmt das dann direkt auf: Mit drei Motetten von Liszt zeigt er sich in der zweiten Konzerthälfte deutlich farbiger als zuvor in der Abteilung „Alte Musik“, deutlich vielfältiger auch in Dynamik und Artikulation. Vor allem zum Schluss hin steigern sich die nachdenklichen Innigkeiten: Sorgsam und faszinierend detailreich entfaltet Breitschaft schon Hugo Wolfs „Geistliche Lieder“, behutsam und bedacht lässt er ihre resignativ-erlöste Endzeitstimmung genau ausformen. Und mit der Motette „Schaffe in mir Gott“ von Johannes Brahms, die zumindest formal noch einmal den Bogen zum Anfang des Konzertes schlägt, kann er das sogar noch ein bisschen überbieten: Mit gezieltem Krafteinsatz, mit präzis gesetzten Höhepunkte und trotz aller klanglichen Delikatesse vor allem mit viel begeistertem Schwung.

(geschrieben für die Mainzer Rheinzeitung.)

Reinraummusik: Die King’s Singers in St. Stephan

von Matthias

am 22. Juli 2011

in musik

So richtig begeistern konnte ich mich beim Auftritt der King’s Singers in Mainz nicht: Perfekt intoniert, ohne Frage — aber alles auch perfekt routiniert, vom Auf-die-Bühne-Schreiten bis zur Handhaltung alles minutiös einstudiert: Raum für Spontaneität, für Begeisterung (der Musiker selbst) gibt es hier nicht. Deswegen wird’s auch mal langweilig. Denn auch ein wahnsinnig professioneller, nahezu perfekter Ensembleklang ist alleine auf Dauer nur mäßig befriedigend. Aber trotzdem schön anzuhören ;-)

Wenn es so etwas wie königliche Reinheit gäbe – hier wäre es zu hören. Denn wenn die King’s Singers etwas beherrschen, dann ist es die mühelose Perfektion der reinen Intonation. Eine nahtlose, unzerbrechliche Einheit bilden diese sechs Sänger, vom ersten Einatmen bis zum letztenVerklingen. Und selbst die Handhaltung und das professionelle Lächeln sind bei allen gleich – Unterschiede gibt es nur in der Haartracht.

Mit unwiderstehlicher Routine produzieren die King’s Singers einen Verschmelzungsklang, der wahnsinnig machen kann. Zusammen bilden sie etwas ganz Einzigartiges, bei dem es fast egal ist, was sie singen. In St. Stephan, wo sie im Rahmen des Rheingau Musikfestvals gastierten, war das zunächst ein Gründonnerstags-Programm rund um den gregorianischen Choral „Pange lingua“. Da macht es auch nichts, das die Karwoche schon einige Zeit zurück liegt: Hier geht es nur um die Musik, und da vor allem um den puren Klang – die Texte und Inhalte spielen nur eine untergeordnete Rolle. In St. Stephan waren die Worte nur ausnahmsweise zu erahnen, verstehen konnte man die Text schon gar nicht.

Schön ist diese Musik trotzdem. Und das ist die Hauptsache, egal ob es um Motetten von Carlo Gesualdo oder von Anton Bruckner geht, ob Maurice Duruflés „Tantum ergo“ oder Tomas Luis de Victorias „Popule meus“ erklingt. Die Differenz zwischen 16. und 20. Jahrhundert wird mühelos überbrückt, die Unterschiede verschwimmen: Das sind einfach die King’s Singrs – fertig. Und das heißt: Wohlklang pur, immer wieder, egal, welche Noten gerade auf dem Pult liegen. Schon das langsame Ausklingen der Schlussakkorde allein ist dabei jedes Mal wieder bezaubernd, wie sie immer weicher werden und sich im Raum auflösen – solche Feinheiten bietet kaum ein anderes Ensemble so überzeugend. Aber besonders spannend ist das nicht, weil außer dem extrem gleichmäßig, ungemein rein ausgeformten Wohlklang für die sechs Engländer wenig anderes zählt. Ein kleines Crescendo ist da schon fast eine Sensation. Denn die zarte Zerbrechlichkeit des perfekten Vokalklangs ist eben immer in Gefahr – da würde übermäßige Expressivität nur schaden. Und schade wäre es wirklich, würde dieser Wohllaut zerstört. Doch das passiert den King’s Singers nie, ihr einzigartiger a‑cappella-Klang bleibt auch an diesem Abend ungebrochen.

