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Ins Netz gegangen (15.6.)

von Matthias

am 15. Juni 2013

in medien

Ins Netz gegangen (11.6.–15.6.):

Peter Kurzeck zum Siebzigsten: Lebensplan bis zum Literaturnobelpreis — FAZ — Andreas Platthaus findet sehr emphatische Worte für seinen Geburtstagsgruß an Peter Kurzeck:
Es ist diese Liebe zur eigenen Geschichte, die Kurzeck zu einem Erzähler macht, der diese Bezeichnung wie kein Zweiter verdient.
Zum 70. Geburtstag: Ein Ständchen für Peter Kurzeck | hr-online.de — Ulrich Sonnenschein reiht sich für den hr in die Reihe der Gratulanten zu Peter Kurzecks 70. Geburtstag ein:
Nun wird er schon 70 und es gibt noch so viel zu erzählen. Von Peter Kurzecks großes Romanprojekt “Das alte Jahrhundert”, das in zwölf Büchern die letzten zwei Jahrzehnte des 20. Jahrhunderts aufbewahren soll, sind erst fünf erschienen. Und wer die Arbeitsweise von Peter Kurzeck kennt, schaut mit bangem Blick auf das Projekt und erkennt, dass es wahrscheinlich Fragment bleiben muss, so wie das Leben auch immer nur ein Fragment ist.
Verlage drosseln Taschenbuch-Produktion radikal — buchreport — Nicht nur die Telekom drosselt ihr Angebot, auch die Verlage sind dabei:
Ein so niedriger Novitätenpegel wie in diesem Juni wurde jedenfalls in den vergangenen 20 Jahren nicht gemessen.
Johannes Brahms’ Bremer Triumphlied: Verschollenes Werk wiederentdeckt -
Musikwissenschaftler der Universität Bremen haben das bislang verschollen geglaubte Notenmaterial der Uraufführung des Triumphliedes op. 55 von Johannes Brahms im Archiv der Philharmonischen Gesellschaft Bremen wiedergefunden. Anhand der historischen Abschriften der Chor- und Orchesterstimmen und im Vergleich zur bekannten, späteren Fassung des großangelegten Werks ist es Professor Ulrich Tadday und Katrin Bock gelungen, die Partitur der Uraufführung von 1871 vollständig zu rekonstruieren.
Das Ergebnis der mehrmonatigen Forschungsarbeit übertrifft alle Erwartungen der Wissenschaftler. Die Komposition unterscheidet sich so sehr von der bekannten, späteren Fassung, dass es gerechtfertigt ist, sie als eigenständiges Werk zu bezeichnen: Die Bremer Fassung des Triumphliedes.
Der Wortzerteiler — taz.de — Jörg Magenau in seinem ausführlichen Nachruf auf Walter Jens:
Jens sprach, um zu sprechen, und berauschte sich daran.

Musikalischer Weltentrost

von Matthias

am 27. November 2012

in musik

Es war dann doch einiges mehr als „Trost für Trauernde”: Ralf Otto und der Bachchor trösteten gleich die ganze Menschheit. Genau die richtige Musik am Vorabend des Ewigkeitssonntages also. Was auf dem Papier etwas seltsam aussieht, funktioniert in der Christuskriche jedenfalls so gut, dass man sich fragt, warum noch niemand auf die Idee gekomen ist: Die Kombination des Brahmsschen “Deutschen Requiem” mit den “Canti di prigionia” von Luigi Dallapiccola.

Natürlich ist das ein Bruch — aber ein fruchtbarer. Brahms, den man so oft hört, erfährt durch die 70 Jahre jüngere Musik des Italieners eine neue Perspektive. Und umgekeht werden auch Dallapiccolas drei Gesänge für Chor und Schlagwerk anders wahrgenommen, wenn man sie mitten im reinen Wohlklang von Brahms hört. Denn das war es natürlich mal wieder: Reiner Wohlklang. Was anderes ist bei Ralf Otto und dem Bachchor nicht zu erwarten. Der Chor, noch verstärkt durch die jungen Stimmen der Choristen der Mainzer Musikhochschule, agiert klangbewusst wie immer . Aber auch klar und konzise , immer – selbst in den zurückgenommensten, leistesten Passagen, mit beeindruckender Präsenz und Deutlichkeit. Möglich war das vor allem, weil er nicht gegen ein Orchester ansingen muss: Denn Otto hatte für dieses Experiment das „Deutsche Requiem“ in der Version für zwei Klaviere mit Pauke (die einige ungeheuerlich eindrucksvolle Einsätze hat) ausgewählt — nicht, dass ein Orchester für den Massenchor ein Problem gewesen wäre. So können die Sänger aber immer entspannt bleiben, immer in — für einen Chor dieser Größe — sehr leisen bis mittleren Lautstärken singen. Das macht den Klang nicht nur locker, sondern lässt offenbar Kapizitäten frei, die der Klangvielfalt und dem Ausdruck zu gute kommen.

