Leser mit allerlei Ansprüchen und ausdauernder Läufer. Je nach Tagesform auch mal ausdauernder Leser und Läufer mit allerlei Ansprüchen.
heute natürlich eine ganz offensichtliche Wahl (aber das schadet ja nicht unbedingt …): Stormy Weather (am liebsten mit Billie Holiday – oder etwas sanfter: Ella Fitzgerald)
Don’t know why there’s no sun up in the sky
Stormy weather
[…] Life is bare, gloom and mis’ry everywhere
Stormy weather
Just can’t get my poor self together
I’m weary all the time, the time
So weary all the time
(zitiert nach instalyrics)
Es sieht fast wie ein normales Meisterkonzert aus: Eine kleine Haydn-Sinfonie, dann Beethovens viertes Klavierkonzert und zum Abschluss ein richtig großes sinfonisches Werk, die achte Sinfonie von Schubert. Aber Weihnachten macht sich auch im Meisterkonzert bemerkbar – zumindest ein bisschen: Die Sinfonie Nr. 26 von Haydn trägt nämlich den Beinamen „Weihnachtssinfonie“. Das ist zwar eigentlich ein Fehler, denn Haydn hat sie als Passionsmusik komponiert. Aber der besinnliche zweite Satz lässt sich auch im Advent gut hören. Vor allem, wenn ihn die Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz unter ihrem Gastdirigenten Fabrice Bollon so farbig und bildhaft musiziert wie beim vierten Meisterkonzert. In der Rheingoldhalle hatte Bollon schon mit den ersten Haydn-Takten die Richtung vorgegeben: Kräftig zupackend formt er vor allem sehr satte Streicherklänge und bemüht sich um deutliche, manchmal sogar grelle Farben. Prachtvoll und sehr repräsentativ wirken da selbst die andächtigen Klänge des Mittelsatzes.
Ähnlich rustikal ließ er das Ludwigshafener Orchester dann die achte Sinfonie von Franz Schubert musizieren. Die hat ihren Beinamen „Große“ zwar vor allem bekommen, weil Schubert noch eine zweite, frühere C‑Dur-Sinfonie komponiert hat, die einfach deutlich kürzer ist. Bei Bollon ist das „groß“ aber durchaus entscheidend: Mächtig und wuchtig stapelt er die dicken Akkorde auf das felsefeste Fundament der dröhnenden Posaunen. Ungeheuer massiv wirkt da fast jeder Ton, jede Phrase wie für die Ewigkeit. Fragen oder gar Zweifel findet der Dirigent in dieser Partitur überhaupt keine, befiehlt stattdessen felsenfeste Gewissheiten. Das ist natürlich, gerade im zweiten Satz und schließlich vor allem im Scherzo, eine unerbittliche Vereinfachung. Eine Vereinfachung, die trotz ihrer Verzerrung klanglich durchaus wirken kann, auch wenn im Finale die Kantigkeit und Schärfe dieser Klangkonstruktion leider etwas verloren geht.
Viel faszinierender blieb da Beethovens viertes Klavierkonzert in Erinnerung. Denn Jasminka Stancul spielte das wunderbar schnörkellos und trocken, mit fast heiligem Ernst. Dabei blieb das Konzert im Kern auch bei ihr natürlich unverkennbar romantisch. Aber die zartfühlige Poesie ihrer Phrasierung verband sich wunderbar mit ihrer klaren Tongebung. Vor allem aber gelang der Pianistin und dem Orchester ein erregendes Miteinander – und genau darauf kommt es bei diesem Konzert an. Zumal Bollon aus dem Orchester auch feine Klangfarben kitzeln konnte, die die Staatsphilharmonie in der Rheingoldhalle nicht immer bietet. So ausgewogen und balanciert im Hin und Her der Musik war das wirklich ein intellektuell und emotional aufregendes Spiel – und ganz unabhängig von der Jahreszeit.
