Kategorie: musik Seite 6 von 37

Bei den Wise Guys läufts

am 2. Dezember 2015

Die “Achterbahn” ist kaum ein Jahr alt, schon gibt’s mit “Läuft bei euch” Nachschub aus Köln. Und ohne große Umstände starten die Wise Guys ihre neue CD gleich mit einer Liebeserklärung ans A‑cappella-Singen, entspannt und der eigenen Fähigkeiten gewiss: “Wenn wir zusammen singen, ist da sofort Musik drin”. Da haben sie natürlich Recht.

Und da ist Musik in bewährter Qualität drin: Sauber produziert und ordentlich gesungen — ziemlich genau das, was man von den Wise Guys schon lange gewöhnt ist. Kein Wunder, Musik und Texte kommen ja hauptsächlich von Daniel “Däni” Dickopf. Und doch wird schnell klar: Auf “Läuft bei euch” sind die Wise Guys etwas anders, es gibt weniger Blödelei und Witz — sie wollen doch nicht etwa erwachsen werden? Gesellschafts‑, Gegenwarts- und Kulturkritik sind jetzt stark vertreten. Von den Auswüchsen der Selfie-Sucht über das sehnsationsgierige Gaffen bis zum tödlichen Mobbing reicht die Bandbreite der Themen. Musikalisch ist “Läuft bei euch” leider nicht ganz so vielfältig. Manches ist richtig gut, wie “Wahre Helden”, das die Helden des Alltags — also Krankenpfleger oder Alleinerziehende zum Beispiel — hymnisch lobt und sehr eingängig, mit behutsam dosiertem Pathos im besten Wise-Guys-Stil besingt. Auch sehr schön: “Der Rock-n-Roll ist tot“, in dem das Quintett rockend über die Zeiten, als man mit Musik noch Protest hervorrufen konnte, singt — musikalisch ist das sehr treffend umgesetzt.

Überhaupt scheint es den Wise Guys die Meta-Musik angetan zu haben. Nicht nur die fehlende politische Kraft der Musik besingen sie, auch die Musik selbst und ihre erinnerungspsychologische Wirkung, wie bei “Das Lied bei deinem ersten Kuss”. Das ist eines der Highlights, eine schöne, nur leicht sentimentale Ballade über die Kraft der Musik, die Erinnerung an das erste Hören wecken kann, bei dem einfach alles stimmt — und dann läuft es … Nur leider passiert das auf “Läuft bei euch” nicht so häufig, wie man das von den Wise Guys kennt. Songs wie “Lass die Sau raus” oder „Teufelskreis“ zum Beispiel zünden einfach nicht recht. Obwohl nichts falsch ist, ist da auch nichts, was sie irgendwie besonders macht: Das ist nett, das lässt sich gut hören und schnell wieder vergessen.

Auch der Schluss der CD greift dann die Erfahrungen der Wise Guys als A‑Cappella-Formation noch einmal auf und singt von den Schwierigkeiten, sich in eine Frau zu verlieben, die falsch klatscht („Sie klatscht auf die 1 und die 3“) — wie kann man so etwas bei den Wise Guys auch nur machen! Gerade wenn sie das musikalisch so treffen spöttisch besingen und dabei nahtlos vom Marschieren zum swingenden Tanzen wechseln, ist das doch gänzlich unmöglich.

Wise Guys: Läuft bei euch (Universal), 55:40

(Zuerst erschienen in “Chorzeit — Das Vokalmagazin”, November 2015)

Klingender Adventskalender

von Matthias

am 24. November 2015

in musik

Am Schluss wirbelt Weihnachten dann doch herein. Bis dahin hält “Der Singer Pur Adventskalender” genau, was er verspricht: Chormusik für den Advent. Wenn man in diesem Adventskalender bis zum Heiligen Abend gekommen ist, hat man einiges hinter sich. Denn die 23 bekannten, traditionellen Adventslieder von „Nun komm, der Heiden Heiland“ bis „Wir sagen euch an den lieben Advent“ in über dreißig Sätzen, die Singer Pur hier für sechstimmige Chöre vorlegen, bieten viel ausgezeichnete Musik. Am Ende steht dann ein furioses, begeistert-freudiges Arrangement von Sören Sieg: So fröhlich ist selbst die „Fröhliche Weihnacht“ beileibe nicht immer.