Otto sucht für seine Interpretation des Klassikers sehr deutliche Positionen, er baut die sieben Sätze alle um zentrale Worte und Motive herum . Und er scheut die Spreizung nicht: Langsame Abschnitt dehnt er schon mal sehr deutlich und gibt dafür an anderen Stellen spürbar Gas. Seine Solisten, die Sopranistin Julia Kleiter und der Bariton Jochen Kupfer, unterstützen ihn damit mit viel Kraft.
Und war dieses „Deutsche Requiem“ schon ein Lehrbeispiel für expressive Chormusik, so gilt das für Dallapiccolas „Canti“ noch stärker . 1939 im faschistischen Italien entstanden, sind sie mit ihren Texten berühmter Gefangener – Maria Stuart, Boethius und Savvonarola – und ihrer raffinierten Mischung tonaler und zwölftöniger Techniken ein frühes Exempel der engagierten Musik.

Und tatsächlich: Trost bietet diese Musik, ob sie nun von Brahms oder Dallapiccola stammt, nicht nur in ihren Texten, sondern auch in ihrem emotionalen Gehalt. Zumindest wenn man sie so raffiniert und mit Mut zu klaren Kanten aufführt wie Otto das kann. Trost, der aus dem Vertrauen geschöpft ist — in Gott und die Menschen, in die Ewigkeit und eine (bessere) Welt. Das kann man hören, in fast jeder Passage: Unverrückbar und unanfechtbar im Glauben, trotz aller Aufruhr und Anfechtung voller Gewissheit und Sicherheit, kreist diese große Ausdrucksmusik immer wieder um Trauer und Trost. Man muss sie nur so wörtlich nehmen wie Ralf Otto.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

Taglied 3.9.2012

von Matthias

am 3. September 2012

in kleinkram

Thomas Allen, Schubert-Lieder (Brahms-Orchester-Bearbeitung)

Thomas Allen sings Schubert’s “Gruppe aus dem Tartarus” and “Memnon” (arr. by Brahms)

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Taglied 2.9.2012

von Matthias

am 2. September 2012

in kleinkram

Brahms, 2. Klavierkonzert, mit Claudio Arrau und dem Philharmonia Orchestra London unter Carlo Maria Guilini, 1964:

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Johannes Brahms — 2. Klavierkonzert B Dur op.83 — III. Andante [1/2] — Claudio Arrau

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Kammermusik-Karrieren

von Matthias

am 30. November 2011

in musik

Ein Konzert, das „Karrieren“ überschrieben ist, gehört sicher nicht zum Alltag. Auch bei der Villa Musica nicht. Zum 25jährigen Jubiläum der Stiftung haben die „Freunde der Villa Musica“, der Unterstützerverein, jetzt aber ehemalige Stipendiaten der Villa Musica eingeladen, zurückzukehren – jetzt, wo sie alle Karriere gemacht haben. Die mittlerweile arrivierten Künstler sollen sich musikalisch präsentieren und im Gespräch mit Barbara Harnischfeger, der Vorsitzenden des Freundesvereins, vom Einfluss und Wert der Kammermusik für ein Musikerleben erzählen.

Erste Station war Mainz – und wieder mit außergewöhnlichem Programm. Schon wegen der Besetzung: Oboe, Klarinette und Klavier kommen in dieser Weise nicht so oft zusammen. Aber natürlich gibt es auch für diese Formation Musik. Zum Beispiel das Trio von Edouard Destenay, einem Zeitgenossen von unter anderem Claude Debussy, der aber inzwischen ziemlich gründlich vergessen wurde. In der Villa Musica erklingt das als geschmeidige, kraftvoll-bodenständige Musik. Besonders die schönen Trialoge und Zwiegespräche zwischen den Instrumenten fallen auf: Vor allem Oboist Kai Frömbgen und Klarinettistin Kerstn Grötsch führen immer wieder angeregte Konversationen – ein frisch gespielte, ansteckend gut gelaunte Musik.