(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)
Er ist ein sanfter Rebell, der überraschend kleine, aber immer quicklebendige Ton Koopman. Nie betrieb er die historische Aufführungspraxis so provokant wie andere Kollegen, weder als Wissenschaftler noch als Dirigent oder Instrumentalist geht es ihm darum, aufzufallen. Denn Ton Koopman ist beides – und immer beides zugleich. Und wahrscheinlich deshalb auch nicht so extrem. Insofern war er natürlich eine wunderbare Wahl für die erste Mainzer Musikdozentur, die die Akademie der Wissenschaften und der Literatur gemeinsam mit der Mainzer Musikhochschule nun jährlich veranstalten.
Er nutzte die Gelegenheit auch entsprechend und stellte sich sowohl als Wissenschaftler als auch als Musiker vor. Und beide Bereiche kommen bei ihm in einem Anspruch zusammen: Die Wahrheit ist sein Ziel. Aber keine theoretisch aus den Quellen gearbeitete: Wie er bei seinem launigen Vortrag erklärte, ist für ihn das klingende Resultat immer das wichtigste. Auch wenn er dann ein paar mehr Sänger auf der Bühne stehen hat als die Puristen der Bach-Spezialisten. Einen weiten Bogen schlug er, führte den voll besetzten Roten Saal (ein Teil des Publikums musste sogar in den Orgelsaal ausweichen) durch verschiedene Probleme der historisch informierten Aufführungspraxis: Von der Chorgröße über die „richtigen“ historischen Instrumen und den angemessenen Verzierungen zur Stimmtonhöhe und der Frage, ob bei Bach Frauen mitgesungen haben. Und kam immer wieder zu dem Ergebnis, dass auch Spezialisten noch lange nicht alles wissen. Deswegen ist sein Schluss auch: „Es ist notwendig, beim Musikmachen zu denken“. Schade nur, dass er nichts zu den folgenden Kantaten sagte.
Denn Koopman war nicht nur als Vorlesender, sondern auch als Dozent, der mit den Studierenden arbeitet, nach Mainz gekommen. Das hat er in der letzten Woche getan, mit zwei Bach-Kantaten führte er es im Roten Saal der Hochschule vor. Und man merkt sofort: Das ist echter Koopman. Vor allem die Instrumentalisten des Neumeyer-Consort klingen ziemlich so, wie man es von ihm gewohnt ist: Beweglich und nachdrücklich in jedem Augenblick. Für die Sänger – zugleich Teilnehmer von „Barock vokal“, dem Exzellenzprogramm der Musikhochschule – gilt das allerdings nicht ganz. Sie wirken durch die Bank auffallend zahm und gediegen, manchmal auch etwas gehemmt: Wo die Instrumentalisten unter dem energisch-fordernden Dirigat Koopmans fast jeden Ton variieren, eine elastische Dynamik auf kleinstem Raum entwickeln, bleiben die Vokalisten vergleichsweise steif. Vielleicht hätten sie sich nicht in den Rücken des Dirigenten stellen sollen. Freilich, das sind alles junge Stimmen – und schlecht sind sie auch gar nicht. Und schließlich ist ja auch Koopman nach langen Jahren der Praxis und des Studierens immer noch auf der Suche – nicht nur nach dem richtigen, dem historisch wahren Klang, sondern nach der lebendigen, kreativ gefühlten Musik.
(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)
Ein Konzert, das „Karrieren“ überschrieben ist, gehört sicher nicht zum Alltag. Auch bei der Villa Musica nicht. Zum 25jährigen Jubiläum der Stiftung haben die „Freunde der Villa Musica“, der Unterstützerverein, jetzt aber ehemalige Stipendiaten der Villa Musica eingeladen, zurückzukehren – jetzt, wo sie alle Karriere gemacht haben. Die mittlerweile arrivierten Künstler sollen sich musikalisch präsentieren und im Gespräch mit Barbara Harnischfeger, der Vorsitzenden des Freundesvereins, vom Einfluss und Wert der Kammermusik für ein Musikerleben erzählen.