Alt und neu sind gleichermaßen vertreten – 10 Lieder in Sätzen von Alten Meistern (bis ins 16. Jahrhundert), 14 von lebenden Arrangeuren. Für den Druck wurden die Singer-Pur-Sätze etwas überarbeitet, damit sie für normale sechstimmige Besetzungen gut singbar sind. Gut singbar ist allerdings nicht unbedingt einfach: Komplexe Sätze, die etwas Hinwendung und Probenausdauer erfordern, sind hier reichlich vertreten. Die harmonischen und rhythmischen Möglichkeiten der (fast) durchgehenden Sechsstimmigkeit nutzen die Arrangeure gerne aus und lassen sich viel einfallen — Bernhard Hofmann benötigt für “Lasst uns froh und munter sein” immerhin 14 Seiten. Und die haben es auch in sich, da ist fast durchgängig mindestens eine Stimme mit dem „tralala“ beschäftigt, während der Rest durch diverse Takt- und Tonarten wandert.
Überhaupt: So arg besinnlich ist diese Adventszeit nicht. Sicher, es gibt ruhige Momente: Heike Beckmann hat etwa eine sehr schöne, verhaltene Swing-Version von “Leise rieselt der Schnee” beigesteuert, die ganz fein glitzert. Und Reiko Füting lässt den Chor in „O Heiland, reiß die Himmel auf“ vom verhauchenden Tenorsolo bis zum massiven Tuttiklang die Himmelsbewegung im Wechsel von Beinahe-Stillstand und bewegter Rhythmik dynamisch nachzeichnen. Die Bandbreite ist überhaupt sehr groß, denn die Sätze sind durchweg sehr individuell gearbeitet. Der Adventskalender bietet in einer anregenden Mischung mit Niveau viel Pep, manchmal auch etwas Show — aber wer braucht schon den 87. vierstimmigen homophonen Chorsatz von “Macht hoch die Tür”? Dann doch lieber William Hawleys wilde Jagd zum triumphierenden Lobpreis Gottes.

Die alten Sätze allerdings — Crügers “Wie soll ich dich empfangen” etwa, “Nun komm der Heiden Heiland” von Praetorius, Eccard, Schein und Vulpius oder Bachs „Wachet auf“ und sein „Wie schön leuchtet der Morgenstern“ — werden die meisten Chöre schon im Archiv haben. “Es kommt ein Schiff” ist dafür zum Glück zwei Mal vertreten: Neben der bekannten Version von Max Reger hat Singer-Pur-Bass Marcus Schmidl ein geheimnisvoll raunendes, das Mysterium des Glaubens beschwörende Arrangement geschrieben. Auch seine Version von „Tochter Zion“ geht, so harmlos sie anfängt, eigene Wege: kleine rhythmische Widerhaken und eine behutsame harmonische Modernisierung geben Händels Klassiker frischen Glanz.

Singer Pur (Hrsg.): Der Singer Pur Adventskalender. 24 Lieder zum Advent für SAATBB. Mainz: Schott 2015. ED 22344.

(Zuerst erschienen in “Chorzeit — Das Vokalmagazin”, November 2015)

Flashdance, Easy Lover & Fix You: Moderne Pop-Chor-Arrangements von Martin Seiler

von Matthias

am 30. Oktober 2015

in musik

“I am music now!” heißt es im Refrain von “What a feeling”. Und treffender lässt sich das Arrangement aus der Feder von Martin Seiler kaum beschreiben: Hier kann man als Sänger/Sängerin — und auch als Zuhörer — vollkommen in die Musik eintauchen. Dabei ist das nur eines von drei Arragnements, die Seiler im Helbling-Verlag vorlegt: neben “What a feeling”, bekannt vor allem als Filmmusik aus “Flashdance”, noch Phil Collins’ “Easy Lover” und “Fix You” von Coldplay. Drei eher gefühlige Songs also — eigentlich alles Moderne Evergreens — für die Pop.Voxx-Reihe im Helbling-Verlag.

