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Unbekanntes zum Anfang

Am 28. Oktober 2011

Es klingt, als sei die Tinte auf dem Notenpapier gerade erst getrocknet. Nicht, dass Carl Reinecke so avantgardistisch komponiert hätte oder gar seiner Zeit voraus gewesen wäre. Schon seinen Zeitgenossen fiel auf, dass er sich gerne an Formen vergangener Zeiten orientierte. Aber trotz seines großen Ruhms im 19. und beginnenden 20. Jahrhundert – heute kennen nur wenige Spezialisten mehr als ein, zwei Werke aus der Feder des langjährigen Leiters des Leizpiger Gewandhausorchesters.

Seine Cellosonaten sind meistens nicht dabei – aus ganz banalen Gründen: Bis vor kurzem waren nicht einmal die Noten dafür greifbar. Der Mainzer Cello-Professor Manuel Fischer-Dieskau änderte das – und spielte die drei Sonaten gleich noch auf CD ein. Beim Semestereröffnungskonzert der Mainzer Musikhochschule hat er die erste Sonate, ein frühes Werk Reineckes, auch live vorgestellt. Und das war ein wirklicher Genuss, der eben ganz frisch, lebendig und unverbraucht klingt. Fischer-Dieskau und Pianist Kirill Krotov spielen Reineckes melodieselige Sonate freudig aber mit kernigem Klang – und haben sichtlich Spaß daran. Und Vergnügen hat auch das Publikum im gut gefüllten Roten Saal der Musikhochschule.
Vieles in Reineckes Kammermusik ist zunächst einfach mal schön, manchmal auch etwas sentimal:

Gute Melodiefindung und ausgesuchte Raffinesse der Stimmungen zeichnen ihn aus, formal ist er deutlich an Modellen der Klassik orientiert. Eine Mischung, die immer etwas einer heilen Welt beschwört: Eintracht, Harmonie und gebildete Gefälligkeit sind nicht nur in den Cellosonaten zu hören, sondern auch in den Flötensonaten. Am bekanntesten – wenn man von Bekanntheit sprechen mag – ist die „Undine“-Sonate, die sich ein bisschen der Programmmusik annährt. Flötist Dejan Gavric mit Maria Ollikainen am Klavier sausen da keck hindurch, lassen unzählige Erregungen aufwallen und große Gefühle aufbrechen: Ein virtuoser Einbruch der ungezähmten Fantasie, die die heile Welt zwar nicht aus den Fugen wirft, aber doch etwas zum Wackeln bringt.
Das Quintett für Klavier und Streichquartett geht einen anderen Weg: Zwar lässt Reinecke auch hier seinen verschwenderischen Umgang mit musikalischem Material, gerne im rasanten Wirbel, hören. Neben der fast orchestralen Klangwirkung setzt er aber vor allem auf eine – mal mehr, mal wenigr deutliche – Kontrastierung von Klavier und Streichquartett. Das Konfliktpotenzial bleibt freilich bescheiden, inspiriert aber zu verschwenderischer Fülle. Und die wird von den Dozenten und Studenten ausgekostet: Mit dem richtigen Maß an Klarheit, um trotz des mächtigen Klanges nicht erdrückend zu wirken und viel Spielfreude führen sie das beisterte Publikum durch die Welt der unbekannten Kammermusik Carl Reineckes.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Stimmung und Kontrapunkt

Von Matthias

Am 21. August 2011

In musik

„Willkommen in unserer Sauna“ werden die Besucher des Mainzer Musiksommers in der Villa Musica begrüßt: Im Sommer heizt sich deren kleiner Konzertsaal kräftig auf. Aber so heiß wurde es dann gar nicht. Auch nicht musikalisch – das Duo Arp/Frantz blieb gelassen und ließ sich von den hohen Temperaturen nicht überwältigen.

Ein interessantes Programm haben die beiden jungen Musiker mitgebracht: Sie kontrastieren Werke für Cello und Klavier von Johann Sebastian Bach und Felix Mendelssohn Bartholdy. Das passt – immerhin war Mendelssohn Bartholdy ein großer Verehrer Bachs. Davon kann man aber an diesem Abend nur wenig hören. Denn den beiden Musikern geht es nicht darum, zu zeigen, wie geschickt der Romantiker kontrapunktisch arbeitet oder Reverenzen an die Musikgeschichte in seine Kammermusik einbaut. Sie wollen vor allem die Stimmung herbeiholen.