Neu und alt, friedlich vereint — im Gedenken

von Matthias

am 14. Juli 2011

in musik

Es war wie bei der Uraufführung: Das Publikum war von Béla Bartóks „Musik für Saiteninstrumente, Schlagwerk und Celesta“ so begeistert, dass das Orchester den letzten Satz wiederholen musste. Damals, vor fast 75 Jahren in Basel genau so wie jetzt im Kurfürstlichen Schloss. Das Orchester der Mainzer Musikhochschule unter Wolfram Koloseus war schuld an dieser Parallelität. Denn beim Abschluss der diesjährigen „MainzMusik“-Konzertreihe bot es ein spannendes und überraschendes Programm, bei dem der Schlussapplaus vollkommen gerechtfertigt war.

Der Beginn des Konzertes war aber etwas aktueller, mit der Streichermusik „Der Opfer Hiroshimas gedenkend“. Uwe Lohrmann — geboren im Jahr der Uraufführung der Bartók-Musik – schrieb dieses Stück für doppeltes Streichorchester und Solovioline zur Erinnerung an und aus Anlass des 60. Jahrestages des ersten Atombombeneinsatz. Dichte, komplexe Akkorde der vielen Streicherstimmen sind das, die das schreckliche Geschehen sehr bildhaft einfangen. Vor allem aber ist es eine Musik der Trauer, des Schmerzes und des Verlustes – und darin ganz unmittelbar. Genau darauf legt es auch Koloseus, der 2005 schon die Uraufführung dirigierte, an. Und auch Benjamin Bergmann als Solist, der aber als solcher gar nicht sehr heraussticht, sondern sich eng in das Orchestergeschehen integriert, folgt ihm eng. Zusammen widmen sie sich Lohrmanns Musik sehr effektiv und kontrolliert: Sie machen bewegende, emotionale Musik, ohne sich in Sentimentalitäten zu verlieren.
Der Trauermusik folgt dann ein unerwarteter Abstecher in die Wiener Klassik: Mozarts große g‑Moll-Sinfonie. Und es funktionierte. Denn Mozarts vorletzte Sinfonie erweist sich im Schloss als wunderbare Ergänzung, wie ein Kommentar aus der Vergangenheit. In gewisser Weise ist das ein bisschen wie ein Rückkehr in die Normalität, die aber auch nie eine heile Welt war – denn Koloseus führt auch die Abgründe und Brüche dieser Musik vor, ohne sich darin zu verlieren. Geschmeidig und für ein Studentenorchester sehr klangkultiviert navigiert er sicher durch Mozarts Spätwerk.

Wie überhaupt vieles klappte an diesem Abend. Selbst die kleinen Ungenauigkeiten, die sich in Bartóks „Musik für Saiteninstrumente, Schlagwerk und Celesta“ hin und wieder einschlichen, gehören dazu: Denn Koloseus wirft sich und das Hochschulorchester betont ungestüm in die kultivierte Wildheit Bartóks, ihre ewig drängenden Unruhe und rastlosen Bewegung, die nur kurze Momente des Innehaltens, der idyllischen Inseln der Harmonie im Meer der Unrast erlaubt. Und das ist so mitreißend, dass selbst der Dirigent aufpassen muss, auf der Bühne nicht einfach loszutanzen.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Singende Seelen

von Matthias

am 8. Juli 2011

in musik

Wenn ein A‑Cappella-Ensemble sich den Namen „Sjaella“, für „Seele“ gibt, kann man von der ersten CD schon einiges erwarten. Besonders beseelt singen die sechs jungen Sängerinnen auf ihrer Debüt-Aufnahme allerdings eher selten. Ein bisschen schade ist das, die technischen Möglichkeiten dazu hätte die Gruppe, die trotz der Jugend ihrer Mitglieder schön sechs Jahre gemeinsam singt, nämlich durchaus. Der wilde Stilmix, das kunterbunte Sammelsurium dieser CD zeigt das deutlich: Intonationssicher und klar ausbalanciert singen sie immer, ob die Musik von Knut Nystedt stammt oder von Sting, ob gerade die Noten von Duruflés „Tota pulchra es“ oder ein Volksliedsatz an der Reihe sind: Immer wieder singt Sjaella ohne Zweifel sauber – man könnte problemlos mitschreiben. Aber Charme, Inspiration oder Esprit – das vermittelt die Aufnahme leider kaum. Deswegen hängen selbst Beatles-Hits wie „Drive my car“ oder Stings „Valparaiso“ etwas glanzlos im leeren Raum. Dabei gelingt Sjaella durchaus einiges, Diamons are a girl’s best friend etwa – das hat in seiner naiven Unschuld schon seinen Reinz … Aber ob das wirklich so tief ins Innere der Teenager-Seelen blicken lässt, wie das Booklet behauptet?

Sjaella: Sjaella. Querstand VKJK 1009. 2011. 48:52 Minuten.

(geschrieben für die Neue Chorzeit.)