Seiler weiß, was er macht, wenn er so bekannte Vorlagen arrangiert. Denn seine Sätze beruhen auf seiner Arbeit für und mit “Greg is back”, seinem eigenen A‑Cappella-Popchor. Das zeigt sich sofort, wenn man die Partituren aufschlägt: Die sind nämlich für SMATB mit zusätzlicher Solostimme (für die Melodie) bzw. im Falle von Phil Collins “Easy Lover” sogar für SSMATB gesetzt, wozu immer noch eine (optionale), aber empfehlenswerte Beatbox kommt. Das heißt aber nicht, dass die alle durchgehend sechs- bis siebenstimmig klingen. Aber andererseits werden einzelne Stimmen auch ab und an noch bis zu dreifach aufgeteilt. Also: Für Anfänger oder popungeübte Chöre ist das nicht die erste Wahl, die einzelnen Stimmen müssen in sich stabil und rhythmisch versiert sein, sind aber — man merkt die Praxiserfahrung — immer gut singbar.

Bei Seiler heißt das aber auch: Alle Stimmen werden wirklich gefordert, auch die Begleitstimmen haben’s nämlich nicht immer einfach. Dabei, das gilt für alle Sätze drei gleichermaßen, bekommen sie sehr einfalls- und ideenreiche Kost: Leere Floskeln findet man hier nicht. Das hängt vielleicht auch damit zusammen, dass Seiler seine Arrangements dramaturgisch sehr geschickt aufbaut. Gerade “What a feeling” und “Fix You” profitieren sehr von der großen Breite an Ausdrucksmitteln, die er einsetzt. Energie und Empathie werden den Chören nicht überlassen, sondern sind in den Notentext eingebaut. Der ist dann auch entsprechend detailliert ausgearbeitet und bis in Kleinigkeiten ausgefeilt — für “Easy Lover” braucht Seiler deshalb ganze 20 Seiten, weil er selten einfach etwas wiederholt, sondern immer wieder variiert und neue Begleitmuster einführt.

Obwohl alle Songs sofort als Coverversionen großer Hits erkennbar sind, begnügt sich Seiler nicht mit einer reinen vokalen Kopie. Klar, wesentliche Momente — wie etwa das instrumentale Zwischenspiel bei “Fix You” — tauchen natürlich hier auch auf, sehr geschickt und mit viel Gespür für effektvolle Klänge für “seine” Besetzung adaptiert. Aber sie haben, vor allem durch die vielschichtige Begleitung, auch einen eigenen Klang. Und damit bekommen diese Arrangements sozusagen ein doppeltes Hitpotenzial.

Martin Seiler (Arrangement): Flashdance…What a Feeling (SMATB), ISBN 978–3‑99035–374‑5 — Easy Lover (SSMATB), ISBN 978–3‑99035–373‑8 — Fix You (SMATB), ISBN 978–3‑99035–372‑1. Alle im Helbling-Verlag, Reihe Pop.Voxx, 2015.

(Zuerst erschienen in “Chorzeit — Das Vokalmagazin”)

Wälder, Sonne & Hinrichtungen: Schostakowitschs Kantaten

von Matthias

am 8. Oktober 2015

in musik

Kantaten sind nicht unbedingt die Gattung, die man besonders eng mit Dmitri Schostakowitsch verbindet. Und doch gibt es von ihm einige Exemplare, die durchaus hörenswert sind. Freilich muss man bei Schostakowitsch stets seine biographische und politische Situation bei der Komposition berücksichtigen. Zwei der hier aufgenommenen Werke sind anders überhaupt nicht zu erklären – weder dass es sie überhaupt gibt noch dass sie in dieser Form entstanden sind.

