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Chormusik aus und für Mainz: Das “Mainzer Chorbuch”

am 1. Juli 2014

Ein ganz schöner Brocken ist es, das “Mainzer Chorbuch” — fast so wuchtig wie der Hohe Dom zu Mainz. Da ist es auch entstanden. Denn sozusagen als Summe seiner fast dreißig Jahre als Domkapellmeister hat Mathias Breitschaft aus dem Ruhestand nun ein fast 350 Seiten starkes Kompendium katholischer Chormusik vorgelegt. Das muss man freilich gleich wieder einschränken: Versammelt ist hier in erster Linie liturgisch nutzbare und nützliche Musik — also eher kleine Formen und kurze Sätze, was eine konzertante Aufführung natürlich überhaupt nicht ausschließt. Der Bezug zu Mainz liegt nicht nur in der Wirkungsstätte des Herausgebers: Das “Mainzer Dombuch” macht einerseits einen Teil der Musik des Chorrepertoires am Martinsdom leicht zugänglich, veröffentlicht zum anderen aber auch Musik aus dem Bistum Mainz oder von Komponisten wie etwa Peter Cornelius, die eine enge Beziehung zur Stadt am Rhein haben.

Das ist selbstverständlich eine praktische Ausgabe. Das betrifft natürlich vor allem die hier sehr reichhaltig versammelte Alte Musik des 16. und frühen 17. Jahrhunderts, die nicht immer so leicht zugänglich ist wie mit dem “Mainzer Chorbuch”. Dem Kirchenjahr folgend, mit zusätzlichen Abschnitten zu unter anderem Trauung, Tod, Frieden und den Heiligen, bietet Breitschaft eine breite Palette der Chorgebrauchsmusik: Motetten, Kirchenliedsätze — oft von ihm oder jüngeren Kollegen aus dem Umfeld gesetzt — und liturgische Sätze sind das hauptsächliche Material. Die stilistische Vielfalt des Repertoires ist dabei ähnlich groß wie die Anlässe, für die das “Mainzer Chorbuch” Musik bietet: Neben einer adventlichen Motette von Palestrina oder einem Karfreitags-Antiphon aus der Feder von Clemens non Papa steht beispielsweise das Gloria aus der “Deutschen Kindermesse” von Joseph Haas oder ein interessantes “Ave verum corpus” von dem Seligenstädter Regionalkantor Thomas Gabriel.

Die im Untertitel verheißenen sieben Jahrhundert können allerdings etwas in die Irre führen: Die Inhalte sind sehr ungleich über die Zeit verteilt, das 19. Jahrhundert ist zum Beispiel doch nur sehr schwach vertreten. Und avantgardistische, neutönerische Musik des letzten Jahrhunderts findet man hier überhaupt nicht, auch wenn die Geburtsdaten einiger Komponisten — es sind ausschließlich Männer — das erwarten lassen könnten.

Dafür kann das “Mainzer Chorbuch” dabei helfen, so einiges Unbekanntes zu entdecken oder weniger Bekanntes wieder ins Bewusstsein rufen. Die Orientierung an der Praxis — moderne Schlüssel, zeitgemäßer Notensatz, Übersetzung der lateinischen Texte — lässt das “Mainzer Chorbuch” jedenfalls zu einem sehr gut einsetzbaren Arbeitsmittel werden — naturgemäß in erster Linie für katholische Kirchenmusiker und Chöre, obwohl auch die Protestanten einiges an Material finden werden.

Mathias Breitschaft (Hrsg.): Mainzer Chorbuch. Geistliche Chormusik durch das Kirchenjahr aus 7 Jahrhunderten. Mainz: Schott 2014. 352 Seiten. ISBN 978–3‑7957–5926‑1. 24,99 Euro.

— Zuerst erschienen in Chorzeit — Das Vokalmagazin, Ausgabe Mai 2014.

Alle Jahre wieder: Das Weihnachtsoratorium

von Matthias

am 21. Dezember 2011

in musik

Schon die schiere Größe ist beeindruckend, die Chormassen auf den Altarstufen, die Länge des Werkes und das Durchhaltevermögen der Musiker und des Publikums. Das ist aber eher seine portliche Leistung. Domkapellmeister Mathias Breitschaft gelingt es allerdings, daraus auch durchaus beeindruckende Musik zu machen. Dabei ist das für ihn schon fast Routine: Regelmäßig steht in der Weihnachtszeit auch im Dom das komplette Bachsche Weihnachtsoratorium auf den Plan. Dieses Jahr war es wieder so weit.