Das macht sich schon gleich zu Beginn, in den „Variations Concertantes“, einem knappen Jugendwerk des fast zwanzigjährigen Komponisten, bemerkbar. Julian Arp und Caspar Frantz spielen das als vergnügliche, kunstvoll gearbeitete Unterhaltung im kleinen Rahmen: Weich perlend verströmen die Variationen gute Laune und zeigen sich dabei als Musik, die nicht viel will – oder zu wollen scheint. Wesentlich deutlicher – und vielschichtiger – wird es aber in Mendelssohn Bartholdys zweiter Sonate für Violoncello und Klavier, in der das Duo die ganze Bandbreite der Gefühle ausschöpft.

Stimmungsvoll spielt das Duo auch zwei Sonaten von Bach. Was anderes bleibt ja auch kaum übrig, bei der doppelten Fehlbesetzung: Bach hat diese Sonaten der Gambe und dem Cembalo zugedacht, nicht dem Cello und Klavier. Dass es jetzt so ganz anders klingt, macht aber wenig. Vor allem bei der zweiten Sonate hat das die neue Klangpracht durchaus Vorteile. Vom zarten, vorsichten Beginn bis zum kraftvollen Ende entsteht dabei eine kleine Geschichte der Bewegung. Am Anfang noch ganz zurückhaltend, vorsichtig tastend die Fühler ausstreckend – ein Aufbruch ins Ungewisse. Das Duo bekommt aber bald Boden unter den Füßen, mit dem zweiten Satz wird der Schritt fest und zuversichtlich. Der dritter Satz erscheint dann als verträumtes Spazieren, fast ein Schlafwandeln, ein Schlendern ohne Ziel und Not. Der Schluss wiederum ist die höchste Form der Bewegung, ganz vom Nutzen befreit: Das Tanzen, neckisch, mit sicher gesetzten Pointen. Dabei sind Arp und Frantz nie effekthascherisch. Denn die Klangverbindung zwischen Cello und Klavier ist eng, fast symbiotisch. Man hört in beinahe jedem Moment, dass sie sich aus gutem Grund „Duo“ nennen: Sie müssen sich nicht einmal mehr ansehen, so gut wissen sie um die Reaktion des Partners. Und das hört man nicht nur in der technischen Souveränität, sondern auch im Gleichklang der Farben und Schattierungen.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Klassisches Sommerfest

Von Matthias

Am 1. August 2011

In musik

Die sonst so ruhige Jugendstilvilla auf der Bastei ist heute völlig verwandelt: Wo man auch hinschaut, überall findet man Menschen, hörende und diskutierende, junge und alte. Denn wenn die Villa Musica einmal im Jahr zum großen Sommerfest der Klassik einlädt, ihrem Tag der offenen Tür, dann kommen noch mehr als sonst. Obwohl auch die Konzerte nicht selten ausverkauft sind_„Das soll ja auch so bleiben“, erklärt Karl Böhmer, Geschäftsführer der Stiftung, „deshalb möchten wir uns ins Bewusstsein bringen.“ Das funktioniert offenbar gut, vom Kinderwagen bis zum Krückstock ist in und um die Villa Musica alles vertreten. Der Tag der offenen Tür, den die Stiftung seit 1993 jährlich anbietet, ist nämlich ganz wörtlich zu nehmen: Bei dieser Gelegenheit darf man das gesamte Gelände erkunden, unter anderem auch den schönen Garten des neben der Villa Musica stehenden Landegästehauses. Denn irgendwo muss es ja auch einen Moment Ruhe geben, um sich zu stärken.

Im Hof, zwischen den drei Villen, unter den hohen Kastanien, stehen zwar massenweise Klappstühle. Die sind aber selten frei und schon gar nicht für so profane Dinge wie Kaffee und Kuchen gedacht. Denn in der Mitte dieses Hofes steht die große Open-Air-Bühne, die so luftig ist, dass der frische Wind auch mal ungewollte Bewegung in die Notenblätter bringt: Schießlich darf die Kammermusik auch heute nicht fehlen, die Villa Musica ist ohne das einfach undenkbar. Deshalb gibt es zehn Stunden lang fast non-stop Musik aller Zeiten und aller Stile: 33 Instrumentalisten – wie immer sowohl Professoren als auch junge Stipendiaten – sind dafür im Einsatz. Und machen sich gegenseitig sogar Konkurrenz, denn nicht nur im Hof, sondern auch im „normalen“ Konzertsaal wird musiziert: Mit vielen Bläserensembles, aber auch auf der Gitarre oder ganz klassisch im Violinduo oder als Klavierquartett machen die jungen Musiker den Tag der offenen Tür gleich zum Kurzbildungsurlaub für die Besucher.

