Zugabenstücke sind offenbar gefährlich: Wenn der Tonsetzer selbst schon vor ihrem übermäßigem Genuss warnt, dann sollte man wohl wirklich mit Vorsicht genießen. Dabei gibt es kaum einen Grund, den Band „Da Capo!“ von Carsten Gerlitz mit spitzen Fingern anzufassen. Im Gegenteil, man sollte den unbedingt aufschlagen und (ein)studieren. Auch wenn der Titel nicht so ganz passt. Denn nicht die Wiederholung ist das Ziel von Gerlitz, sondern neues Material für die Zugabe bei Chorkonzerten zu liefern. Echte „Knaller“ sollen es also sein, peppige Arrangements verspricht der Untertitel. Und das findet man in den sechs Sätzen von überschaubarer Schwierigkeit dann durchaus – wenn auch nicht in jedem einzelnen.
Denn einen Schlusspunkt für ein Konzert setzen sie alle auf ganz verschiedene Weise: „Auf uns“ als groovig-poppige Soulballade, die Gerlitz‘ Fähigkeit als Arrangeur effektvoller Chormusik besonders deutlich zeigt, „Das Publikum war heute wieder wundervoll“ als schnell einstudierte und schnell gesungene, unkomplizierte Miniatur, die schon als Abspannmusik bei Bugs Bunny gut funktioniert hat. Es geht aber auch romantischer, mit dem von Brahms entlehnten „Guten Abend, gute Nacht“, dem sanft und sehr fein ausgearbeiteten „Der Mond ist aufgegangen“ oder auch mit dem Abschiedslied der Comedian Harmonists, „Auf Wiedersehn, my Dear“, das Gerlitz sehr nah an deren Klang und Arrangement setzt. Und damit auch wirklich jeder gemischter Chor hier etwas findet, gibt es noch eine unkompliziert swingende, ja, fast harmlose „Sentimental Journey“ dazu. Und wenn man den schmalen Band so durchblättert, trifft die Warnung des Vorworts vielleicht doch zu: Zu viel Feuerwerk ermüdet. Dafür reichen diese sechs Sätze aber nicht aus – schon allein deshalb nicht, weil sie so ganz und gar unterschiedlich sind.
Und wer noch nicht weiß, wie er sein Publikum dazu bringt, Zugaben zu fordern, kann sich zweier anderer kürzlich erschiener Arrangements von Carsten Gerlitz bedienen – die sind jetzt aber nicht mehr für jeden Chor und jeden Geschmack geeignet. Denn mit ABBAs „Dancing Queen“ und „In My Life“ von den Beatles legt der versierte Arrangeur zwei Sätze vor, die sehr genau und gut in die neue Reihe Pop-Choir-Classics passen.Nah am Original empfehlen sie sich vor allem für im Pop schon vertraute und geübte Chöre – beide setzen auch ein fünfstimmiges, rhythmisch sicheres Ensemble voraus. Mit wenigen, oft nur punktuellen Änderungen, geschickter Stimmverteilung und dramaturgischem Gespür wird aus bloßen a-cappella-Coverversionen bei Gerlitz ein Hit fürs nächste Konzert. Dabei arbeitet er sehr ökonomisch mit Einfällen: Seine Arrangements sprühen nicht vor Ideen, sind aber stets wirkungsvoll gearbeitet. Nicht zuletzt liegt das auch an den Originalen: Das sind eben echte Klassiker, die Kraft und Inspiration genug haben – die Reihe trägt den Titel „Pop-Choir-Classics“ schließlich nicht umsonst.
Carsten Gerlitz: Da Capo! Zugabestücke in peppigen Arrangements für gemischten Chor. Mainz: Schott 2015 (ED 20577). Carsten Gerlitz: Beatles, In My Life. (Pop-Choir-Classics) Berlin: Bosworth 2015 (BOE7741). Carsten Gerlitz: ABBA, Dancing Queen. (Pop-Choir-Classics) Berlin: Bosworth 2015 (BOE7742).
(Zuerst erschienen in „Chorzeit – Das Vokalmagazin“)
Anyone who’s had their hand shaken by Macron is lost to the opposition: they’re destined to vote Macron and to convert to Macronism. But you can’t shake hands with everyone in the country. And anyway, just what is Macronism?