Und ganz schnell, nämlich schon beim „Jauchzet, frohlocket“ des Eingangschores, wird klar: Dieses Mal wird das Weihnachtsoratorium noch lebendiger und kraftvoller klingen. Der Domchor und das Mainzer Kammerorchester legen sich gleich ins Zeug, als hätten sie nicht noch über zwei Stunden Musik vor sich. Und doch bleibt Breitschaft seiner Interpretationslinie treu: Das wirkliche Erstaunen ob des Wunders der Geburt Jesu Christ steht im Mittelpunkt. Und die unbändige Freude darüber, immer wieder jauchzt, frohlockt und jubelt der Chor, die Instrumentalisten und auch die Solisten.

Die zügigen Tempi dieser hochgestimmten Musik sind dabei durchaus irdisch, wirklich entrückt wirkt das fast nur im Choral „Ich steh an deiner Krippen hier“ im sechsten Teil. Das gilt vor allem in der ersten Hälfte, den ersten drei Kantaten für die eigentlichen Weihnachtsfeiertage. Hier wird die eigentliche Weihnachtsgeschichte, der Kern des Wunders, erzählt. Und hier singt der Mainzer Domchor. Denn nach der Pause ersetzt Breitschaft die jungen Stimmen des Domchors mit den etwas reiferen der Domkantorei St. Martin. Und diesen Unterschied hört man deutlich: Die Kantorei klingt erwachsener, fülliger und singt mit mehr Druck, aber nicht ganz so beweglich wie der Domchor. Die immer etwas ungläubig-naive Begeisterung des Beginns wandelt sich in ehrfürchtiges Staunen.

Auf der Suche nach dem Charakteristischen jedes einzelnen Satzes kommt Breitschaft so sehr weit. Die Verve, mit der er sich und die Chöre etwa in jeden einzelnen der sechs Eingangschöre stürzt, ist jedesMal beeindruckend. Und sie überträgt sich recht problemlos auf den Rest des Oratoriums, auch auf Arien und Rezitative der Solisten. Die wurden in der Pause nicht ausgewechselt, was aber nicht von Nachteil war. Denn auf einen Evangelisten wie Christoph Prégardien, dem man in jedem Satz seine lange Erfahrung und seine Detailfreudigkeit anhört, möchte man keinesfalls verzichten – auch wenn die Höhe in den Spitzentönen in der letzten Arie etwas mürbe wird. Intensive Kläng steuern auch die Altistin Alexandra Rawohl und der Mainzer Bass Patrick Pobeschin bei, während die Sopranistin Claudia von Tilzer oft etwas überdramatisch agiert. Aber selbst die plakativen Momente finden ihren Platz: Manchmal muss man eben etwas dicker auftragen. Sonst würden da ja auch nicht fast 100 Choristen singen.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

Der Sommer ist Musik

von Matthias

am 31. Juli 2011

in musik

Wenn schon das Wetter nicht mitspielt, dann wenigstens die Kunst: Der Mainzer Musiksommer ist wieder eröffnet:

Keine leichte Sache wird das: Von 16. bis zum 20. Jahrhundert reicht die Spanne, von franko-flämischer Vokalpolyphonie bis zu spätromantischen Chorliedern. Das Eröffnungskonzert des Mainzer Musiksommers im Dom ist damit fast ein kleines Festival in sich.

Einfach ist das nicht, so eine große Vielfalt in einem Konzertabend zusammenzubringen und jedem einzelnen Werk auch gerecht zu werden. Doch Domkapellmeister Mathias Breitschft gelingt das mit dem Domkammerchor richtig gut. Sicher, die Spezialisten würden die Chormusik der Mainzer Hofkapellmeister wie Gabriel Plautz, Philipp Friedrich Buchner oder Johann Zach schon anders singen. Aber auch Breitschaft findet einen guten Weg. Einen sanften vor allem:

Immer wieder fällt in diesen liturgischen Chorsätzen aus dem Renaissance- und Barock-Mainz der weiche Chorklang auf, den Breitschaft formt. Der Domkammerchor und seine Solisten lassen den Klang förmlich in die Domhalle fließen, ohne die Kontrolle über die Konturen zu verlieren – und mit der Fähigkeit, immer wieder klare Akzente zu setzen und Höhepunkte zu formen.
Der Sprung in die Romantik ist dann freilich doch genau das: Ein Sprung. Und ein recht großer noch dazu. Zumal Franz Liszts „Präludium und Fuge über B‑A-C‑H“ für Orgel ja auch nicht zurückhält mit großen Gesten, harmonischen Kühnheiten und klanglichen Effekten.