„Über unserer Heimat scheint die Sonne“ und „Das Lied von den Wäldern“ sind mehr oder weniger als Besänftigungsversuche zu verstehen, als Adresse an einen totalitären Staat, dass der Komponist doch eigentlich ganz brav ist. Järvi konfrontiert die beiden apologetischen Kantaten auf dieser randvollen CD mit der „Hinrichtung des Stefan Razin“, 15 Jahre später in deutlich liberaleren Zeiten entstanden und durchaus als kaum vehüllte Kritik an der KPdSU zu lesen, verherrlicht sie in der historischen Gestalt des Stefan Razin doch eine Rebellion gegen ein repressives System.

Der Kontrast wird hier besonders stark, weil Järvi bei den beiden frühen Kantaten die ursprünglichen Texte nutzt, die der Komponist später um die direkten Stalin-Huldigungen (im „Lied von den Wäldern“ wird er etwa als „großer Gärtner“ betitelt) abgemildert hatte. Aufgrund eines Verbots der Schostakowitsch-Erben durften die Texte allerdings nicht abgedruckt werden – sehr schade, denn wer kann schon so gut russisch, dass er das hörend verfolgen kann? Aber hören kann man dennoch eine Menge: Die ausgezeichneten Chöre zum Beispiel, den sicheren Narva-Knabenchor und den kraftvollen und sehr klangstarken Estnischen Konzertchor. Begleitet vom gut aufgelegten Estnischen National-Symphonie-Orchester, dessen Schlagwerk wesentlich zum Gänsehautfeeling beiträgt, das diese Aufnahmen immer wieder verströmen: Durch die von den ersten mächtigen, düsteren Akkordschlägen bis zum apotheotischen Schluss packende Musik, aber auch die heute ausgeprochen skuril wirkenden Texte, die man beim Hören gerne ausblendenden möchte.

Am leichtesten geht das bei der „Hinrichtung des Stefan Razin“. Die wesentlich vielfältigere und spannendere Tonsprache treibt alle Beteiligten, auch den sonor-soliden Bass Alexei Tanovitski, zu Höchstleistungen. Gerade in op. 90 ist die Dauererregtheit und permanente Freude, die gerade musikalisch geradezu platt und bar jeder Differenzierung zu banalen Texten (die im Booklet leider nicht abgedruckt sind) ertönt, stellenweise kaum ertragbar – Järvi nimmt das auch nicht zurück, sondern lässt das als opportunistische Musik einfach mal so stehen. Er versagt sich dieser demonstrativen Zugänglichkeit der Musik auch überhaupt nicht: Das klingt wunderbar großartig und wunderbar banal. Aber so ganz gibt er sich mit dieser glänzenden Hülle eben doch nicht zufrieden: Das Brodeln unter der Oberfläche wird bei Järvi vom Äußeren oft kaum noch in Zaum gehalten. Dabei verbindet er sehr geschickt und harmonisch die großen Gesten der szenisch-filmhaften Musik mit den vielen feinen, lyrischen Details der Chorstimmen, die hier wunderbar lebendig strahlen. Vor allem die pralle Vitalität und die agil-angespannte Präsenz der beiden Chöre machen diese Aufnahme ganz besonders. Das ist sicher keine Musik, die Schostakowitsch-Verächter zu großen Bewunderen bekehrt, aber rotzdem eine wichtige Facette seines reichen Oeuvres. Zumal in einer so lebhaften Interpretation.

Dimitri Schostakowitsch: Kantaten (Die Hinrichtung des Stepan Rasin op. 119; Über unserem Vaterland scheint die Sonne op. 90; Das Lied von den Wäldern op. 91). Estonian Concert Choir, Estonian National Symphony Orchestra, Paavo Järvi. Erato 2015.
CD

(In einer etwas kürzeren Version zuerst erschienen im Oktoberheft von »Chorzeit — Das Vokalmagazin«)