Dass solch teurer Scheißdreck, in mancher Hinsicht durchaus state of the art, von der deutschen Vorab-Kritik gefeiert und gehätschelt wurde, sollte ihr das Rückgrat brechen, wenn sie eines hätte. Aber sie versteht sich ja seit Jahrzehnten als Promoter und Mentor dieser deutschen Scheiße, deren Ursünde die volkspädagogische Gutgemeintheit ist, die weder Realismus noch artifizielle Überspannung („The Singing Detective“) zulässt.
Katie Meluas „In Winter“ ist die akustische Version einer kuscheligen Szene vor dem Kamin, während draußen die Kälte klirrt: Das Feuer knistert, die Gitarre klimpert und Melua singt. Aber nicht allein: Für ihr Weihnachtsalbum hat sie den georgischen Gori Women’s Choir und Bob Chilcott als Arrangeur verpflichtet.
Zusammen bieten sie eine Mischung aus eigenen Songs und traditioneller georgischer, rumänischer und ukrainischer Weihnachtsmusik, und ein Teil von Rachmaninoffs Vespervertonung. Vor allem ist „In Winter“ aber eine Katie-Melua-CD: Nicht nur die eigenen Songs, auch der Rest des Programms klingt unverkennbar nach ihr, ob das nun Joni Mitchells „River“ oder Adolphe Adams „Holy Night“ ist. Nur dass die hier mit sehr verhaltener Instrumentierung auskommen und dafür den Gori Women’s Chor quasi als Instrument mitbenutzen. Der kann nämlich, von Bob Chilcott versiert arrangiert, wunderbar im Hintergrund farbige, sanft schimmernde Klangflächen aufbauen, vor der sich Meluas Stimme frei entfaltet. Besonders anrührend schön gelingt das im rumänischen Wiegenlied „Leganelul Lui Lisus“: Der einfache Chorsatz unterstützt die schlichte, graziöse Melodie sehr einfühlsam. Auch im georgischen „If you are so beautiful“ spielen Meluas volltönendes Solo und der dunkel, rauh und ursprünglich-intensiv klingende Gori Women’s Choir in der Abwechslung überzeugend zusammn. „In Winter“ genießt man wohl dann am besten, wenn man sich dieser totalen Rührung einfach hingibt und sich zu einer musikalischen Winterfeier überreden lässt, die Weihnachten (fast) ohne sowieso nur störenden religiösen Bezüge feiert. Und das dafür mit aller Emphase und ein bisschen Kitsch tut.
Zu „Perfect World“ gibt es hier auch noch ein schön kitschiges Video:
Katie Melua – Perfect World (Official Video)
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Das Volkslied taucht in den letzten Jahren immer mehr aus der Versenkung wieder auf – Projekte wie das Carus/SWR-Liederprojekt oder S.O.S. – Save Our Songs von Singer Pur sind nur Teil und Zeichen eines größeren rückbesinnenden Revivals. Das, was das SWR Vokalensemble Stuttgart und die SWR Big Band unter der Leitung von Morten Schuldt-Jensen mit Volkslieder 2.0 vorlegen, ist freilich etwas anderes. Denn für ihre erste Zusammenarbeit gehen die beiden SWR-Klangkörper einen Schritt weiter und in eine andere Richtung.
Der Komponist und Arrangeur Ralf Schmid warf dafür einen Blick auf die norwegische Tradition, während der Norweger Helge Sunde umgekehrt deutsche Volkslieder bearbeitete. Dabei steht für beide nicht das Volkslied an sich im Zentrum, sondern dessen künstlerische Potenz ohne nationalistischen Ballast. Und vielleicht ist es ganz folgerichtig, dass Schmid sich ohne Volkslieder direkt mit Peer Gynt auseinandersetzt, mit Griegs traditioneller Musik und Ibsens Text. Trotz aller Nähe zu einzelnen Sätzen wie der „Morgenstimmung” oder „Solveigs Lied“ verleiht er Peer Gynt eine sehr eigenständige Prägung, bringt etwa die Morgenstimmung als „toast på coast“ locker-beschwingt zum Tanzen und nutzt die Fusionsenergie aus der vokalen Kraft und der eher metallischen Energie der Big-Band in fein abgestimmten Arrangements.
Überhaupt gibt die Kooperation zweier so herausragender Ensembles den Komponisten reiche Möglichkeiten an die Hand. Die nutzen das zurückhaltend, aber subtil und geschickt. Die Vielfalt der Klangfarben ist phänomenal: Vom grellen Schmettern bis zum gehauchten Laut, von zackig-präziser Kraft über expressives Parlando bis zu den weich fließenden Melodien, von filigranen polyphonen Strukturen bis zu kraftvollen chorischen Klangflächen – man merkt, dass das den Musikern sozusagen auf den Leib oder in die Stimme geschrieben wurde.
