Schlagwort: requiem

Dass das ewige Licht scheine: Rihms “Et Lux”

am 14. September 2015

Mit zunehmendem Alter wird so mancher (wieder) religiös — oder beschäftigt sich zumindest mit dem Tod. Bei Wolfgang Rihm lässt sich das schon seit einiger Zeit beobachten, die Hinwendung zu religiösen Themen und Musiken, wie in den „Vigilia“, dem Requim der Versöhnung oder der Lukaspassion („Deus passus“). Das 2009 uraufgeführte “Et Lux” passt genau in die Reihe. Nicht nur thematisch, sondern auch in der Art, wie sich Rihm den religiös-philosophischen Fragen nähert. Wieder ist das kein “echtes” Requiem, sondern eine subjektive, vorsichtige Annäherung an den Text des lateinischen Requiems. Der wird hier vierstimmig gesungen — oder auch nicht. Denn Rihm nimmt nur fragmentierte Teile — Wörter, Sätze, Begriffe – in die Partitur auf, die ihn offenbar besonders anregten. Die Lichtmetapher — der Titel verrät es ja schon — ist wesentlicher Teil, neben Libera me und Lacrimosa eines der Zentren dieser Musik, die man sich scheut, ein Requiem zu nennen.

Das ewige Licht also, als Verheißung und Drohung in Klang gesetzt. Ein großes, übergroßes Tongemälde hat Rihm dazu entworfen. Fast 62 Minuten nicht unterteilte Musik, in denen die vier gemischten Stimmen nur von einem Streichquartett begleitet werden. Das ist aber kein Historienschinken und auch kein repräsentatives Ölgemälde, sondern trotz ihrer enormen Dimension eine zarte Zeichnung auf großem Raum. An manchen Stellen wuchert der dunkle Schatten über die fragilen Linien, an anderen lässt sich eine feine Pastelltönung erkennen, wieder woanders leuchtend intensive Farben. Und immer wieder das daraus auftauchende beschworene Licht – in Wort und Klang.

Dabei ist „Et Lux“ eine zutiefst nachdenkliche, suchende und fragende Musik, ein Werk der bohrenden Sehnsucht: Wolfgang Rihm gibt keine Antworten (auch ein Grund, warum er nicht einfach ein „normales“ Requiem komponierte), er hilft den Hörern vielmehr beim Fragen. Und manchmal geht er auch ein paar Schritte voran ins Ungewisse.
Das achtstimmig besetzte Huelgas-Ensemble und Leitung Paul van Nevels und das famose, Rihm-erfahrene Minguet-Quartett unterstützen das mit weitgehend zurückhaltender Klanglichkeit, die statt Opulenz lieber Klarheit und Fragilität bevorzugt und damit einen wesentlichen Zug von „Et Lux“ sehr genau trifft. Ganz kontrolliert und überlegt gestalten sie die die langen, langsam entwickelten Linien, die für dieses Werk so wichtig sind, aus denen manchmal und ganz allmählich Konturen und einige wenige klangliche Eruptionen und intensive Gefühlsaufwallungen entstehen, die aber auch ins Leere verlaufen können.

Mit Präzision, kalkulierter Emotion und feinsten Klangfacetten bringen sie Rihms polyphone Textur damit immer wieder zum Strahlen. Ein bisschen schade ist allerdings, dass das Minguet-Quartett auf der Aufnahme trotz der gegenüber der Partitur verdoppelten Stimmen des Huelgas-Ensemble sehr präsent ist, so dass man den Text manchmal nur noch erahnen kann.

Wolfgang Rihm: Et Lux. Huelgas Ensemble, Minguet Quartet, Paul van Nevel. ECM 2015.

(Zuerst erschienen in der September-Ausgabe der “Chorzeit — Das Vokalmagazin”)

Mozart mit japanischer Disziplin: Masaaki Suzukis “Requiem”

von Matthias

am 5. März 2015

in musik

Nun also auch Masaaki Suzuki: Der Dirigent hat mit seinem Bach Collegium Japan jetzt auch den namensgebenden Bach und sein direktes Umfeld verlassen. Die großen Dirigenten der historisch informierten Aufführungspraxis machen das ja schon einige Zeit vor und sind inzwischen bereits im 20. Jahrhundert angelangt. Ganz so weit reist Suzuki in der Zeit nicht — aber bis Mozart hat er es inzwischen auch geschafft. Und sogar bis ganz an dessen Ende: Da steht das Requiem — so dicht am Tod, dass es unvollendet blieb.