Dass das ewige Licht scheine: Rihms “Et Lux”

von Matthias

am 14. September 2015

in musik

Mit zunehmendem Alter wird so mancher (wieder) religiös — oder beschäftigt sich zumindest mit dem Tod. Bei Wolfgang Rihm lässt sich das schon seit einiger Zeit beobachten, die Hinwendung zu religiösen Themen und Musiken, wie in den „Vigilia“, dem Requim der Versöhnung oder der Lukaspassion („Deus passus“). Das 2009 uraufgeführte “Et Lux” passt genau in die Reihe. Nicht nur thematisch, sondern auch in der Art, wie sich Rihm den religiös-philosophischen Fragen nähert. Wieder ist das kein “echtes” Requiem, sondern eine subjektive, vorsichtige Annäherung an den Text des lateinischen Requiems. Der wird hier vierstimmig gesungen — oder auch nicht. Denn Rihm nimmt nur fragmentierte Teile — Wörter, Sätze, Begriffe – in die Partitur auf, die ihn offenbar besonders anregten. Die Lichtmetapher — der Titel verrät es ja schon — ist wesentlicher Teil, neben Libera me und Lacrimosa eines der Zentren dieser Musik, die man sich scheut, ein Requiem zu nennen.

Das ewige Licht also, als Verheißung und Drohung in Klang gesetzt. Ein großes, übergroßes Tongemälde hat Rihm dazu entworfen. Fast 62 Minuten nicht unterteilte Musik, in denen die vier gemischten Stimmen nur von einem Streichquartett begleitet werden. Das ist aber kein Historienschinken und auch kein repräsentatives Ölgemälde, sondern trotz ihrer enormen Dimension eine zarte Zeichnung auf großem Raum. An manchen Stellen wuchert der dunkle Schatten über die fragilen Linien, an anderen lässt sich eine feine Pastelltönung erkennen, wieder woanders leuchtend intensive Farben. Und immer wieder das daraus auftauchende beschworene Licht – in Wort und Klang.

Dabei ist „Et Lux“ eine zutiefst nachdenkliche, suchende und fragende Musik, ein Werk der bohrenden Sehnsucht: Wolfgang Rihm gibt keine Antworten (auch ein Grund, warum er nicht einfach ein „normales“ Requiem komponierte), er hilft den Hörern vielmehr beim Fragen. Und manchmal geht er auch ein paar Schritte voran ins Ungewisse.
Das achtstimmig besetzte Huelgas-Ensemble und Leitung Paul van Nevels und das famose, Rihm-erfahrene Minguet-Quartett unterstützen das mit weitgehend zurückhaltender Klanglichkeit, die statt Opulenz lieber Klarheit und Fragilität bevorzugt und damit einen wesentlichen Zug von „Et Lux“ sehr genau trifft. Ganz kontrolliert und überlegt gestalten sie die die langen, langsam entwickelten Linien, die für dieses Werk so wichtig sind, aus denen manchmal und ganz allmählich Konturen und einige wenige klangliche Eruptionen und intensive Gefühlsaufwallungen entstehen, die aber auch ins Leere verlaufen können.

Mit Präzision, kalkulierter Emotion und feinsten Klangfacetten bringen sie Rihms polyphone Textur damit immer wieder zum Strahlen. Ein bisschen schade ist allerdings, dass das Minguet-Quartett auf der Aufnahme trotz der gegenüber der Partitur verdoppelten Stimmen des Huelgas-Ensemble sehr präsent ist, so dass man den Text manchmal nur noch erahnen kann.

Wolfgang Rihm: Et Lux. Huelgas Ensemble, Minguet Quartet, Paul van Nevel. ECM 2015.

(Zuerst erschienen in der September-Ausgabe der “Chorzeit — Das Vokalmagazin”)

Verführung

von Matthias

am 31. Juli 2015

in musik

Über den Perlentaucher (der über die FAZ darauf aufmerksam wurde) bin ich heute auf eine ganz und gar wunderbare, verzaubernde und entrückende Choreographie des Boléro von Maurice Ravel aufmerksam geworden:

Die Choreographie von Maurice Béjart mit Maja Plissezkaja als Primaballerina ist zwar überhaupt nicht neu — nämlich von 1961 -, war mir aber nicht bekannt — und nach der x. Wiederholung des grandiosen Videos (eine Aufnahme von 1979) bin ich immer noch ausgesprochen glücklich, das jetzt auch gesehen zu haben.