Der Norweger Helge Sunde steuert einen faszinierenden Blick auf vier deutsche Volkslieder bei: Das eigentlich so harmlose Schlafliedchen wird ihm zu einem Thriller – einem lebendig und detailliert nachzuhörenden Kampf zwischen Kind und Schlaf, zwischen Traum und Ungeheuer, der gerade so noch die Kurve bekommt und im friedlichen Schlaf endet. Auch „Auf einem Baum“ erfährt eine Verwandlung: Der Kuckuck sitzt nicht einfach nur rum, man kann ihn in den agilen Stimmen des Vokalensembles tänzeln und flattern hören – und auch vom Baum fallen, nachdem der Jäger ihn abgeschossen hat. Und während „Wenn ich ein Vöglein wär“ zu einer astreinen Jazzballade wird, kracht die „Lore-Ley“ ausgesprochen funkig und rockig. Überhaupt haben Sundes Bearbeitungskompositionen etwas sehr verspieltes: Wie ein Kind, das im Spielwarenladen freie Auswahl hat, legt sich Sunde kaum Zurückhaltung auf – das offensichtlichste meidet er meistens, aber die vokal-instrumenalen und klanglichen Fähigkeiten beider Ensembles nutzt er weidlich aus. Die Avantgarde-Spezialisten des Stuttgarter Vokalensembles singen das präzise, bleiben aber immer ganz entspannt, ganz egal, ob sie nun gerade sanft säuseln oder wie in der „Lore-Ley“ selbst zu einem Teil der Big Band werden. Und da gibt es immer wieder buntes und abwechslungsreiches zu hören – beide Gruppen fangen die Stimmungen der Lieder sehr geschickt auf und machen sie sehr deutlich vernehmbar. Das beste ist aber: Alles wirkt vollkommen natürlich, ungezwungen und harmonisch – weil sowohl Schmid als auch Sunde beiden Ensembles ihren Raum lassen. Auch wenn diese vielschichtig-vertrackte Musik so sicher nicht selbst zu Volksmusik werden wird – man wünscht ihr, möglichst oft gespielt, gesungen und gehört zu werden.
Am Schluss wirbelt Weihnachten dann doch herein. Bis dahin hält „Der Singer Pur Adventskalender“ genau, was er verspricht: Chormusik für den Advent. Wenn man in diesem Adventskalender bis zum Heiligen Abend gekommen ist, hat man einiges hinter sich. Denn die 23 bekannten, traditionellen Adventslieder von „Nun komm, der Heiden Heiland“ bis „Wir sagen euch an den lieben Advent“ in über dreißig Sätzen, die Singer Pur hier für sechstimmige Chöre vorlegen, bieten viel ausgezeichnete Musik. Am Ende steht dann ein furioses, begeistert-freudiges Arrangement von Sören Sieg: So fröhlich ist selbst die „Fröhliche Weihnacht“ beileibe nicht immer.
Alt und neu sind gleichermaßen vertreten – 10 Lieder in Sätzen von Alten Meistern (bis ins 16. Jahrhundert), 14 von lebenden Arrangeuren. Für den Druck wurden die Singer-Pur-Sätze etwas überarbeitet, damit sie für normale sechstimmige Besetzungen gut singbar sind. Gut singbar ist allerdings nicht unbedingt einfach: Komplexe Sätze, die etwas Hinwendung und Probenausdauer erfordern, sind hier reichlich vertreten. Die harmonischen und rhythmischen Möglichkeiten der (fast) durchgehenden Sechsstimmigkeit nutzen die Arrangeure gerne aus und lassen sich viel einfallen – Bernhard Hofmann benötigt für “Lasst uns froh und munter sein“ immerhin 14 Seiten. Und die haben es auch in sich, da ist fast durchgängig mindestens eine Stimme mit dem „tralala“ beschäftigt, während der Rest durch diverse Takt- und Tonarten wandert. Überhaupt: So arg besinnlich ist diese Adventszeit nicht. Sicher, es gibt ruhige Momente: Heike Beckmann hat etwa eine sehr schöne, verhaltene Swing-Version von „Leise rieselt der Schnee“ beigesteuert, die ganz fein glitzert. Und Reiko Füting lässt den Chor in „O Heiland, reiß die Himmel auf“ vom verhauchenden Tenorsolo bis zum massiven Tuttiklang die Himmelsbewegung im Wechsel von Beinahe-Stillstand und bewegter Rhythmik dynamisch nachzeichnen. Die Bandbreite ist überhaupt sehr groß, denn die Sätze sind durchweg sehr individuell gearbeitet. Der Adventskalender bietet in einer anregenden Mischung mit Niveau viel Pep, manchmal auch etwas Show – aber wer braucht schon den 87. vierstimmigen homophonen Chorsatz von „Macht hoch die Tür“? Dann doch lieber William Hawleys wilde Jagd zum triumphierenden Lobpreis Gottes.