Domorganist Daniel Beckmann, der in der ersten Hälfte den Chor auch schon mit Cellistin Traudl Eutebach im Generalbass unterstützt hat, übernimmt die Aufgabe, diesen Sprung auszuführen – und tut das gewandt, ohne die Bodenhaftung zu verlieren. Wo andere Organisten sich gerne austoben, bevorzugt er eher gemäßigte Tempi und nimmt sich auch Zeit für Ruhepunkte – so bleibt auch in der Domakustik noch vieles erkennbar. Vor allem aber ist es seine sehr fantasievolle, abwechslungsreiche und einfühlsame Registrieung, die nicht nur das Potenzial der Orgel auskostet, sondern auch dem Werk zur vollen Geltung verhilft.

Der Domkammerchor nimmt das dann direkt auf: Mit drei Motetten von Liszt zeigt er sich in der zweiten Konzerthälfte deutlich farbiger als zuvor in der Abteilung „Alte Musik“, deutlich vielfältiger auch in Dynamik und Artikulation. Vor allem zum Schluss hin steigern sich die nachdenklichen Innigkeiten: Sorgsam und faszinierend detailreich entfaltet Breitschaft schon Hugo Wolfs „Geistliche Lieder“, behutsam und bedacht lässt er ihre resignativ-erlöste Endzeitstimmung genau ausformen. Und mit der Motette „Schaffe in mir Gott“ von Johannes Brahms, die zumindest formal noch einmal den Bogen zum Anfang des Konzertes schlägt, kann er das sogar noch ein bisschen überbieten: Mit gezieltem Krafteinsatz, mit präzis gesetzten Höhepunkte und trotz aller klanglichen Delikatesse vor allem mit viel begeistertem Schwung.

(geschrieben für die Mainzer Rheinzeitung.)

Reinraummusik: Die King’s Singers in St. Stephan

von Matthias

am 22. Juli 2011

in musik

So richtig begeistern konnte ich mich beim Auftritt der King’s Singers in Mainz nicht: Perfekt intoniert, ohne Frage — aber alles auch perfekt routiniert, vom Auf-die-Bühne-Schreiten bis zur Handhaltung alles minutiös einstudiert: Raum für Spontaneität, für Begeisterung (der Musiker selbst) gibt es hier nicht. Deswegen wird’s auch mal langweilig. Denn auch ein wahnsinnig professioneller, nahezu perfekter Ensembleklang ist alleine auf Dauer nur mäßig befriedigend. Aber trotzdem schön anzuhören ;-)

Wenn es so etwas wie königliche Reinheit gäbe – hier wäre es zu hören. Denn wenn die King’s Singers etwas beherrschen, dann ist es die mühelose Perfektion der reinen Intonation. Eine nahtlose, unzerbrechliche Einheit bilden diese sechs Sänger, vom ersten Einatmen bis zum letztenVerklingen. Und selbst die Handhaltung und das professionelle Lächeln sind bei allen gleich – Unterschiede gibt es nur in der Haartracht.

Mit unwiderstehlicher Routine produzieren die King’s Singers einen Verschmelzungsklang, der wahnsinnig machen kann. Zusammen bilden sie etwas ganz Einzigartiges, bei dem es fast egal ist, was sie singen. In St. Stephan, wo sie im Rahmen des Rheingau Musikfestvals gastierten, war das zunächst ein Gründonnerstags-Programm rund um den gregorianischen Choral „Pange lingua“. Da macht es auch nichts, das die Karwoche schon einige Zeit zurück liegt: Hier geht es nur um die Musik, und da vor allem um den puren Klang – die Texte und Inhalte spielen nur eine untergeordnete Rolle. In St. Stephan waren die Worte nur ausnahmsweise zu erahnen, verstehen konnte man die Text schon gar nicht.

Schön ist diese Musik trotzdem. Und das ist die Hauptsache, egal ob es um Motetten von Carlo Gesualdo oder von Anton Bruckner geht, ob Maurice Duruflés „Tantum ergo“ oder Tomas Luis de Victorias „Popule meus“ erklingt. Die Differenz zwischen 16. und 20. Jahrhundert wird mühelos überbrückt, die Unterschiede verschwimmen: Das sind einfach die King’s Singrs – fertig. Und das heißt: Wohlklang pur, immer wieder, egal, welche Noten gerade auf dem Pult liegen. Schon das langsame Ausklingen der Schlussakkorde allein ist dabei jedes Mal wieder bezaubernd, wie sie immer weicher werden und sich im Raum auflösen – solche Feinheiten bietet kaum ein anderes Ensemble so überzeugend. Aber besonders spannend ist das nicht, weil außer dem extrem gleichmäßig, ungemein rein ausgeformten Wohlklang für die sechs Engländer wenig anderes zählt. Ein kleines Crescendo ist da schon fast eine Sensation. Denn die zarte Zerbrechlichkeit des perfekten Vokalklangs ist eben immer in Gefahr – da würde übermäßige Expressivität nur schaden. Und schade wäre es wirklich, würde dieser Wohllaut zerstört. Doch das passiert den King’s Singers nie, ihr einzigartiger a‑cappella-Klang bleibt auch an diesem Abend ungebrochen.