Erste Station war Mainz – und wieder mit außergewöhnlichem Programm. Schon wegen der Besetzung: Oboe, Klarinette und Klavier kommen in dieser Weise nicht so oft zusammen. Aber natürlich gibt es auch für diese Formation Musik. Zum Beispiel das Trio von Edouard Destenay, einem Zeitgenossen von unter anderem Claude Debussy, der aber inzwischen ziemlich gründlich vergessen wurde. In der Villa Musica erklingt das als geschmeidige, kraftvoll-bodenständige Musik. Besonders die schönen Trialoge und Zwiegespräche zwischen den Instrumenten fallen auf: Vor allem Oboist Kai Frömbgen und Klarinettistin Kerstn Grötsch führen immer wieder angeregte Konversationen – ein frisch gespielte, ansteckend gut gelaunte Musik.
Das Karrieren-Konzert war aber auch darüber hinaus ein schönes Beispiel für das Erfolgsrezept der Villa Musica beim Publikum und bei Musikern: Die Mischung von unbekannter und vertrauter Musik, auf hohem Niveau von neugierigen, spielfreudigen Musikern vorgetragen, die sich in fast jedem Programm findet. Zum Bekannten gehörte dieses Mal die zweite Klarinettensonate von Johannes Brahms, eines seiner wunderbaren absoluten Spätwerke. Kerstin Grötsch und Oliver Triendl ließen der Musik ganz viel Raum zur Entfaltung: Sorgsam bemüht, die feine Struktur der Sonate zu zeigen und den emotionalen Gehalt lebendig werden zu lassen. Über weite Strecken ist das dann einfach wunderbare Musik zum Loslassen.
Emotional sind Jörg Widmanns „Intermezzi“ auch, das Loslassen verbietet sich bei ihnen aber vollkommen. Oliver Triendl spielte diese oft düsteren, sehr effektvoll die ganze Klaviatur ausnutzenden kurzen und längeren romantisch verklärten Seelenmusiken in ihrer deutschen Erstaufführung mit großer Sorgfalt, aber mit noch größerer Emphase: Wenn das wirklich ein Spiegel der Seele des Komponisten ist, wie der Pianist andeutete, dann verheißt das wenig Gutes. Die Düsternis überwiegt hier stark, Licht und Trost sind nur in Andeutungen zu finden. Selbst ein „Wiegenlied“ endet dabei in Gewalt, Chaos und Umsturz, in wilden Eruptionen donnernder Klaviertöne. Damit wurde dieses Konzert auch zu einem Beispiel für die Vielfalt der Kammermusik – die ist schließlich, wie es Kerstin Grötsch auf den Punkt brachte, „die Würze im Musikerleben.“
(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)
„Wir genießen die himmlischen Freuden“ – das Motto für seine Interpretation scheint der Dirigent Peter Hirsch direkt aus dem Schlusssatz der vierten Sinfonie von Gustav Mahler genommen zu haben. Damit endete er das dritte Sinfoniekonzert im Staatstheater – und damit triumphierten er und das Philharmonische Staatsorchester. Anfangs, bei Leos Janáceks Orchester-Ballade „Des Spielmanns Kind“, reagierte das Mainzer Publikum noch sehr zurückhaltend. Nicht ganz ohne Grund, denn das blieb wirklich noch ziemlich blass. Gefallen hatten auch Alban Bergs „Drei Bruckstücke“ aus dessen Oper Wozzeck nicht – obwohl Hirsch und die Sopranistin Marlene Mild den grausigen Schrecken dieser Musik sehr überlegt und gekonnt Gestalt werden lassen. Aber ob das Publikum dann so eine Mahler-Sinfonie erwartet hatte? Denn Hirsch ging einen eigenen, sehr gefährlichen Weg: Er radikalisierte die 1901 uraufgeführte Sinfonie total – zu einer eminent modernen Musik.