Die alten Sätze allerdings – Crügers „Wie soll ich dich empfangen“ etwa, „Nun komm der Heiden Heiland“ von Praetorius, Eccard, Schein und Vulpius oder Bachs „Wachet auf“ und sein „Wie schön leuchtet der Morgenstern“ – werden die meisten Chöre schon im Archiv haben. „Es kommt ein Schiff“ ist dafür zum Glück zwei Mal vertreten: Neben der bekannten Version von Max Reger hat Singer-Pur-Bass Marcus Schmidl ein geheimnisvoll raunendes, das Mysterium des Glaubens beschwörende Arrangement geschrieben. Auch seine Version von „Tochter Zion“ geht, so harmlos sie anfängt, eigene Wege: kleine rhythmische Widerhaken und eine behutsame harmonische Modernisierung geben Händels Klassiker frischen Glanz.
„I am music now!“ heißt es im Refrain von „What a feeling“. Und treffender lässt sich das Arrangement aus der Feder von Martin Seiler kaum beschreiben: Hier kann man als Sänger/Sängerin – und auch als Zuhörer – vollkommen in die Musik eintauchen. Dabei ist das nur eines von drei Arragnements, die Seiler im Helbling-Verlag vorlegt: neben „What a feeling“, bekannt vor allem als Filmmusik aus „Flashdance“, noch Phil Collins‘ „Easy Lover“ und „Fix You“ von Coldplay. Drei eher gefühlige Songs also – eigentlich alles Moderne Evergreens – für die Pop.Voxx-Reihe im Helbling-Verlag.
Seiler weiß, was er macht, wenn er so bekannte Vorlagen arrangiert. Denn seine Sätze beruhen auf seiner Arbeit für und mit „Greg is back“, seinem eigenen A‑Cappella-Popchor. Das zeigt sich sofort, wenn man die Partituren aufschlägt: Die sind nämlich für SMATB mit zusätzlicher Solostimme (für die Melodie) bzw. im Falle von Phil Collins „Easy Lover“ sogar für SSMATB gesetzt, wozu immer noch eine (optionale), aber empfehlenswerte Beatbox kommt. Das heißt aber nicht, dass die alle durchgehend sechs- bis siebenstimmig klingen. Aber andererseits werden einzelne Stimmen auch ab und an noch bis zu dreifach aufgeteilt. Also: Für Anfänger oder popungeübte Chöre ist das nicht die erste Wahl, die einzelnen Stimmen müssen in sich stabil und rhythmisch versiert sein, sind aber – man merkt die Praxiserfahrung – immer gut singbar.
Bei Seiler heißt das aber auch: Alle Stimmen werden wirklich gefordert, auch die Begleitstimmen haben’s nämlich nicht immer einfach. Dabei, das gilt für alle Sätze drei gleichermaßen, bekommen sie sehr einfalls- und ideenreiche Kost: Leere Floskeln findet man hier nicht. Das hängt vielleicht auch damit zusammen, dass Seiler seine Arrangements dramaturgisch sehr geschickt aufbaut. Gerade „What a feeling“ und „Fix You“ profitieren sehr von der großen Breite an Ausdrucksmitteln, die er einsetzt. Energie und Empathie werden den Chören nicht überlassen, sondern sind in den Notentext eingebaut. Der ist dann auch entsprechend detailliert ausgearbeitet und bis in Kleinigkeiten ausgefeilt – für „Easy Lover“ braucht Seiler deshalb ganze 20 Seiten, weil er selten einfach etwas wiederholt, sondern immer wieder variiert und neue Begleitmuster einführt.