Das Karrieren-Konzert war aber auch darüber hinaus ein schönes Beispiel für das Erfolgsrezept der Villa Musica beim Publikum und bei Musikern: Die Mischung von unbekannter und vertrauter Musik, auf hohem Niveau von neugierigen, spielfreudigen Musikern vorgetragen, die sich in fast jedem Programm findet. Zum Bekannten gehörte dieses Mal die zweite Klarinettensonate von Johannes Brahms, eines seiner wunderbaren absoluten Spätwerke. Kerstin Grötsch und Oliver Triendl ließen der Musik ganz viel Raum zur Entfaltung: Sorgsam bemüht, die feine Struktur der Sonate zu zeigen und den emotionalen Gehalt lebendig werden zu lassen. Über weite Strecken ist das dann einfach wunderbare Musik zum Loslassen.

Emotional sind Jörg Widmanns „Intermezzi“ auch, das Loslassen verbietet sich bei ihnen aber vollkommen. Oliver Triendl spielte diese oft düsteren, sehr effektvoll die ganze Klaviatur ausnutzenden kurzen und längeren romantisch verklärten Seelenmusiken in ihrer deutschen Erstaufführung mit großer Sorgfalt, aber mit noch größerer Emphase: Wenn das wirklich ein Spiegel der Seele des Komponisten ist, wie der Pianist andeutete, dann verheißt das wenig Gutes. Die Düsternis überwiegt hier stark, Licht und Trost sind nur in Andeutungen zu finden. Selbst ein „Wiegenlied“ endet dabei in Gewalt, Chaos und Umsturz, in wilden Eruptionen donnernder Klaviertöne. Damit wurde dieses Konzert auch zu einem Beispiel für die Vielfalt der Kammermusik – die ist schließlich, wie es Kerstin Grötsch auf den Punkt brachte, „die Würze im Musikerleben.“

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Große Messe und große Interpretation

von Matthias

am 7. Oktober 2011

in musik

Die vielen Kisten und Instrumentenkoffer des Orchesters stehen noch im Eingangsraum – die Christuskirche ist eben keine Konzerthalle. Auch im Kircheninneren ist es voll, schon der Bachchor und der unterstützende Chor der Musikhochschule brauchen einigen Platz, dazu dann noch die üppig besetze Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz. Aber für das Publikum ist noch genügend Platz. Zum Glück. Denn der ganze Aufwand der fast zweihundert Musiker ist ja kein Selbstzweck. Und Anton Bruckners dritte Messe in f‑Moll, das Hauptwerk des Konzertes am Tag der Deutschen Einheit, sorgt dafür, dass die Christuskirche auch akustisch gut gefüllt wird.

Aber die Fülle des Klangs wurde nie drückend, der machtvolle Klangapparat – und Bruckner nutzt den durchaus ausgiebig – beschert dem Publikum keinswegs eine beschwerliche Enge. Ganz im Gegenteil. Der prägendste Eindruck nicht nur bei der Bruckner-Messe, sondern auch schon in der Altrhapsodie von Johannes Brahms, war die feine Ausgestaltung aller Klänge. Und das ist ein unbedingtes Verdienst Ralf Ottos. Ein wirklich großes noch dazu. Die geradezu verrückt wirkende Detailgenauigkeit in Chor und Orchester geht nämlich mit einer ungeahnten Offenheit der Brucknerschen Musik einher. Was da an Vorbereitung dahinter stecken muss!

Erstaunlich intim klingt die größte Messe Bruckner in der Christuskirche. Das ist nicht gerade kammermusikalisch, aber trotz der teilweise mächtig geschichten Chor- und Orchesterklänge – irgendwie muss Bruckner ja noch zu erkennen sein – doch immer ganz direkte Musik, die sich nicht nur dem unbedingten Glauben ihres Schöpfers verdankt, sondern diese felsenfeste Gewissheit auch weitergeben kann – ohne zu verhehlen, dass vieles anders sein könnte. Der gern mal auftrumpfende, besserwisserische Bruckner kommt hier nicht zum Klingen. Ob es nun die berückende Innigkeit des Gloria ist oder die großartig ausgeformten Kontraste des Credo: Überall in dieser Messe herrscht ein lebendig-atmender Klang, der vor allem eine Geborgenheit in überlegter Gestaltung vermittelt, die sich den Rausch immer wieder versagt – und so vieles überhaupt erst zu erkennen gibt.

