»Nächstens mehr.«

ein schwieriges unter­fan­gen: das semes­ter­ab­schlusskonz­ert. viel gutes war dabei, aber auch viel mist und ver­w­er­fliche ideen… das ist dabei her­aus­gekom­men:

Das erste gesun­gene Wort ist Pro­gramm: „Tröstet“ begin­nt der „Mes­sias“ von Hän­del. Denn Trost und Freude über die Ankun­ft des Erlösers sind es, die das Ora­to­ri­um bes­tim­men. Sel­ten wird das so deut­lich wie beim Semes­ter­ab­schlusskonz­ert von Chor und Orch­ester des Col­legium musicum in der Phönix­halle. Denn hier kommt diese Ini­tialzün­dung aus dem Mund von Daniel Sans – nicht nur aus dem Mund, aus tief­ster Seele scheint sich die Gewis­sheit Bahn zu brechen. Ganz zart und weich set­zt der Mainz­er Tenor damit ein, entwick­elt das eine, immer wieder wieder­holte Wort dann mit genau dosiert­er, nie über­trieben­er Überzeu­gung mit san­fter Nach­drück­lichkeit bis zur fes­ten Gewis­sheit und Bestä­ti­gung: Der Trost ist gerecht­fer­tigt, der Mes­sias erschienen.

Auch son­st ist es ein Abend der Details. Die waren schon immer die beson­dere Spezial­ität von Joshard Daus. Dieses Mal übertreibt er es damit allerd­ings ein wenig. Denn die ger­adezu mikroskopis­che Genauigkeit ermöglicht zwar Klangstu­di­en von beson­der­er Güte, führte aber ander­er­seits zum Ver­lust von Klarheit und Struk­tur. Akzente gab es etwa fast gar nicht. Auch Hän­delsche Idee lassen sich kaum noch find­en – dieser Mes­sias ist viel mehr Mozart als Hän­del. Denn Daus hat sich für die Mozart’sche Bear­beitung des Ora­to­ri­ums entsch­ieden. Die hat unter anderem den Vorteil, dass man auf deutsch sin­gen darf. Und das geschieht hier aus­geze­ich­net. Sowohl die Solis­ten als auch der Chor sind ganz beson­ders gut ver­ständlich. Und ger­ade der Chor ist das Zen­trum dieser Auf­führung. Unen­twegt strahlt er Besinnlichkeit und Andacht aus. Über­haupt spielt die Rein­heit des Klanges eine ganz große Rolle für Daus. So vor­sichtig nähert er sich dem Werk, als wäre die Musik selb­st schon etwas Heiliges. Ander­er­seits scheint der Diri­gent bedacht zu sein, immer eine gewisse Min­dest­dis­tanz zum Werk und sein­er Überzeu­gung der Erlö­sung zu wahren. Das wird vor allem dann deut­lich, wenn ein­er der Solis­ten – etwa der impul­sive Bass Ulf Bästlein – diesen Abstand über­windet.

Und so großar­tige Klangstil­lleben Joshard Daus dabei auch gelin­gen, voller fein­ste Schat­tierun­gen und unglaublich­ster Nuan­cen, umso stärk­er fall­en die Nach­läs­sigkeit­en an anderen Stellen auf. Etwa die grausam unter­be­lichteten Holzbläs­er. Aber auch das struk­turelle Prob­lem seines Ansatzes liegt immer wieder deut­lich zu Tage: Seine Klang­bilder sind eben Stil­lleben im wahrsten Sinne des Wortes – ohne Bewe­gung und Entwick­lung führen sie nir­gends hin, son­dern bleiben reine Momen­tauf­nah­men. Das Ora­to­ri­um wird deshalb zu ein­er lan­gen Rei­he von – an sich wun­der­schö­nen – Stand­bildern, die den eigentlich beab­sichtigten Film aber nicht erset­zen kön­nen.

Drei Kom­pon­is­ten, drei Werke, ein Klavier­abend: Das Pro­gramm ist schnell gele­sen. Aber die Wirkung ist nach­haltig. Denn Evge­nia Rubi­no­va ver­ste­ht ihr Handw­erk. Und das, obwohl die in Frank­furt lebende Russin ihre Aus­bil­dung eigentlich noch gar nicht been­det hat. Doch davon war im Frank­furter Hof nichts zu spüren. Der SWR hat die junge Pianistin im Rah­men der Rei­hen „Inter­na­tionale Pianis­ten“ nach Mainz geholt.

Drei Werke also – viel weit­er lässt sich das sowieso schon puris­tis­che Klavier­recital kaum noch reduzieren. Mit Chopin, Rach­mani­noff und Skri­abin standen zwar bekan­nte Namen auf dem Pro­gramm. Die Stücke, die sich Rubi­no­va aus­ge­sucht hat­te, sind aber alle­samt nicht ger­ade die größten Hits.

Schon von Frédéric Chopin wählte sie aus­gerech­net die zweite Klavier­son­ate. Das war aus­ge­sprochen raf­finiert, denn zumin­d­est die Mar­cia funèbre daraus ken­nt jed­er. Und zugle­ich war diese Sonate im Frank­furter Hof, wo Rubi­no­va sie in all ihren Kon­trasten sehr schön ausleuchtete und ger­ade den Trauer­marsch zu einem richtigge­hen­den Mys­teri­um machte, zugle­ich war diese Sonate ger­ade in ihrer Aus­drucksvielfalt eine wun­der­bare Über­leitung und Vor­bere­itung für den näch­sten Pro­gramm­punkt. Denn Alexan­der Skri­abins Fan­tasie in h‑Moll zählt ganz bes­timmt nicht zu den meist­ge­spiel­ten Stück­en. Und die unge­heuer­liche Dichte des unabläs­si­gen Flusses an Ideen und har­monis­chen Gedanken machen es wed­er dem Inter­pre­ten noch dem Pub­likum beson­ders leicht. Doch da kann Evge­nia Rubi­no­va helfen: Lock­er und leicht wie eine Par­füm­wolke ent­flieht die Fan­tasie ihren gefüh­lvollen Fin­gern. Nahezu schw­ere­los sinkt diese Musik ins Ohr und ins Hirn, bre­it­et sich aus und füllt jeden Winkel des Denkens und Füh­lens aus. Ger­ade die frag­ile, immer wieder gefährdete Zusam­menset­zung der Klang­welt Skri­abins ver­mochte Rubi­no­va ganz reizend auszukosten – da fehlt zur Per­fek­tion nur noch das let­zte biss­chen Kon­se­quenz und Durch­set­zungskraft, vor der die junge Pianistin immer wieder zurück­zuscheuen schien.

Die kom­plette Hexa­lo­gie der Moments musi­caux von Sergej Rach­mani­noff schließlich ist eben­falls nur allzu sel­ten kom­plett zu hören. Schwärmerisch agi­tiert in diese Klang­welt bohrend, wandt die Pianis­ten diese Preziosen immer wieder ins Offene und Unbes­timmte: Nur der unmit­tel­bare Augen­blick zählt hier, eine fortwährende Kette von ein­prägsamen Ein­drück­en entste­ht so – Momente der Erfül­lung und des reinen, unver­fälscht­en Genuss­es.