Obwohl alle Songs sofort als Coverversionen großer Hits erkennbar sind, begnügt sich Seiler nicht mit einer reinen vokalen Kopie. Klar, wesentliche Momente – wie etwa das instrumentale Zwischenspiel bei „Fix You“ – tauchen natürlich hier auch auf, sehr geschickt und mit viel Gespür für effektvolle Klänge für „seine“ Besetzung adaptiert. Aber sie haben, vor allem durch die vielschichtige Begleitung, auch einen eigenen Klang. Und damit bekommen diese Arrangements sozusagen ein doppeltes Hitpotenzial.
Martin Seiler (Arrangement): Flashdance…What a Feeling (SMATB), ISBN 978−3−99035−374−5 – Easy Lover (SSMATB), ISBN 978−3−99035−373−8 – Fix You (SMATB), ISBN 978−3−99035−372−1. Alle im Helbling-Verlag, Reihe Pop.Voxx, 2015.
Mit zunehmendem Alter wird so mancher (wieder) religiös – oder beschäftigt sich zumindest mit dem Tod. Bei Wolfgang Rihm lässt sich das schon seit einiger Zeit beobachten, die Hinwendung zu religiösen Themen und Musiken, wie in den „Vigilia“, dem Requim der Versöhnung oder der Lukaspassion („Deus passus“). Das 2009 uraufgeführte „Et Lux“ passt genau in die Reihe. Nicht nur thematisch, sondern auch in der Art, wie sich Rihm den religiös-philosophischen Fragen nähert. Wieder ist das kein „echtes“ Requiem, sondern eine subjektive, vorsichtige Annäherung an den Text des lateinischen Requiems. Der wird hier vierstimmig gesungen – oder auch nicht. Denn Rihm nimmt nur fragmentierte Teile – Wörter, Sätze, Begriffe – in die Partitur auf, die ihn offenbar besonders anregten. Die Lichtmetapher – der Titel verrät es ja schon – ist wesentlicher Teil, neben Libera me und Lacrimosa eines der Zentren dieser Musik, die man sich scheut, ein Requiem zu nennen.
Das ewige Licht also, als Verheißung und Drohung in Klang gesetzt. Ein großes, übergroßes Tongemälde hat Rihm dazu entworfen. Fast 62 Minuten nicht unterteilte Musik, in denen die vier gemischten Stimmen nur von einem Streichquartett begleitet werden. Das ist aber kein Historienschinken und auch kein repräsentatives Ölgemälde, sondern trotz ihrer enormen Dimension eine zarte Zeichnung auf großem Raum. An manchen Stellen wuchert der dunkle Schatten über die fragilen Linien, an anderen lässt sich eine feine Pastelltönung erkennen, wieder woanders leuchtend intensive Farben. Und immer wieder das daraus auftauchende beschworene Licht – in Wort und Klang.
Dabei ist „Et Lux“ eine zutiefst nachdenkliche, suchende und fragende Musik, ein Werk der bohrenden Sehnsucht: Wolfgang Rihm gibt keine Antworten (auch ein Grund, warum er nicht einfach ein „normales“ Requiem komponierte), er hilft den Hörern vielmehr beim Fragen. Und manchmal geht er auch ein paar Schritte voran ins Ungewisse. Das achtstimmig besetzte Huelgas-Ensemble und Leitung Paul van Nevels und das famose, Rihm-erfahrene Minguet-Quartett unterstützen das mit weitgehend zurückhaltender Klanglichkeit, die statt Opulenz lieber Klarheit und Fragilität bevorzugt und damit einen wesentlichen Zug von „Et Lux“ sehr genau trifft. Ganz kontrolliert und überlegt gestalten sie die die langen, langsam entwickelten Linien, die für dieses Werk so wichtig sind, aus denen manchmal und ganz allmählich Konturen und einige wenige klangliche Eruptionen und intensive Gefühlsaufwallungen entstehen, die aber auch ins Leere verlaufen können.
Mit Präzision, kalkulierter Emotion und feinsten Klangfacetten bringen sie Rihms polyphone Textur damit immer wieder zum Strahlen. Ein bisschen schade ist allerdings, dass das Minguet-Quartett auf der Aufnahme trotz der gegenüber der Partitur verdoppelten Stimmen des Huelgas-Ensemble sehr präsent ist, so dass man den Text manchmal nur noch erahnen kann.
Wolfgang Rihm: Et Lux. Huelgas Ensemble, Minguet Quartet, Paul van Nevel. ECM 2015.