Fertigstellungen des Fragments gibt es ohne Zahl, nur übertroffen von den Mythen, die sich um das Requiem und den Tod seines Schöpfers ranken. Masaaki Suzuki fügt dem für seine jetzt erschiene Aufnahme des Requiems eine eigene Vervollständigung hinzu — die aber wiederum sehr stark auf den bekannten Ergänzungen Franz Xaver Süßmayers beruht, sie hauptsächlich um kleine Änderungen in der Instrumentation fortschreibt sowie mit Joseph Eyblers Arbeiten ergänzt. Neu ist hier vor allem eine kurze Amen-Fuge am Ende der Sequenz, die Suzuki selbst auf der Basis einer Mozart-Skizze (die dem Requiem nicht eindeutig zugeordnet werden kann) gesetzt hat.

Und neu ist bei dieser Aufnahme vor allem der herrliche Klang des Bach Collegiums Japan, der Mozart bisher versagt blieb. Und da sie all ihre Vorzüge, zu denen an erster Stelle ihr disziplinierter, klarer und heller Klang mit deutlichster Artikulation gehört, auch bei Mozart einsetzen, wird das Requiem zu einem sehr reinen Vergnügen. Zumal Suzuki auch hier emotional sehr kontrolliert bleibt — es gibt zweifellos überschäumendere Aufnahmen — und auf pathetische Gesten oder aufsehen erregende Effekte ganz verzichtet. Die stringent leuchtende Klarheit, die er – und vor allem die Sänger des Bach Collegiums – dem Lacrimosa mitgeben: Das ist großartig. Denn die Hauptqualität seiner Aufnahme ist unbestreitbar: Man hört einfach alles, was in der Partitur passiert. Suzuki musiziert das Requiem mit einer schlanken Lebendigkeit und pointierter Platizität: Nichts scheint seiner Aufmerksamkeit zu entgehen, alle Teile erklingen in einer vibrierenden Ausgeglichenheit. Die Präzision der Artikulation und Phrasierung lassen auch die durchaus sehr zügigen Tempi ganz unproblematisch und natürlich erscheinen: Die Spannung bleibt über das gesamte Requiem hinweg hoch, ein Nachlassen kennt Suzuki kaum. Der feine, detailreiche Klang — an dem auch die um neutrale und genaue Abbildung bemühte Tontechnik von BIS großen Anteil hat — zeugt von akkurater Vorbereitung und präziser Ausführung, selbst in bewegten und turbulenten Sätzen wie dem Kyrie. Chor und Orchester — beides nicht sehr groß besetzt — befinden sich hier immer in wunderbarster Balance. In jedem Moment hat man den Eindruck, den ganzen, den reinen Mozart zu hören — und vergisst darüber gerne, dass hier gar nicht so viel vom Meister selbst erklingt. Auch die Solisten, allen voran die Sopranistin Carolyn Sampson, passen sich in dieses fein austarierte Klanggeschehen fugenlos ein, wie das fast opernhafte Recordare schon beim ersten Hören beweist. Ergänzt wird das formidable Requiem auf der vorliegenden SACD noch um eine energisch strahlende Aufnahme der “Vesperae solennes de confessore” (KV 339) aus Mozarts Salzburger Zeit.

Wolfgang Amadeus Mozart: Requiem d‑moll (KV 626), vervollständigt von Masaaki Suzuki; Vesperae solennes de confessore (KV 339). Carolyn Sampson, Marianne B. Kielland, Makoto Sakurada, Christian Immler, Bach Collegium Japan, Masaaki Suzuki. BIS 2091, 2014.

(zuerst erschienen in “Chorzeit — Das Vokalmagazin”, #13 Februar 2015)

Musikalischer Weltentrost

von Matthias

am 27. November 2012

in musik

Es war dann doch einiges mehr als „Trost für Trauernde”: Ralf Otto und der Bachchor trösteten gleich die ganze Menschheit. Genau die richtige Musik am Vorabend des Ewigkeitssonntages also. Was auf dem Papier etwas seltsam aussieht, funktioniert in der Christuskriche jedenfalls so gut, dass man sich fragt, warum noch niemand auf die Idee gekomen ist: Die Kombination des Brahmsschen “Deutschen Requiem” mit den “Canti di prigionia” von Luigi Dallapiccola.