eine ernste sache: motetten der bach-familie

von Matthias

am 7. Oktober 2009

in kritik

immer wieder erstaunlich: die ernsthaftigkeit & hingabe des mainzer figuralchores — fast schon verbissen, wie sie sich den großen chorwerken nähern. ein bisschen mehr freude möchte man ihnen fast wünschen … aber dann auch wieder nicht: so kommt man nämlich in den genuss toller konzerte — auch wenn die mainzer das überhaupt nicht zu würdigen wissen und die kirchenbänke wieder einmal arg leer blieben.

Mit einem Familienkonzert der besonderen Art begann der Mainzer Figuralchor seine Jubiläumssaison. Der nun fast 30 Jahre alte Chor startet in die nächsten Monate mit einem Programm, dass ausschließlich Motetten der Musikerfamilie Bach versammelte. Vom Stammvater Johann Bach, dem ersten bekannten Komponisten der thüringischen Dynastie bis zu ihrem größten Vertreter, Johann Sebastian, reichte die Auswahl – alle Komponisten dieser Familie zu vereinen, würde jedes Konzert sprengen. Und in St. Bonifaz war auch so schon genug zu hören. Denn dem Dirigenten Stefan Weiler, der den Chor seit seiner Gründung leitet, ist mal wieder ein außerordentliches Programm geglückt – außerordentlich in der Gestaltung und außerordentlich in der Leistung des Chores.

Den Beginn machten fünf- bis sechstimmige Motetten der älteren Bachgenerationen aus dem Themenfeld Tod, Vergänglichkeit und Heilsgewissheit. Mit Johann Sebastian Bachs großer Motette „Jesu meine Freude“ war dann zugleich das Zentrum des Konzertes und auch der Drehpunkt erreicht: Nun ging es abschließend in der auch musikalische sehr raffinierten Steigerung zu doppelchörigen Motetten um die erwartungsvolle Freude, den Lobpreis Gottes – eine wirkungsvolle Dramaturgie. Vor allem, weil der Figuralchor wieder einmal sehr überzeugte. Vor allem durch seine extreme Konzentration auf die gesamte Musik, ihre große Form und ihr kleinstes Detail.

weich klingender Beginn mit Johann Bachs „Unser Leben sei ein Schatten“, geschickt aufgeteilt auf den Hauptchor und ein versteckt platziertes Solistenquartett – solche einfachen, aber wirkungsvolle ideen setzt weiler immer wieder geschickt ein.

Johann Sebastian Bachs Bearbeitung des Chorals „Jesu meine Freude“ verkörperte hier den Umschwung des bangen christlichen Herzens zur festen Überzeugung des erwarteten Heils der Ewigkeit. Mit prägnanter Kraft und behutsam gesetzten Momenten, mit der ganzen Vielfalt der musikalischen Rhetorik, die diesem Mitglied der Bach-Familie zur Verfügung steht, ist das dann doch deutlich größer und genialer als die Musik seiner Vorfahren. Typisch war schon der Beginn, die starke analytische Durchdringung des Chorsatzes durch Weiler und seine Sänger, die unbedingte Gleichberechtigung aller Stimmen gegenüber der Melodie – dieses kluge, wissende Musizieren macht den Figuralchor so anziehend. Auch wenn sie hin und wieder fast zu ernst, zu konzentriert erscheinen

Nach Johann Sebastian leitet der rasche Jubelgesangs von Johann Michael Bachs „Sei lieber Tag willkommen“ über zu den raffinierteren Freudengesänger – etwa der doppelchörige Motette „Herr, ich warte auf dein Heil“. Wieder hat Weiler einen Chor durch Solistenquartett ersetzt – dass er das kann, ist auch ein Zeugnis der hohen Qualität des Chores. Und es ist hier ein wahrer Genuss, wie der sanft tönende Chor die Solisten, die das Motto wiederholen, umschlingt und in sich aufnimmt. Kein Wunder, dass es dafür großen Beifall gab – auch wenn in St. Bonifaz viele Plätze frei geblieben waren.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung)

haydn, nichts als haydn: die eröffnung des mainzer musiksommers

von Matthias

am 3. August 2009

in kritik, musik

Festlicher geht es kaum. Passender aber auch nicht: Denn die feierliche Eröffnung des Mainzer Musiksommers – der dieses Jahr schon seinen zehnten Geburtstag feiern kann – verbindet sich im ersten Konzert mit einer intensiven Würdigung eines der diesjährigen Jubilare der Musikgeschichte. Domkapellmeister Mathias Breitschaft dirigierte zum Auftakt der diesjährigen, gemeinsam von SWR und der Stadt Mainz veranstalteten Konzertreihe, nämlich ein reines Haydn-Programm. Und obwohl er in „seinem“ Raum, dem Dom, naturgemäß vorwiegend Kirchenmusik heranzog, ein gleichermaßen repräsentatives und abwechslungsreiches. Denn neben dem Zentrum, der Großen Orgel-Solo-Messe und dem „Te Deum Laudamus“ noch zwei Orgelkonzerte aus dem reichen Fundus, den Haydn auch da hinterlassen hat.