Von Lothringen bis nach Ostpreußen, vom Shanty im niederdeutschen Platt bis zum mozärtlichen Wien der Zauberflöte reicht das Einzugsgebiet von „Kein schöner Land“. Noch eine Volkslied-Sammlung für Chöre also? Gibt es davon nicht längst genug? Sicher, aber nicht so eine. Denn die üblichen Editionen setzen immer noch einen klassischen vierstimmigen Chor voraus – und sind deshalb für Ensembles mit knapper Männerbesetzung oft kaum geeignet.
Wilfried Fischer ist nun schon seit einiger Zeit unter dem Titel „Chor zu dritt“ dabei, ein Repertoire für dreistimmigen Chor aufzubauen, genauer: für Chöre mit eben nur einer Männerstimme. Auch der vierte Band setzt sich dieses Ziel, bleibt dafür aber nicht bei purer Dreistimmigkeit stehen: Stimmteilungen, hauptsächlich im Sopran, gehören auch hier natürlich zum Handwerkszeug der Arrangeure. Aber für Männer wird eben nie mehr als eine Stimme gesetzt – die allerdings hin und wieder für Bässe recht hoch liegt. Die Idee des Volksliedes hat Fischer dabei recht breit gefasst: Unter den hier vesammelten 93 Sätzen sind nicht wenige geistliche Lieder und Choräle. Überhaupt ist die Auswahl nicht immer ganz nachvollziehbar: Einiges sehr bekanntes fehlt, dafür ist anderes nicht so weit verbreitetes enthalten – aber bei knapp 100 Liedern bleibt das nicht aus. Material bietet der Band auf seinen gut 200 Seiten aber mehr als genug. Gerne greift Fischer dabei auch auf vorhandene Sätze namhafter Komponisten zurück, die den neuen Anforderungen behutsam angepasst werden: Von Heinrich Isaac bis Ernst Pepping, von Felix Mendelssohn Bartholdy und Johannes Brahms bis Hermann Schroeder reicht der Griff ins Archiv.
Neben Fischer selbst, der ein Großteil der Arrangements und Bearbeitungen beisteuert, sind u.a. Pascal Martiné, Carsten Gerlitz und Burkhard Kinzler mit diversen neuen Sätzen vertreten. Die Arrangements selbst sind immer mindestens solide, aber oft für dreistimmige Sätze auhc überraschend klangvoll und wirkungsvoll. Den meisten merkt man positiv an, dass die Dreistimmigkeit hier nicht nur als Mangel gedacht wird, sondern als Herausforderung und Chance. Aus der genaueren Beschäftigung mit den Möglichkeiten der Besetzung entwickeln die Arrangeure dabei immer wieder sehr klare und filigrane, sehr lebendige und bewegte Sätze, die im vierstimmigen Chor so kaum funktionierten. Dabei sind die Sätze dem Sujet entsprechend insgesamt – selbst noch in den ausgefeilteren Bearbeitungen – eher zurückhaltend und schlicht in dem Sinne, dass Sätze gerne hinter Melodie und Text zurückstehen. Stilsicher und vernünftig spricht aus den Arrangements weniger Experimentierfreude, dafür viel Erfahrung und Einfühlungsvermögen – und nicht zuletzt der Versuch, ein möglichst breites Publikum – singend und hörend – zu erreichen.
Wenn Oliver Gies seinen Wunschzettel selbst abarbeitet, dann dürfen sich die Chöre und ihre Chorleiterinnen freuen: Denn dann gibt es feine neue Musik. Das gilt natürlich auch für das Chorheft „Wunschzettel. Neue Weihnachtslieder für gemischten Chor“, in dem Gies das aufgeschrieben hat, was er an Weinhanchten selbst gerne hören (und singen) würde. Trotz des Untertitels haben sich dann doch drei traditionelle Weihnachtslieder in das neun Songs starke Heft eingeschlichen. Die sind allerdings von Oliver Gies einer Generalüberholung unterzogen worden, so dass sie durchaus wieder (oder noch) als neu durchgehen können: „Es kommt ein Schiff geladen“, „Hört der Engel helle Lieder“ und „Josef, lieber Josef mein“, das neben dem vierstimmigen Chor auch noch zwei Solisten benötigt, mussten ihren Staub und zumindest teilweise auch ihre Tradition aufgeben und sich ein neues Klanggewand überstülpen lassen. Eine Frischzellenkur nennt der Arrangeur das – und frisch klingen sie tatsächlich, die alten Lieder. Am deutlichsten wird das bei „Es kommt ein Schiff geladen“, das viel von seiner altertümlichen Fremdheit verloren hat: Die Melodie wurde rhythmisch überholt und die Harmonik radikal modernisiert. Vor allem aber hat Gies in seinem Arrangement mit etwas Klangmalerei jeder Strophe und den kurzen Zwischenstücken einen jeweils eigenen Charakter verpasst, der dem Text – den wogenden Wellen, dem sicheren Hafen und dem Erlöser (der natürlich im reinen Dur erscheint) – ganz treu entspricht.