Der in dieser Hinsicht durchaus extremistische Dirigent änderte auch sein Auftreten vollkommen: Er schwebt fast vor dem Orchester, der Taktschlag ist kaum noch zu erkennen, für jeden Klang formt er eine eigene Geste, ja fast eine eigene Erscheinung. Permanent verwandelt er sich vom imposanten Großmeister und Dompteur zum scheuen Kitz, vom steifen Zelebranten zum wild fuchtelnden Derwisch: Und jeder Klang, jede Phrase klingt dann auch ganz eigen. Diese Sinfonie ist ein einziges Fest der Ambivalenzen: Hirsch lässt sie im Zustand der permanenten Störung spielen. Ruhe und Ordnung, oder auch nur so etwas wie Gleichgewicht, gibt es hier nicht. Oder höchstens ganz kurzzeitig. Leicht geht hier nichts, Verzögerungen und Stolpern werden zur geplanten Normalbewegung.
Und doch ist das Philharmonische Orchester immer ganz bei sich: Sein durchweg sehr klarer, schlanker Klang wird dann im zweiten Satz etwa wunderbar hohl. Und vor allem ist das Orchester in der Lage, die irrsinnigen Spannungen, die Hirsch fordert, wirklich auszuhalten. Er zerdehnt die Musik gerne bis an die Schmerzgrenze, forciert Brüche bis kurz vor das Reißen – und das immer wieder und wieder. Ein unermesslich riskantes Spiel ist das: Schafft er es, die schweren Zentrifugalkräfte noch im Schach zu halten? Oder fliegt ihm gleich alles um die Ohren? Man erwartet die Katastrophe fast in jedem Takt, nach jeder Phrase rechnet man mit dem Chaos – und jedes Mal wird man erneut enttäuscht. Oder eben begeistert: Selbst im unendlich quälend langsamen dritten Satz wird die Spannung nahezu unerträglich ausgeweitet. Doch alles hält – auch dank Marlene Mild, die mit unschuldig-klarem Ton fast überdeutlich wirkt. In der Kombination ist das eine nahezu absurde Energie, die Hirsch aus der Sinfonie entwickelt. Und damit hat der Dirigent fast geschafft, dass die Schlusszeilen wahr werden: „Kein’ Musik ist ja nicht auf Erden, die unserer verglichen kann werden.“
(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)
„Auch das Leben hat seinen Paratext, und die Nachwelt ist ein langes Nachwort, das man nicht selber schreiben kann.“ (Gérard Genette, Paratext, 249)
die neue platte von kammerflimmer kollektief (ja, in diesem fall ist das wirklich eine platte – so viel nostalgie und klangextremismus muss bei dieser gruppe sein!) heißt „teufelskamin“
das weckt bei mir weniger düstere als vor allem romantische assoziationen, so in der richtung des teufels im „freischütz“ etwa. und auch wenn das natürlich eine ganz, ganz andere baustelle ist: kammerflimmer kollektief wird immer romantischer, scheint mir zumindest. dazu passt, dass das format irgendwie popiger, hörerfreundlicher wirkt: beim ersten hören scheint mir das deutlich mehr am „normalen“ popsong orientiert als die älteren alben. natürlich ist das kein mainstream, dafür ist das trio einerseits zu verspielt, andererseits zu konsequent im stimmungsbau. denn das ist bezeichnend für sie – und wirkt bei mir romantisch: die mit wenigen strichen gemalten stimmungsbilder, die zartheit der stimmen, die fragilität der klänge (zumindest der meisten). und natürlich ist die fast hemmungslose, nur hin und wieder gebrochene schönheit auch ein romantisches element.
mit spannung, unglaube und vorfreude sehe ich den letzten titel im tracklisting: „the people united will never be defeated“. und das kleindgedruckte weist tatsächlich sergio ortega & eduardo caraasco als komponisten aus, bei ihnen hieß das natürlich „el pueblo unido jamás serás vencidio“. wie soll das mit dem weich-plätschernden schönheitssound des kammerflimmer kollektief zusammenpassen? das ist schließlich eine art kampflied!