Der Limburger Organist Markus Eichenlaub meisterte dabei auch die virtuosen Passagen fast nonchalant, immer mit coolem understatement und lässiger Eleganz, die ihre Wirkung vor allem aus der leicht dahin fliegend, locker und entspannt wirkenden technischen Präzision schöpfte. Das Kurpfälzische Kammerorchester ließ Breitschaft etwas erdiger und stärker grundiert begleiten. So bot er dem Solisten viel Raum, der sich – aus der Partitur spielend – aber lieber zurückhielt und geschmeidig in den Gesamtklang eingliederte.

Doch im Zentrum des Eröffnungskonzertes stand mit der großen und großartigen Messe eine fröhlich-überschwängliche Vertonung des Ordinariums. Und Breitschaft ließ keinen Zweifel an seiner Bereitschaft, der Messe nicht nur Power ohne Ende mitzugeben, sondern auch stark kontrastierende zarte und innige Momente. Und dann wieder war die Messvertonung spritzig-pulsierend bis zur Grenze des Wahnwitzes. Aber es ging alles gut – der Domkammerchor war bestens präpariert und verwöhnte mit jugendlich-frischem und schlanken Klang. Und die versierten Solisten, neben der gewohnt souveränen Janice Creswell und der klaren Diana Schmid sowie dem zurückhaltenden Bass Clemens Breitschaft vor allem der charismatische und engagierte Tenor Daniel Jenz, ließen auch keine Wünsche offen.

Ähnlich forsch ging der Domkappellmeister auch das C‑Dur-Te deum an. Das wurde dann so rasant und energieprotzend, dass es fast einen Tick angeberisch wirkte. Aber nur fast: Denn Breitschaft blieb immer gerade noch so kontrolliert und zielgerichtet, dass das Te deum zu einer unwiderstehlichen Verführung, einer sanften, unmerklichen Überredung hin zu Glauben und Kirche, wurde. Dass so wunderschöne Musik entstand, war fast nur ein Nebenprodukt. Aber wenn das so gut gelingt, dann lässt man ihm die Absicht zur Verführung – die schließlich durchaus im Sinne Haydns ist – gerne durchgehen. Und hofft, dass die restlichen Konzerte des Musiksommers genauso viele Verheißungen preisgeben werden.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

gottesdienst wie in alten zeiten

von Matthias

am 9. Juli 2009

in kritik

Ein norddeutscher Gottesdienst zu Beginn des 17. Jahrhunderts – wie der wohl geklungen hat? Und was dort zu hören und zu erleben, zu sehen und zu feiern war, wenn es ein wichtiger Feiertag war wie etwa die Michaelisvesper? Um das aufzuspüren, könnte man sich jetzt einige Wochen in die Bibliothek setzen und alte Kirchenordnungen, Musikerrechnungen und Partituren studieren. Oder man setzt sich entspannt in seinen Hörsessel und legt die gerade erschiene SACD des Knabenchor Hannover in den Player. Dort ist nämlich genau das aufgenommen: Eine versuchte Rekonstruktion so einer Michaelisvesper, wie sie etwa in den 1620er-Jahren zum Beispiel in Wolfenbüttel hätte geschehen können. Jörg Breiding, der Dirigent der Hannoveraner, hat mit fachkundiger Unterstützung aus den Werken Michael Praetorius, der genau dort Organist und Hofkapellmeister war, ein mögliches Gesamtkunstwerk einer musikalischen Vesper zu Michaelis zusammengestellt. Und das dann zu unserem Glück mit seinem Chor und einer Menge Instrumental-Experten (dem Johann-Rosenmüller-Ensemble und Hille Perls „The Sirius Viols“ sowie dem Bremer Lautten-Chor) auf eine Super-Audio-CD gebannt. 80 Minuten faszinierende Musik sind das geworden, in denen man mit dem fremden Blick des Nachgeborenen der ungeheueren Vielfalt der Musik Praetorius’ lauschen darf, seinen Konzertsätzen und seinen Psalmen etwa, aber auch dem großen Magnificat, das in sich noch einmal mit seinem breiten Spektrum musikalischer Gestaltungskraft fein differenziert. Genau das macht auch Breiding mit seinen Sängern und Instrumentalisten: Das ist, gerade in der Harmonie der Mannigfaltigkeit und der weichen Fülle des Klangs eine sehr feine und feinsinnige Aufnahme geworden. Schade nur, dass die Gottesdienste heute solche musikalischen Hochleistungen nicht (mehr) bieten.