Richard Wagner redivivus

von Matthias

am 26. Juli 2015

in musik

Vielleicht ist es ein Naturgesetz, daß Leute die Richard Wagner nicht mögen, nur mit Leuten bekannt werden, die gleichfalls Richard Wagner nicht mögen. Ich verstehe nichts von Musik, ich höre sie nur gern, auch habe ich niemals Nietzsche gelesen, aber ich kann mir einfach nicht vorstellen, daß man die Musik Wagners liebt. […] Hunderte von Menschen, von jungen Menschen besonders, haben mir das gleiche gesagt: daß sie diese Musik als irgendwo und irgendwie falsch empfänden, als penetrant unfromm (ohne daß sie dabei frei und heidnisch wäre), als einfach verdächtig. […] Lassen wir Wagner denen, die ihr nationales Ressentiment an dem Blechpathos des »Ehrt Eure deutschen Meister« auffrsichen müssen (weil das ja einfacher ist, als die jungen deutschen Meister von Hindemith bis Orff verstehen zu lernen).Alfred Andersch, Richard Wagner redivivus? (1947) [In: Alfred Andersch: Gesammelte Werke in zehn Bänden. Band 8: Essayistische Schriften I. Zürich: Diogenes 2004, S. 68ff.]

Immer noch kein schöner Land

von Matthias

am 9. Juli 2015

in musik

Von Lothringen bis nach Ostpreußen, vom Shanty im niederdeutschen Platt bis zum mozärtlichen Wien der Zauberflöte reicht das Einzugsgebiet von “Kein schöner Land”. Noch eine Volkslied-Sammlung für Chöre also? Gibt es davon nicht längst genug? Sicher, aber nicht so eine. Denn die üblichen Editionen setzen immer noch einen klassischen vierstimmigen Chor voraus — und sind deshalb für Ensembles mit knapper Männerbesetzung oft kaum geeignet.

Wilfried Fischer ist nun schon seit einiger Zeit unter dem Titel “Chor zu dritt” dabei, ein Repertoire für dreistimmigen Chor aufzubauen, genauer: für Chöre mit eben nur einer Männerstimme. Auch der vierte Band setzt sich dieses Ziel, bleibt dafür aber nicht bei purer Dreistimmigkeit stehen: Stimmteilungen, hauptsächlich im Sopran, gehören auch hier natürlich zum Handwerkszeug der Arrangeure. Aber für Männer wird eben nie mehr als eine Stimme gesetzt — die allerdings hin und wieder für Bässe recht hoch liegt.
Die Idee des Volksliedes hat Fischer dabei recht breit gefasst: Unter den hier vesammelten 93 Sätzen sind nicht wenige geistliche Lieder und Choräle. Überhaupt ist die Auswahl nicht immer ganz nachvollziehbar: Einiges sehr bekanntes fehlt, dafür ist anderes nicht so weit verbreitetes enthalten — aber bei knapp 100 Liedern bleibt das nicht aus. Material bietet der Band auf seinen gut 200 Seiten aber mehr als genug. Gerne greift Fischer dabei auch auf vorhandene Sätze namhafter Komponisten zurück, die den neuen Anforderungen behutsam angepasst werden: Von Heinrich Isaac bis Ernst Pepping, von Felix Mendelssohn Bartholdy und Johannes Brahms bis Hermann Schroeder reicht der Griff ins Archiv.