man erkennt es tatsächlich. aber machen tun die drei damit nicht viel: sie spielen es kurz an, tändeln ein wenig herun, und schon bricht das ganze wieder ab. besonders politisch scheint das also nicht gedacht zu sein …
irgendwie hat mit der „teufelskamin“ jetzt nicht besonders berührt: wieder nette, auch gute musik, stimmungsstark und feinsinnig – aber wenig bis nichts, was sich in mir festhakt, was bleiben will …
Kammerflimmer Kollektief: Teufelskamin. Staubgold analog 9. 2011.
und ein bisschn depressiv. oder zumindest resignativ. wenn man sich „mei zuastand“ anhört und das mit „im regen live“ (meiner meinung nach wohl seine beste veröffentlichung), dann läuft’s einem fast kalt den rücken hinunter: das ist ein ganz anderer mensch, offenbar nur noch ein rest des einstigen mannsbilds. gebrochen klingt er, schwerfällig fast, wie er sich mühevoll aufrafft, in gemächlichen tempi alte lieder zu singen – das ist schauerlich. vor allem wenn man noch das unbeugsame energiebündel im ohr und vor augen hat, das söllner einmal war, der sich schon aus prinzip mit allem und jedem angelegt hat. hat ihn die macht des staates (die war es ja vor allem, gegen die er kämpfend/schreiend/singend aufbegehrte) doch gebrochen? es mag fast so scheinen. richtig traurig ist das, wenn er so – ja, man muss es so sagen: so gezähmt lieder singt wie „für meine buam“, die vom aufstand singen, von unbeugsamkeit und prinzipienfestigkeit bis zum bittersten ende. die stimme ist jetzt brüchig und die aufnahme im kalt (man möcht hier fast sagen: seelenlos) klingenden studio – schön sauber, fein produziert, zart gespielt vom bayaman’sissdem – hilft da auch nicht (aber söllner war live schon immer besser). auch der reggae hat jede farbe und jedes strahlen verloren, ist löchrig geworden und blass, oft sogar fad klingt er nun, fast wie eine pflichübung manchmal, nicht mehr wie eine tiefe innerste überzeugung.
ein alterswerk ist „mei zuastand“, ohne zweifel. aber gebraucht, gebraucht hätte es das nicht … söllner zuzuhören, wie er sich im „wintertraum“ verliert („oin winter in mir, der koi ende mehr nimmt“ ) – ich kann mich nicht entscheiden, ob das traurig, folgerichtig oder einfach der lauf der dinge ist …
und dann noch das cover. das sieht söllner aus wie ein alter indianer-häuptling. bald wird er in weisen sprüchen und zungen zu uns reden, unser neuer gott. oder, wenn man ins digipack hinein schaut: söllner als der alte, der weise vom berge, der aus der ferne geruhsam beobachtet und scharf urteilt … – mit solchen klischees spielt nicht nur die verpackung, das atment auch die musik immer. und er wird uns bis zum – nicht mehr fernen – letzten atemzug ermahnen, jetzt doch mal endlich, endlich aufzustehen, mal was zu tun, gegen all die bösen, bösen missstände, und gegen die blöden und böser bolitiger mal so eine richtige revolution anzuzetteln und die macht der liebe zu entfesseln und das universum entscheiden lassen (ja, das ist dann halt söllners privatreligion. dafür muss man sich wahrscheinlich erst ein paar dutzend jahre bekiffen …). inhaltlich war das natürlich schon immer mehr oder weniger quatsch. aber jetzt klingt es leider auch noch so, als ob söllner das selbst so sähe – und dann hat das ganze natürlich überhaupt keinen sinn mehr.
hans söllner: mei zustand. trikont 2011.
„Es waltet ein Verhängnis über diesem Land und ich weiß genau, daß es nicht nur der Kapitalismus ist. Daß dieser bestialisch werden kann, hat keineswegs ökonomische Gründe allein. […]Ich erkenne nur ein allgemeines Schlamassel, und beinahe wäre mir am liebsten, es könnte noch so fortgewurstelt werden.“ (Siegfried Kracauer an Theodor W. Adorno, 28.8.1930)
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