Der Bachchor singt das wie ein gebändigter Tiger: Voller Kraft, mit pulsierender Wildheit und natürlichem Instinkt, die aber ganz dem Willen des Dirigenten-Dompteurs Otto unterworfen sind und – ohne gebrochen zu weden, ohne an Ausstrahlung zu verlieren – zivilisiert wurden. Das ist immer ein schmaler Grat zwischen banalem Klangrausch und gefühlsduseligem Kitsch, den Bruckner im Idealfall von seinen Dirigenten verlangt. Und noch dazu technisch nicht ohne Tücken. Otto wandelt sicher – und führt das Publikum so nicht nur zum Erleben, sondern zum ganz neuen Kennenlernen dieser großen Messe.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Es ist vollbracht: Gardiners Brahms-Aufnahmen

von Matthias

am 11. April 2011

in musik

John Eliot Gardiner hat eine Vorliebe für große und ungewöhnliche Projekte. Nach der Bach-Pilgrimage hat er sich inzwischen einem anderen großen B zugewendet: Brahms und seinen Sinfonien. Dessen vier Symphonien reichen aber nicht, das war dem Dirigenten offenbar zu wenig. Also hat Gardiner für seine Live-Aufnahmen noch große Chorwerke hinzugefügt — vorn Brahms, seinen Zeitgenossen, aber auch von ganz alten Meistern wie Gabrieli, Schütz und Bach. Er will damit vor allem die Vokaltät der Brahmsschen Orchesterwerke hervorheben. Inzwischen ist er damit auch fertig: Vier wunderschön klingende und auch schön anzuschauende CDs sind es geworden, die er mit “seinem” Orchester, dem Orchestre Révolutionnaie et Romantique, und dem Monteverdi-Choir eingespielt hat und auf seinem eignen Label Soli Deo Gloria veröffentlicht hat (vgl. Neue Chorzeit xx/xx).

Die dritte Symphonie wird ausschließlich von Chorwerken des Meisters selbst gerahmt. Vor allem der „Gesang der Parzen” und die „Nänie” stechen positiv hervor: Mit Augenmaß lässt Gardiner den Monteverdi-Choir sowohl den dramatischen Gestus als auch feine Details der Textausdeutung realisieren.

Auch die vierte CD dieser Reihe fängt ganz ausgesprochen dramatisch an, mit Beethovens Coriolan-Ouvertüre. Und geht dann auch so weiter . Geschmeidig und diszipliniert zugleich ist Gardiners Interpretation aller vier Symphonien, die schwungvoll die Dramatik der Partitur weckt, ohne je bemüht zu wirken. Genauso natürlich und ganz entspannt selbstverständlich (darin wirken diese Aufnahmen fast klassisch) lässt er den Monteverdi-Choir auch die Vokalwerke singen. Selbst die etwas spröderen Brahmsschen „Fest- und Gedenksprüche” fließen bei ihm ganz harmonisch aus den Lautsprechern. Nicht nur hier, auch bei den ausgewählten Chorsätzen von Giovanni Gabrieli, Heinrich Schütz und Johann Sebastian Bach, zeichnen sich diese Aufnahmen immer durch eine angenehme Kombination aus Freude an der Detailgenauigkeit und großzügiger klanglicher Gestaltung aus.

Ob die unmittelbare Nachbarschaft der großen Vokalwerke die Symphonien nun wirklich in einem ganz anderen Licht erscheinen lässt, ist eigentlich egal. Jedenfalls gelingen Gardiner alle vier in vorzüglicher Weise. Und wenn es dazu noch interessante Chormusik gibt — umso besser.

(geschrieben für die Neue Chorzeit.)

Meisterhafte Meisterwerke im Meisterkonzert

von Matthias

am 16. März 2011

in musik

Selten war wohl eine Konzertpause so notwendig wie bei diesem Meistkonzert. Denn nicht nur waren in der Rheingoldhalle größere Umbauten auf der Bühne und das Nachstimmen des Flügels notwendig. Nein, vor allem waren das eigentlich zwei eigene Konzerte, die von der Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz unter Karl-Heinz Steffens hier im Doppelpack angeboten wurden.