Natürlich ist das ein Bruch — aber ein fruchtbarer. Brahms, den man so oft hört, erfährt durch die 70 Jahre jüngere Musik des Italieners eine neue Perspektive. Und umgekeht werden auch Dallapiccolas drei Gesänge für Chor und Schlagwerk anders wahrgenommen, wenn man sie mitten im reinen Wohlklang von Brahms hört. Denn das war es natürlich mal wieder: Reiner Wohlklang. Was anderes ist bei Ralf Otto und dem Bachchor nicht zu erwarten. Der Chor, noch verstärkt durch die jungen Stimmen der Choristen der Mainzer Musikhochschule, agiert klangbewusst wie immer . Aber auch klar und konzise , immer – selbst in den zurückgenommensten, leistesten Passagen, mit beeindruckender Präsenz und Deutlichkeit. Möglich war das vor allem, weil er nicht gegen ein Orchester ansingen muss: Denn Otto hatte für dieses Experiment das „Deutsche Requiem“ in der Version für zwei Klaviere mit Pauke (die einige ungeheuerlich eindrucksvolle Einsätze hat) ausgewählt — nicht, dass ein Orchester für den Massenchor ein Problem gewesen wäre. So können die Sänger aber immer entspannt bleiben, immer in — für einen Chor dieser Größe — sehr leisen bis mittleren Lautstärken singen. Das macht den Klang nicht nur locker, sondern lässt offenbar Kapizitäten frei, die der Klangvielfalt und dem Ausdruck zu gute kommen.

Otto sucht für seine Interpretation des Klassikers sehr deutliche Positionen, er baut die sieben Sätze alle um zentrale Worte und Motive herum . Und er scheut die Spreizung nicht: Langsame Abschnitt dehnt er schon mal sehr deutlich und gibt dafür an anderen Stellen spürbar Gas. Seine Solisten, die Sopranistin Julia Kleiter und der Bariton Jochen Kupfer, unterstützen ihn damit mit viel Kraft.
Und war dieses „Deutsche Requiem“ schon ein Lehrbeispiel für expressive Chormusik, so gilt das für Dallapiccolas „Canti“ noch stärker . 1939 im faschistischen Italien entstanden, sind sie mit ihren Texten berühmter Gefangener – Maria Stuart, Boethius und Savvonarola – und ihrer raffinierten Mischung tonaler und zwölftöniger Techniken ein frühes Exempel der engagierten Musik.

Und tatsächlich: Trost bietet diese Musik, ob sie nun von Brahms oder Dallapiccola stammt, nicht nur in ihren Texten, sondern auch in ihrem emotionalen Gehalt. Zumindest wenn man sie so raffiniert und mit Mut zu klaren Kanten aufführt wie Otto das kann. Trost, der aus dem Vertrauen geschöpft ist — in Gott und die Menschen, in die Ewigkeit und eine (bessere) Welt. Das kann man hören, in fast jeder Passage: Unverrückbar und unanfechtbar im Glauben, trotz aller Aufruhr und Anfechtung voller Gewissheit und Sicherheit, kreist diese große Ausdrucksmusik immer wieder um Trauer und Trost. Man muss sie nur so wörtlich nehmen wie Ralf Otto.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

brittens “war requiem” — politik und/oder musik

von Matthias

am 23. April 2009

in musik

Es hat sich einiges wunderbar gefügt für dieses Konzert: Zum Prolog für den diesjährigen Kultursommer Rheinland-Pfalz zeigte sich die Sonne schon sommerlich. Und es gab noch dazu einige Übereinstimmungen zur Uraufführung des „War Requiem“, die Benjamin Britten sicherlich gefreut hätten. Genau wie die europäische Zusammensetzung der Musiker: Chöre aus Frankreich, Deutschland und Polen nehmen sich gemeinsam mit dem Landesjugendorchester Rheinland-Pfalz unter Klaus Arp des Requiems an.

Genau wie 1962 in Coventry fand auch die Mainzer Aufführung im Rahmen der kleinen Tournee dieses Projektes, die von Frankreich über Rheinland-Pfalz nach Polen führt, in einem im Zweiten Weltkrieg zerstörten Gotteshaus, der Christuskirche, statt. Und genau wie damals stammen die Solisten aus verschiedenen Ländern – gut, statt aus Russland kommt die Sopranistin Justyna Bachowska aus Polen. Aber der Bariton Jens Hamann ist Deutscher, der Tenor Deryck Huw Webb Brite – genau wie vor über vierzig Jaren. Die Voraussetzungen waren also ziemlich gut und bereits sehr sybmolisch aufgeladen. Nur der Raum erwies sich, trotz seiner symbolischen Kraft, als nur mäßig geeignet. Akustisch war die Riesenbesetzung in der Christuskirche nämlich nicht besonders gut aufgehoben.