Frisch klingen aber auch die neuen Lieder von Oliver Gies eigentlich durchweg. Am wenigsten vielleicht „Der alte Mann“, in dem Gies recht ausführlich Glockenklänge verarbeitet und den alten Mann und die Zuhörer eine harmonisch Festmesse erleben lässt. Schick ist auch die „Weise aus dem Morgenland“, deren Titel nicht ganz unabsichtlich doppeldeutig zu lesen ist, denn hier geht es um die Heiligen Drei Könige. Die präsentieren sich hier nicht nur mit einer orientalisch klingenden Melodie, sondern vor allem als ausgesprochen reisemüde Könige, mürrisch und gereizt – und müssen ohne ein Happy End auskommen. Das ist in diesem Heft aber selten, denn Freude und Fröhlichkeit herrschen natürlich auch dann vor, wenn Auswüchse des Weihnachtsfests thematisiert werden wie die Hektik des Geschenkekaufens in „Weihnachtslieder singen“ oder die kulinarische Völlerei bei „Happy Meal“. Das ist trotz seines Titels ein gut-deutsche Angelegenheit, mit Wildschweinbraten, Schnitzel und natürlich der unvermeidlichen Weihnachtsgans – kein Wunder, dass der ganze Chor da stöhnt: „heute gibt es alles und von allem zu viel“. Für den „Wunschzettel“ gilt das freilich nicht: Zu viel gibt es hier bestimmt nicht. Im Gegenteil, das Konzept schreit geradezu nach einer Fortsetzung. Denn die Kompositionen und Arrangements von Oliver Gies bieten nicht nur dem Publikum Unterhaltung, sondern auch Abwechslung für alle vier Stimmen – die sich übrigens, da war der Arrangeur pragmatisch, mit geringen (jeweils vermerkten) Änderungen auch auf SSAB verteilen dürfen. Das Rad wird dafür nicht neu erfunden, aber auch mit bloßer akustischen Hausmannskost gibt sich Gies auch nicht zufrieden: Alle Sätze zeichnen sich durch ihr Einfühlungsvermögen in die jeweils eigene klangliche Gestalt aus, sind aber nie überfrachtet mit „Einfällen“. Zumal den „Wunschzettel“ zwar sicher nicht jeder Chor vom Blatt singen können wird, die technischen Herausforderungen im Gegenteil zum klanglichen Ergebnis aber trotzdem mäßig sind.
Oliver Gies: Wunschzettel. Neue Weihnachtslieder für gemischten Chor. Bosse 2014. BE 495. (zuerst erschienen in „Chorzeit – Das Vokalmagazin“, Ausgabe 11/2014)
nein, das ist keine besondere performance (ich sage nur: cage …), sondern bitterer ernst: zum ersten mal in der geschichte des ensembles – also seit 89 jahren – sahen sich die sängerinnen und sänger des rundfunkchors berlin heute gezwungen, in den streik zu treten. das erste opfer: ein aufnahme des brahms-requiems – davon gibt’s freilich auch schon mehr als genug ;-). aber scherz beiseite: die geschichte ist eigentlich ziemlich unglaublich für ein reiches und kultur-traditions-reiches land wie die bundesrepublik: seit 21 jahren (!) arbeitet der chor ohne gültigen tarifvertrag, seit zehn jahren gab es keine gehaltserhöhung mehr. und chorsänger zählen sowieso nicht zu den großverdienern im musikgeschäft. und seit zwei jahren wurde nun verhandelt, ein unterschriftsreifer vertrag lag vor – aber die roc gmbh (die berliner konstruktion, in der der rundfunkchor, der rias-kammerchor, das deutsche symphonieorchester und das rso berlin vereinigt sind) hat sich geweigert, den vertrag zu unterzeichnen, wie der chorvorstand mitteilt. blamabel.