Michaelisvesper mit Werken von Michael Praetorius. Viele Solisten …. Knabenchor Hannover, Jörg Breiding. Rondeau Production SACD ROP7007, 2009.

(geschrieben für die neue chorzeit)

passionsmusik aus siebenbürgen

von Matthias

am 7. April 2009

in kritik, musik

Siebenbürgen ist nicht gerade ein Zentrum deutscher Kirchenmusik. Genauer gesagt, ist es eher ein Zentrum von gar nichts. Manchmal sind aber die Ränder durchaus interessanter als die Mitte. Etwa, wenn dort bestimmte Traditionen überleben, wie zum Beispiel die über lange Zeit weitergegebenen lokalen Passionsmusiken. Das sollte man wissen, wenn man sich die „Siebenbürgische Passionsmusik“ für Chor, Solisten und Orgel von Hans Peter Türk anhört. Denn Türk ist ein siebenbürgischer Komponist.

Eine neue Matthäus-Passion also, als Fortführung noch erhaltener Bräuche – aber dennoch überhaupt nicht bloß bewahrend, sondern eben weiterführend. Denn Türk ist zwar kein Avantgardist, aber doch – trotz seiner geographischen Randlage – als Kompositionsprofessor ein Kenner der Entwicklungen und Techniken in der Musik. Und zwar nicht nur der Musik der letzten Jahre. Denn seine „Siebenbürgische Passionsmusik“ bedient sich bei Formen und Techniken aus eigentlich der ganzen abendländischen Musikgeschichte. Das führt zu einigen eigenartigen und bemerkenswerten Ergebnissen, die die Einspielung mit der Meißner Kantorei 1961 unter Christfried Brödel und mit Ursula Philippi an der Orgel eindrücklich vorführt.
Denn wie immer, wenn sich Bekanntes mit Fremdem, Vertrautes mit Exotischem mischt, entdeckt man reilich Neues und Interessantes – in Beidem. Der Text bleibt ganz auf vertrautem Boden, in der Musik entwickelt der 1940 geborene Siebenbürge aber einen eigenen Ton. Dabei vertraut Türk auf die Worte – und zwar sehr stark. Daraus und damit entwickelt er eine Musik, die sich dem Hörer unmittelbar unmitteilt. Und sie zeigt deutlich: Hier geht es nicht darum, um jeden Preis außergewöhnliche Musik zu finden. Türk strebt offenbar viel mehr danach, der Passionserzählung ein zeitgemäßes musikalisches Gewand zu geben, sie aber zuallererst als Erzählung zu verstehen. Und das kann dann eben auch heißen, sich als Komponist extrem zurückzunehmen. Auch in dieser konzentrierten Form, mit wenigen Einwürfen, behutsam untermalenden Tönen der Orgel etwa gelingt es ihm ohne Weiteres, starke Kontraste und nahegehende Stimmungen zu vermitteln, spannende Rezitative zu schreiben, die natürlich und kunstvoll zugleich wirken. Und vor allem hochgradig einfühlsame, intensiv vibrierende Choräle, die den wahren Kern dieser Passionsmusik bilden.

Das ist dann in der Summe eine durchaus moderne Musik, die verständlich und unbedingt zugänglich auch für Nicht-Kenner der zeitgenössischen Musik ist. Und eigentlich sogar für deren Verächter zu ertragen. Gut funktionierende Kirchenmusik also.

Hans Peter Türk: Siebenbürgische Passionsmusik für den Karfreitag nach dem Evangelisten Matthäus für Chor, Solisten und Orgel. Ursula Philippi, Orgel. Meißner Kantorei 1961, Christfried Brödel. Musikproduktion Dabringhaus und Grimm 2009. MDG 902 1554–6.