Zunächst also zwei Ballett-Musiken: Mit dem Klassiker „Prélude de l’après-midi d’un faune” von Claude Debussy eröffnete das Ludwigshafener Orchester der Abend. Dirigent Steffens wählte einen vorsichtigen, zurückgenommen Zugang: Zart entfaltet sich schon das initiale Flötenthema, und sacht, manchmal etwas stockend, dann aber wieder deutlich treibend entwickelt er die impressionistische Klangschilderung sehr behutsam. Als Fortsetzung der Entwicklung der modernen Ballettmusik sehr logisch folgte dieser Naturidylle Bela Bartóks Musik für die Tanzpantomine „Der wunderbare Mandarin”. Die ließ Steffens deutlich offener und fordernd-drägneder musizieren – anderes wäre bei dieser Musik auch widernatürlich.

Grandios wurde es in der Rheingoldhalle aber erst nach der Pause. Entgegen den üblichen Konzertgewohnheiten kam das Solistenkonzert nämlich zum Schluss – mit gutem Grund. Zum einen ist Brahms’ B‑Dur-Klavierkonzert mit ungefähr 45 Minuten schon recht lang. Zum anderen kann man danach kaum noch sinnvoll andere Musik machen. Zumindest, wenn man es so wie Antti Siirala spielt, mit vollem Einsatz, auf Leben und Tod quasi. Da passt dann auch keine Zugabe mehr, obwohl der Saal danach gierte. Aber das war die richtige Entscheidung – alles hätte den Eindruck dieser großen Interpretation höchstens geschmälert. Denn Siirala und Steffens fanden hier wunderbare Wege, die gesamte Vielfalt des Konzertes voll auszuschöpfen. Sie weigerten sich einfach – und sehr konsequent -, sich auf einen einzigen Standort zu begeben. Ständig wechselten sie die Perspektive, zoomten von großen Gesten bis in feinste Details

Siirala kann sich diese ungeheure Vielgestaltigkeit leisten, weil er als Pianist vielseitig genug ist. Sein kerniges, deutlich akzentuiertes Spiel kann phasenweise auch ganz weich und sanft tönen. Immer bleibt er aber ausgesprochen agil – nicht ohne Grund sitzt er wie sprungbereit nur auf der vordersten Kante seiner Klavierbank. Und diese konzentrierte Aufmerksamkeit für alle Aspekte der Partitur ermöglicht zwar nicht immer völlig schlüssige Entwicklungen, aber auf jeden Fall eine Fülle faszinierender Momente, und genial spannend erscheinender Passagen – die dann selbst den Dirigenten immer wieder ganz verblüfft zu seinem Pianisten blicken lassen.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

brahms mal anders. aber ganz anders.

von Matthias

am 12. Februar 2010

in medien, musik

Ein ganz normales Orchesterkonzert im Staatstheater: Etwas von Carl Maria von Weber, dann das Violinkonzert von Felix Mendelssohn Bartholdy und am Schluss noch die erste Sinfonie von Brahms. Aber irgend etwas ist anders heute – die Musiker sind alle so jung, den Solisten eingeschlossen. Ach so, das ist das Abschlusskonzert der Musikhochschule – das erklärt natürlich die radikale Verjüngung. Nicht aber die professionelle Souveränität, mit der das Orchester hier im Kleinen Haus spielt. Denn das Programm und das Dirigat Wolfram Koloseus’ waren alles andere als ein Schonprogramm.

Am Beginn stand also Musik von Carl Maria von Weber: Die Ouvertüre und zwei Szenen aus dem Freischütz genau gesagt. Das war eine etwas seltsame Erfahrung. Mysteriös gespenstig entfaltete Schauerromantik im Orchester und szenische Andeutungen der jungen Sänger. Klanglich fein abgeschmeckt und auch auf authentische Wirkung ausgerichtet mit den Natur-Blechblasinstrumenten und dem vibrierenden Grundrhythmus. Aber dann brechen die elektronisch verstärkten und auch verfremdeten Singstimmen in die feinsinnige Klangwelt ein – das muss man wohl nicht verstehen. Doch sehr dramatisch ist das alles, vor allem die Wolfsschlucht-Szene mit Danilo Tepsa, Calin Cozma und Florian Küppers.

Mit sehr viel Freude am virtuosen Spiel stürzt sich Igor Tsinman dann in Mendelssohn Bartholdys Violinkonzert in e‑Moll. Er kann sich das aber auch leisten, sicherer Techniker er er ist.

Klar und dicht, in den meisten Teilen sehr unsentimental spielt er – das ist einfach Musik pur, mal wild, mal gedankenverloren träumend. Aber immer jugendlich unbekümmert. Schade nur, dass die robuste Prägnanz des Solisten das fließend begleitende Orchester ganz unverdient in den Hintergrund drängt.