Neben Fischer selbst, der ein Großteil der Arrangements und Bearbeitungen beisteuert, sind u.a. Pascal Martiné, Carsten Gerlitz und Burkhard Kinzler mit diversen neuen Sätzen vertreten. Die Arrangements selbst sind immer mindestens solide, aber oft für dreistimmige Sätze auhc überraschend klangvoll und wirkungsvoll. Den meisten merkt man positiv an, dass die Dreistimmigkeit hier nicht nur als Mangel gedacht wird, sondern als Herausforderung und Chance. Aus der genaueren Beschäftigung mit den Möglichkeiten der Besetzung entwickeln die Arrangeure dabei immer wieder sehr klare und filigrane, sehr lebendige und bewegte Sätze, die im vierstimmigen Chor so kaum funktionierten.
Dabei sind die Sätze dem Sujet entsprechend insgesamt — selbst noch in den ausgefeilteren Bearbeitungen — eher zurückhaltend und schlicht in dem Sinne, dass Sätze gerne hinter Melodie und Text zurückstehen. Stilsicher und vernünftig spricht aus den Arrangements weniger Experimentierfreude, dafür viel Erfahrung und Einfühlungsvermögen — und nicht zuletzt der Versuch, ein möglichst breites Publikum — singend und hörend — zu erreichen.

Wilfried Fischer (Hrsg.): Kein schöner Land. Deutsche Volkslieder aus 4 Jahrhunderten (Chor zu dritt, Band 4). Mainz: Schott 2015. 214 Seiten. 19,50 Euro.

— Zuerst erschienen in Chorzeit — Das Vokalmagazin, Ausgabe #18, Juli/August 2015.

Darf man das das? Maybebop darf

von Matthias

am 27. Mai 2015

in musik

Ein buntes Cover verheißt farbige Musik. Bei Maybebop geht die Gleichung unbedingt auf. Denn das Foto mit den vier Herren in sehr farbigen Anzügen ist kein Zufall: So bunt wie das Äußere klingt auch das neueste Album von Maybebop mit dem schönen Titel “Das darf man nicht”. Über die modischen Entscheidungen des Quartetts mag man geteilter Meinung sein — die Musik bietet dafür keinen Anlass.

Denn Maybebop bleibt sich und ihrem Erfolgsrezept ziemlich treu. “Das darf man nicht” ist — je nach Zählung — immerhin schon das zwanzigste Album der Hannoveraner A‑Cappella-Pop-Spezialisten. Und das hört man. Nicht, weil es langweilig wäre. Sondern weil die Vier — und vor allem ihr Texter, Komponist und Arrangeur Oliver Gies, der auch diese CD fast im Alleingang zu verantworten hat — genügend Erfahrung mitbringen, ihre Stärken voll auszuspielen: „Das darf man nicht“ ist wieder eine gelungene Mischung aus Partyhits, gefühlvollen Balladen, komischen Einlagen und knackigen Beats.

Vor allem aber ist es sehr feinsinnig und sorgfältig gearbeitet. Denn das fällt immer wieder auf: Die 13 Songs klingen nicht nur beim ersten Hören gut, sondern offenbaren auch beim fünften oder siebten Durchlauf noch vielschichtige und neue Details. Dabei ist das keineswegs akademisch ausgetüftelte Musik. Im Gegenteil: Maybebop steigt gleicht mit den ersten Tönen in die Party ein, lässig und konzentriert starten sie mit “Es war gut so” — so bleibt auch der Rest der CD.
Etwa der Titelsong, “Das darf man nicht”. Da hört man gut eine echte Spezialität von Maybebop: Exzellenter Vocalpop mit eingängigen Melodien zu gewitzten Texten, unterstützt von sorgfältig ausgearbeiteten, ideenreichen Arrangements, die sich nie in den Vordergrund drängen. Und dazu feine Hooklines, die sich schnell und tief ins Gedächtnis graben. Davon lebt etwa auch die „Festung“, bei dem sich der dunkle Bass im harmonisch ausbalancierten Quartett, das (mit leichter elektronischer Nachhilfe) eine durchaus erstaunliche Klangfülle produziert, in einem groß angelegtem Phantasma ausleben darf.

Wunderbar ist auch das ambivalent betextete Deutschlied, in dem Haydns Kaiserquartett ganz anders, nämlich gefühlvoll, nachdenklich und modern klingt. Das beginnt als Anti-Hymne mit den Worten „Wäre ich ein Italiener“, schafft die Kurve zu einem positiven Deutschlandbild aber dann doch noch: „Deutschland ist schon echt okay“. Oder die leicht schmalzige Pop-Ballade “Ich seh Dich”, die geschmackvoll verträumt erzählend dahinfließt. Zum Ausgleich gibt es aber auch genug knackig Kracher, die alle Extremität zum Zucken bringen. Denn ob man’s darf oder nicht: Maybebop macht leichte, eingängige Musik mit Niveau bei den abwechslungsreichen Texten, der stilistisch vielfältigen Musik und der präzisen Ausführung, die einfach Spaß macht.