(geschrieben für die neue chorzeit)

einmal quer durch die musikgeschichte: schütz, pergolesi und brahms im passionskonzert

von Matthias

am 2. April 2009

in kritik, musik

Es war ein Hin und Her wie selten bei den Domkonzerten: Die Chöre wechselten, es wurde mit und ohne Orchester musiziert, die Solistenblieben auch alle nicht lange, selbst der Dirigent wurde getauscht. Und doch herrschte auch ganz viel Andacht im Passionskonzert. Im Zentrum stand dabei die Matthäus-Passion von Heinrich Schütz, die eigentlich gar keine Passion ist. Zumindest nicht im musikalischen Sinn. Denn bei Schütz heißt die Vertonung der Passionsgeschichte noch Historie – eine Erzählung der Leiden Christi. Und die hält sich, von Eingangs- und Schlusschor abgesehen, streng an den Text des Evangelisten. Arien und Choräle wird man hier also vergebens erwarten. Die Nähe zum Bibeltext führt dazu, dass große Teile vom Evangelisten und den anderen Solisten übernommen werden, der Chor mehr oder minder auf kurze Einwürfe beschränkt bleibt. Das sollte allerdings nicht zu so einer Hetze führen wie im Dom. Denn weder Mathias Breitschaft noch der eigentlich sehr solide Evangelist Daniel Käsmann nahmen sich im Gleichmaß der fortlaufenden Bewegung, des ununterbrochenen Berichtes Zeit für besondere Momente, für Augenblicke der Dramatik. Die sind aber auch bei Schütz durchaus vorhanden – man muss sich nur etwas mehr Mühe geben, sie freizulegen. Wie das geht, weiß Breitschaft ja durchaus. Das stellte er dann etwa im Schlusschor unter Beweis: Hier hatte er auf einmal Zeit für subtile Ausdeutung, die die Domkantorei auch – trotz der starken Besetzung – sehr deutlich und transparent, vor allem aber mit leichtem Klang mitmachte und mittrug.

Karsten Storck übernahm das Dirigat der anderen beiden Werke. Neben dem etwas blassen und unscheinbaren 13. Psalm für Frauenchor von Johannes Brahms, den der Mädchenchor sehr brav sang, war das vor allem Giovanni Pergolesis „Stabat Mater“. Dessen reine Melodien verherrlichen im Wohlklang sowohl der Chorsätze als auch der Arien und Duette mit den beiden schön aufeinander abgestimmten Solistinnen, Dorothee Laux und Patricia Roach, die süße Wollust der Schmerzen. Gerade der ständige Wechsel zwischen Chor und Soli gelang Storck dabei sehr schön. Denn die Chorsätze ließ er immer etwas stärker zelebrieren als unbedingt nötig. Zusammen mit der Intimität der Arien kam das „Stabat Mater“ so in seiner gesamten Länge zu einem wohlgerundeten Pulsieren, einer angenehmen Mischung aus zügigen Tempi und innigen Momenten der Empfindsamkeit. Und darum geht es schließlich: Das Mit-Gefühl zu wecken.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

Der Maulbronner Kammerchor: Porträt eines erfolgreichen Chores

von Matthias

am 25. Januar 2009

in musik

Die erste Tourneeanfrage hatte der Chor schon, da war er noch nicht einmal gegründet. Ausgerechnet in New York, im Schatten der Wall Street, fand der erste Auftritt statt. Ein größerer Gegensatz zum beschaulichen Maulbronn ist kaum denkbar. Aber der Maulbronner Kammerchor fiel natürlich nicht einfach so vom Himmel. Der Kirchenmusikdirektor Jürgen Budday ging schon länger mit dem Gedanken schwanger, neben der Kantorei noch einen Extrachor aufzubauen: Ein Ensemble, das sich auf hohem sängerischem und künstlerischem Niveau vor allem der anspruchsvollen a‑cappella-Literatur widmen sollte. Da hatte es nur noch die richtige Frage gebraucht, das anzupacken. Und eine Konzertanfrage für die New Yorker Trinity-Church war definitiv richtig. „Das war mir einen Versuch wert, damit einzusteigen“, erinnert sich Jürgen Budday. „Wir haben das Projekt dann erfolgreich durchgezogen und noch in den USA in der Gruppe einhellig beschlossen, dass wir das unbedingt fortführen wollten.“
Diese erste Tournee absolvierte der flugs gegründete Maulbronner Kammerchor 1983 noch in einer kleineren Besetzung. 25 Sänger waren es damals, die Budday um sich scharte: Aus seiner Kantorei, aus dem Seminar, Bekannte und Freunde.