Das kan dafür noch mit der abschließenden ersten Sinfonie von Johannes Brahms ganz alleine brillieren. Das erregte Pulsieren des Anfang setzt sich hier unentwegt fort, im nervösen Hin und Her, in der Unruhe der ständigen Bewegung und der permanenten Unsicherheit der unausgesetzten Hinterfragung aller Positionen und Werte. So, wie Wolfram Koloseus das hier entwickelt, klingt das viel moderner und gegenwärtiger, richtiggehend dekonstruktivistisch eigentlich, als gewöhnlich bei Brahms. Diese Haltung setzt sich dann durch die ganze Sinfonie hindurch fort. So richtig aufblühen kann sie dadurch nie. Auch wenn sich das Orchester redliche Mühe gibt und mit erstaunlicher Klangkultur und großem Engagement durchaus einige Teilerfolge erlangen kann, bleibt es befremdlich. Das Tempo dieser fiebrigen Hast ist immer sehr bemüht und wirkt mehr konstruiert als empfunden. Insgesamt gibt das dann eine oft dämonische, bis zum Wahnsinn aufgetürmt rasende und zerfetzte Sinfonie – eine echte Überraschung.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

wieder neu: brahms sinfonien und chorwerke

von Matthias

am 6. Juli 2009

in kritik, musik

Es ist schon eine kühne Idee und fast eine Steilvorlage für den Kritiker: John Eliot Gardiner will Brahms noch einmal „neu“ entdecken – und diesmal richtig. Vielleicht muss man so selbstbewusst wie Gardiner sein, um dieser Musik gerecht zu werden. Denn das wird er in fast beängstigender Weise. Da bleibt einfch nichts mehr zu kritisieren.

Alle vier Sinfonien hat er sich vorgenommen. Und er ergänzt sie mit großen Chorwerken von Brahms selbst oder aus seinem Umfeld. Das heißt für die ersten beiden, bereits erschienen CDs (die restlichen zwei folgen im Laufe des nächsten Jahres): Das Schicksalslied, der Begräbnisgesang, die Alt-Rhapsodie umrahmen die Sinfonien 1 und 2, dazu kommt noch Mendelssohn Bartholdys „Mitten wir im Leben sind“ und Schuberts „Gesang der Geister über den Wassern“ sowie zwei von Brahms für Chor und Orchester arrangierte Schubert-Lieder. Die Interpreten sind alte Vertraute Gardiners: Das Orchestre Révolutionnaire et Romantique sorgt mit seiner hohen interpretatorischen und technischen Kompetenz im Umgang mit historischen Instrumenten für den faszinierend durchsichtigen und farbenreichen Orchesterklang, der Monteverdi-Choir für die vokale Präzision und klangliche Wucht, die Gardiner zu bevorzugen scheint.

Denn Gardiner ist nicht nur ein Musiker, der sein Tun sehr genau bedenkt. Sondern auch ein großartiger Dramatiker – auch wenn er das meist im schlanken und flexiblen Gestus seiner Interpretationen versteckt. Nach der Halbzeit ist klar, was man von diesem Projekt erwarten darf: Vieles. Vielleicht sogar alles. Die Sinfonien: Prächtig, lebendig, ungeheuer vital auf der einen Seite, aber auch verflixt ernst, bewusst und genau – als wüsste die Musik selbst um ihren Stellenwert in der Musikgeschichte.

Und die Chormusik: Durchweg auf höchstem Niveau. Gut, der Monteverdi-Choir lässt ab und an einen leichten englischen Akzent aufblitzen. Das ist aber auch schon der einzige Vorwurf, den man ihm machen kann. Die oft im besten Sinne theatralische Dramatik, die Weite des Spektrums, die ihm in klanglichem Ausdruck und Dynamik zur Verfügung steht, die Beweglichkeit des Chores auch im großen Klangvolumen – das alles formt sich unter Gardiners Hand zu fantastischen, unmittelbar mitreißenden und nachhaltig beeindruckenden Musik.

Ob das die Brahms-Sicht wirklich ändert? Auf jeden Fall bringt es die Beteiligten dazu, diese Werke noch einmal so „neu“ aufzuführen, als wäre die Tinte in der Partitur erst gestern trocken geworden.

(geschrieben für die neue chorzeit)