Und dafür versammelt sich hier eine Menschenansammlung, die trotz des ständigen Kommens und Gehens auffällig still und konzentriert ist: Eine respektvolle Gedämpftheit der Unterhaltungen und die leisen Bewegungen zeigen, wie sehr das bunt gemischte Programm geschätzt wird. Im Hof, den angrenzenden Gärten, selbst auf dem Balkon: Jede Sitzgelegenheit, und sei sie noch so unscheinbar, wird für das Lauschen in Beschlag genommen. Dabei ist noch nicht einmal besonders viel los: Der kühle Morgen ließ den Besucherstrom erst gegen Mittag ansteigen – da waren dann allerdings auf der Bastei nicht einmal mehr Fahrradstellplätze zu bekommen. „Besucherrekorde brechen wir heute keine, aber 2500 Besucher werden es wohl schon sein“, schätzt Karl Böhmer, und ist damit auch durchaus zufrieden.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Kreuz und quer durch die Musikgeschichte

Von Matthias

Am 21. März 2011

In musik

Von Mozart zu Šenderovas, dann noch einmal von Mahler zu Arensky (zurück ins tiefere 19. Jahrhundert): Das Konzert in der Villa Musica mit den Dozenten Kalle Randalu und David Geringas sowie einer Menge Stipendiaten findet keine Ruhe:

Größere Gegensätze sind kaum denkbar: Einerseits stehen Mozart und Mahler auf dem Programm. So hat die Villa Musica ihr Stipendiatenkonzert auch betitelt. Aber das reicht noch nicht für ein Konzert. Also kommen noch zwei Werke von Anatolijus Šenderovas und Anton Arensky dazu. Zwei halb oder gar nicht bekannte Kompositionen, die dann aber wesentlich spannender und interessanter waren als der Rest.

Denn Mozarts Klavierquartett in Es-Dur schien hier eher belanglos und als brav absolvierte Pflichtübung. Mahlers Quartettsatz immerhin kam breit ausgespielt und kraftvoll entschlossen mit großem Gestus daher – eindeutig als ein uneingelöstes Versprechen: Was hätte Gustav Mahler nicht auch für die Kammermusik leisten können, wenn er sich nicht auf orchestrale Großwerke beschränkt hätte. Das kurze Werk des jugendlichen Genies ist eine einzige Vorahnung auf Späteres. Und genau so, mit dem Wissen der späteren Entwicklung des Komponisten, spielten die die Stipendiaten um Kalle Randalu die einzige erhaltene Kammermusik Mahlers auch.

Im a‑Moll-Quartett des russischen Komponisten Anton Arensky läuft das Denken in die entgegengesetzte Richtung: In die Vergangenheit. Denn dieses Streichquartett in der unüblichen Besetzung mit Violine, Bratsche und zwei Celli ist von Arensky als Totenklage auf seinen Freund Tschaikowsky komponiert. Virtuos und weit ausholend beginnt es, spieltechnisch anspruchsvoll bleibt es auch in den Variationen über Thema von Tschaikowsky – ein berührender Satz, gründlich durchgearbeitet und getragen von der Dunkelheit des Abschiedes. Die drei Stipendiaten und Dozent David Geringas am Cello spielen das gleichermaßen wuchtig und athmosphärisch, folgen den elegischen Erinnerungen mit viel Klangsinn und Gespür für die machmal schmerzvolle, manchmal wehmütige und manchmal auch etwas verträumte Musik.

Athmosphärische und stimmungsvolle Klänge bietet auchdas zweite Klaviertrio des Litauers Anatolijus Šenderovas. 1984 komponiert, wie Arenskys Quartett in memoriam eines Freundes geschrieben, bietet es in moderne Tonsprache eine breite Ausdruckspalette. Und jungen Musiker widmen sich dem mit viel Hingabe und Konzentration und können die volle Vielfalt dieser Musik eindringlich beschwören. So entsteht, von den ersten Flageoletts als Bild der fahle Wirklichkeit über weite Kantilenen und harsch-dramatische Einbrüchen, aus dem sprachlosen Raum der Trauer und der Erinnerung eine echte Seelenmusik. Frei von formalen Zwängen, ganz dem Ausdruck verschrieben, setzt Senderovas der schalen Realität die mannigfaltigen Möglichkeiten der Kunst entgegen. Vielfalt ist eben immer wieder ein großer Gewinn. Und wenn sie nur dazu führt, unbekannte Musik zu entdecken.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Ein feines Streichquartett. Und ein Klavierquintett