Einige von ihnen haben nach mittlerweile 25 Jahren immer noch nicht genug und sind weiterhin dabei. Inzwischen ist der Chor aber noch ein Stückchen gewachsen: Gesungen wird in der Regel mit ungefähr 40 Stimmen – für einen Kammerchor also schon eine opulente Besetzung. Da nicht jeder der Hobbysänger bei jedem Programm dabei sein kann, gibt es ungefähr 60 Chormitglieder.
Denn inzwischen nehmen viele Sänger weite Wege auf sich, um mitsingen zu dürfen. Gut, aus Übersee kommen sie nicht, aber doch aus ganz Deutschland. Daraus resultiert auch die besondere Probentechnik: Vor dem ersten Chorwochenende erarbeiten sich die Sänger das neue Repertoire in sogenannten Regioproben, die sie selbst organisieren und leiten. Für den Leiter ist das eine feine Sache: Wenn er sich das erste Mal mit dem Chor zum Probenwochenende im Maulbronner Seminar trifft, kann er sich gleich ganz der Musik widmen. Und darum geht es ja schließlich.
Die Musik, das ist Budday wichtig, ist das, was hinter den Noten steht. Und deshalb nutzt er die Erkenntnisse der historischen Aufführungspraxis ganz selbstverständlich: „Das ist einfach ein anderes Musizieren. Wenn man das einmal gemacht hat, will man nie wieder anders aufführen. Der Klang wird viel klarer, durchsichtiger und beweglicher.“ Und wer die Händel-Oratorien der Maulbronner gehört hat, weiß was das heißen kann. Diese Serie der Oratorien ist das bisher letzte große Kapitel in der beeindruckenden Erfolgsgeschichte des Kammerchor und inzwischen auch auf der choreigenen CD-Reihe verewigt.

Auch die – meist geistlichen – a‑cappella-Programme sollte man sich nicht entgehen lassen. Denn zu Recht sind die Maulbronner stolz auf ihren Klang (und haben ihre opulente Festschrift auch einfach so überschrieben: „Klang“). Ihr zarter Nunancenreichtum und der enorm fokussiert, flexible Sound begeistern immer wieder. Trotz des Übersee-Starts und der vielfältigen Konzertreisen der letzten 25 Jahre sind sie ihrer Heimat dabei immer ganz besonders verpflichtet geblieben: Dem Maulbronner Kloster. Das hat verschiedene Gründe. Die Aufgabe als Residenzchor für die Klosterkonzerte, deren Leitung Budday ebenfalls inne hat, ist nur einer davon. Aber er treibt den Dirigenten doch an: Adäquat muss die Musik sein, zum Raum und zur spürbaren örtlichen Tradition des Weltkurlturerbes passen. Der zweite wichtige Grund ist das Maulbronner Evangelische Seminar. „Das Singen gehört hier ganz selbstverständlich zum täglichen Alltag, zum Vollzug des Lebens einfach dazu.“ Und aus der Riege des Seminarchors kann Budday dann gezielt für den Kammerchor rekrutieren. Nachwuchsprobleme hat der Chor so überhaupt nicht. Das erklärt auch die gesunde Altersstruktur, die von 17 bis 60 Jahren reicht. „Es ist ganz enorm wichtig, den Chor immer von untern her aufzufrischen. Das ist dem Klang besonders dienlich. Und“, ergänzt der erfahrene Dirigent, „es ist auch eine Herausforderung für die etablierten Sänger, stimmlich immer auf der Höhe zu bleiben.“

Um ihn selbst geht es am wenigsten, wenn man mit ihm über den Kammerchor spricht. Er erzählt nur von zwei Dingen: „Seinen“ Sängern und der Musik. Doch ohne ihn ist der Maulbronner Kammerchor nicht zu denken. Nicht nur als Chorpädagoge prägt er das Ensemble, auch die Konzertprogramme tragen deutlich seine Handschrift. „Inhaltlich stringente und klar strukturierte Programme, die ein gewisses Spektrum eines bestimmten Themas abedecken und zugleich auch musikalisch-stilistische Entwicklungen zeigen“, das hat er sich zum Ziel gesetzt. „Und mittlerweile hat der Chor diesen Anspruch voll übernommen. Die Sänger sind sehr bedacht auf zwingende Programme und machen auch eigene Vorschläge.“ Solche ausgeklügelten thematischen Konzerte trugen in den letzten Jahren Titel wie „Der Mensch lebt und bestehet“, „Du verwandels meine Klage in einen Reigen“ oder „Von Morgens früh … und bis zur Nacht“.

2008 stand dagegen ganz im Zeichen des 25-jährigen Bestehens. Die großen Jubiläumskonzerte – wieder einmal quer durch Deutschland – hat der Chor im Mai schon absolviert. Am 11. Juli wird es auf der Maulbronner Seebühne aber noch eine Gesamtschau der Händel-Oratorien zu hören geben. Und am 27. September wird das Jubiläumsjahr mit zwei Aufführungen der Bachschen h‑moll-Messe endgültig beendet. „Dann müssen wir uns auch erst einmal erholen. Schließlich machen die Sänger das alle neben ihren eigentlichen Berufen.“

(geschrieben für die neue chorzeit)

Lesen. Hören. Und ein bisschen schreiben.

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Chormusik aus und für Mainz: Das “Mainzer Chorbuch”

Alle Jahre wieder: Das Weihnachtsoratorium

Der Sommer ist Musik

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