Klaus Arp tat aber trotzdem sein Bestes, aus Orchester und Chören eine klangliche Einheit zu formen. Und das Ergebnis konnte sich durchaus hören lassen. Das Jugendorchester spielte ausgesprochen diszipliniert und genau. Freilich ließ Arp auch niemand aus dem Blick: Seine Argusaugen und sein fordernder Dirigentenstab hatten die Musiker permanent voll unter Kontrolle. Auch die jugendlich klingenden Chöre: Neben dem heimischen Landesjugendchor und dem Kinderchor Maîtrise de Dijon, der sich stimmlich schon sehr erwachsen präsentierte, war noch der Kammerchor der Musikakademie aus Kattowitz dabei. Doch trotz der starken Besetzung blieb der Chor leider an Durchschlagskraft hinter den Erwartungen zurück – die Sänger hatten es oft schwer, gegen den satten Orchesterklang anzukommen. Dafür entschädigten sie mit ausgesprochen delikaten Feinheiten und zarten Pianissimi.

Zusammen mit den sehr sicher und überzeugend agierenden Solisten enstand so in der Christuskirche eine intensiv mahnende, von der Richtigkeit ihres Anliegens sehr überzeugte Aufführung des „War Requiems“. Und die ließ sowohl die kleinen Unzulänglichkeiten als auch die symbolische Überhöhung des Konzertes vergessen: Denn egal wer und wo und warum das „War Requiem“ aufführt – diese Komposition setzt ihr Programm des Pazifimus, der Trauer über allem Kriegsleid unbedingt durch. Erst recht, wenn sie mit so viel Engagement und Sachverstand musiziert wird wie hier.

(gechrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

franz lachner: requiem f‑moll op. 146

von Matthias

am 20. April 2008

in kritik, musik

Fast das ganze 19. Jahrhundert hat er durchlebt, von der Beethoven- und Schubert-Zeit bis zum Wagner-Wahn. Aber nicht nur biographisch ist Franz Lachner fest in diesem Zentenarium verankert. Auch seine Musik ist unbedingt, mit jeder Faser ihres Wesens, ihm verbunden. Dazu gehört auch die Verpflanzung der Kirchenmusik in den Konzertsaals: Sein Requiem f‑Moll op. 146 hat er ausschließlich außerhalb des Gotteshauses aufgeführt. Es ist auch unbedingt ein sinfonische gedachtes und grundiertes Werk – zugleich aber auch (noch) eine nachdenkliche, leise Totenfeier. Gerade diese Verbindung macht den Reiz des Requiems aus, das jetzt in einer Weltersteinspielung mit Chor und Orchester der Kammersolisten Augsburg unter Hermann Meyer vorliegt.

Die Musiker kehren allerdings die sachlichen, nüchternen Aspekte vielleicht etwas zu sehr hervor: Gerade Abschnitten wie dem grandios-mitreißenden „Dies irae“ fehlt es doch an Pathos und großer Geste. Dafür gibt es aber reichlich Entschädigung: Die Totenmesse hat in dieser Aufnahme viel Drive und schwungvolle Frische – jedes bisschen Schwulst wird mit dem Pathos eben auch radikal ausgemerzt. Chor und Solisten sind allesamt ausgesprochen solide Musiker. Nur scheint die Angst, sich dem Gefühl hinzugeben, eben manchmal überhand zu nehmen. Denn Lachners Requiem hat unendlich viele wunderschöne Stellen, die genau das erfordern: Viel Gefühl. Trotzdem hat auch diese Aufnahme wunderbare Seiten. Etwa das herrliche Lacrimosa mit den Figurationen der Solo-Viola: ein echtes Schmuckstück, ein reines Vergnügen. Oder das weit ausholende, himmlische ruhe verströmende Sanctus. Auch das ist hier, auf dieser CD, einfach herrlich anzuhören.

Franz Lachner: Requiem in f‑Moll op. 146. Kammersolisten Augsburg, Hermann Meyer. Carus 83.178 (CD/SACD)

(geschrieben für die Neue Chorzeit, Januar 2008)