— Zuerst erschienen in Chorzeit — Das Vokalmagazin, Ausgabe #16, Mai 2015.

Liebe ist scheiße und andere wichtige Lebensweisheiten

von Matthias

am 25. März 2015

in musik

Basta ist selbstbewusst: “Oh, wir haben so viel Niveau” singen sie, auch wenn’s “nur a‑cappella ist”, wie es an anderer Stelle heißt. Und sie können sich das durchaus erlauben. Ihre Texte sind zwar nicht immer ganz geschmackssicher, aber die Musik bringts garantiert auf den Punkt: “Basta” macht einfach gute Laune — basta.

Die fünf Männer aus Köln haben ihre Vorbilder oder Konkurrenz jedenfalls hörbar gut studiert — nicht zufällig greift Oliver Gies von Maybebop dem Basta-Tenor William Wahl, der sonst hauptsächlich für Musik und Arrangements verantwortlich ist, bei einigen Songs unter die Arme.

Egal von wem, allen Stücken des „Domino“ betitelten Albums sind die lebendigen, durchweg sehr bewegt und gezielt abwechslungsreich gebauten Arrangements eigen, die ein Ohr und Gespür für die Details des Hintergrunds verraten. Dass „Basta“ aber gerade einen der schwächsten Songs zum Titel der CD befördert hat, ist schade. Denn das mittlerweile siebte Album der seit 2000 aktiven Band hat viel mehr und vor allem viel besseres zu bieten als eben die kitschige, halblustige Spielerei mit Wort und Klang liturgischer Gesänge, die „Basta“ im Song „Domino“ betreibt.

Sonst geht es ihnen viel um das Singen selbst, die Existenz des Quintetts als Boygroup und vor allem als A‑Cappella-Ensemble. Die wird vor allem in dem durchaus als Werbung für diese Musik geeigneten “Es ist nur a cappella, doch ich mag es” besungen. Aber auch ganz wunderbar tragisch kann die Musik beteiligt sein, wie “Der Mann, der keine Beatbox konnte” zeigt — so eine erbärmlich schlechte, grausige Beatbox-Imitation muss man erst einmal hinbekommen! Überhaupt die Imitationen: Auch Reinhard Mey wird von “Basta” geschickt nachgeahmt. Dabei – und das ist ein wenig das Handicap von „Domino“ — ist nicht alles gleichermaßen niveauvoll: Inspirierte und intelligente Unterhaltung steht hier immer wieder neben schwachem Abklatsch.
Eines der besseren Lieder ist etwa ihre Version der „Schöpfung“. Nein, das hat nichts mit Haydn zu tun und auch nur ein bisschen mit der Bibel. Denn ihre „Schöpfung” erzählt musikalisch sehr geschickt und, nunja, theologisch etwas eigenwillig, von Gottes erstem Versuch mit der Welt, den er längst als Fehler sich selbst – und der FDP – überlassen hat. Nicht nur hier bricht sich immer wieder ihre Tendenz zur großen (musikalischen) Geste Bahn: Immer wieder setzt „Basta“ auf große Steigerungen, immer wieder kulminieren ihre Songs im großen Finale, immer wieder loten sie die Grenzen des Quintetts klanglich aus. Manchmal gelingt das so schön wie beim “Wellenreiter”, manchmal bleibt es aber auch etwas aufgesetzt wie etwa bei “Bevor ich bei dir war”. Ein gemischter Eindruck also — jeder darf und soll hier etwas finden, jeder wird andere Lieblinge haben.

Basta: Domino. Eat The Beat Music ETB 001, 2014.

(zuerst erschienen in “Chorzeit — Das Vokalmagazin”, Ausgabe 2/2015)