Von Matthias

Am 6. März 2011

In musik

So etwas nennt man wohl „Romantik pur”: Die Villa Musica wählt nicht nur bei den Spielorten romantische Erlebnisse, sondern auch beim Konzertprogramm. Zumindest für die Eröffnung der „Musik in Burgen und Schlössern”. Das Eisler-Quartett setzte den Auftakt für die zwanzigste Spielzeit nämlich mit zwei wesentlichen Werken den Romantik: Dem e‑Moll-Streichquartett aus Opus 44 von Felix Mendelssohn Bartholdy und Antonín Dvořáks Klavierquintett in A‑Dur.

Mendelssohns Streichquartett ist schon deshalb eine gute Wahl, weil es fast in Mainz entstand – auf der Hochzeitsreise des jungen Musikers, inspiriert von den romantischen Landschaften des Rheins und seiner Städte. Die hierbei ausgedachte Musik gibt sich oft sehr zauberhaft, auch in ihren undurchdringlich scheinenden, verschleierten Formen. Dazu passt die beinahe undurchschaubare Entstehungsgeschichte, weil der Komponist immer und immer wieder geändert und verbessert hat.

Davon, von diesen Verwirrspielen, hört man in der Villa Musia vom Eisler-Quartett naturgemäß nichts. Was man aber hört, ist die Inspiration und die Lebensfreude ihres Schpfers. Das Berliner Quartett verliert sich allerdings nicht im romantischen Gefühlsreigen, sondern strebt hörbar nach Klarheit. Deshalb spielen sie die Mendelssohnsche Schöpfung auch mit dichtem Klang, ganz eng verwebt und mit sehr genau ausgearbeiteten Übergängen. Dabei klingen sie zugleich forsch, fast unbekümmert – aber auch das scheint nur so und verrät eher große Kunst als Nachlässigkeit.

Dvořáks Klavierquintett hat ebenfalls eine kuriose Entstehungsgeschichte: Entweder wollte er ein Jugendwerk verbessern oder konnte die alten Noten nicht finden – jedenfalls schrieb Dvořák kurzerhand in wenigen Tagen ein neues Quintett. Egal warum, das ist auf jeden Fall ein Glück für uns, weil sich das Eisler-Quartett nun mit Kallle Randalu am Klavier daran erfreuen kann. Und nicht nur bei den Musikern ist die Freude über das eigene Tun groß, auch beim Publikum.

Grund dafür gibt es mehr als genug: Wuchtig, aber nie schwerfällig, mit lebendiger Konzentration auf das Wesentliche demonstrieren sie kraftvoll, wie vielfältig Dvořáks Musik sein kann.

Traurig und heiter, locker und schwärmerisch, nachdenklich und ausgelassen – sie reizen die Palette der komponierten Emotionen weit aus. Und ihnen gelingt dabei ein kleines Kunststück, das gar nicht so klein ist: Sie schaffen es nämlich, ihr genau überlegtes Musizieren so klingen zu lassen, als ob sie die Partitur gerade vollkommen neu entdecken würden. Hier herrscht vom ersten Ton bis zum Schlussakkord eine unverstellte Lebendigkeit und freudige Bewegung vor. Genau von dieser inspirierenden Wirkung müssen auch die Romantiker geträumt haben.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

kammermusikalische europareise

Von Matthias

Am 9. Oktober 2009

In kritik, musik

so richtig habe ich den zusammenhang des programms ja nicht verstanden: haydn – hindemith – mendelssohn bartholdy: viel gemeinsamkeiten gibt es da nicht … ganz nett war’s aber trotzdem, das war ja zu erwarten in der villa musica ;-). also, los gehts:

Sanft weht die zarte Cellomelodie durch den Salon im ersten Stock, flutet durch das Treppenhaus und das ganze Anwesen, mitfühlend verfolgt von der Violine und zart untermalt von der Klavierstimme: Die Villa Musica ist aus dem Sommerschlaf erwacht.

Ganz angemessen geschieht das mit einem Konzert des hauseigenen Ensembles Ville Musica, also den routinierten Meistern der Kammermusik, die hier nicht nur ihre Erfahrung und ihr Wissen an junge Künstler weitergeben, sondern auch das Publikum an ihrem Können teilhaben lassen.

Das lässt sich gefallen. Denn aus der Sommerpause kommt das Ensemble, das ja nur lose gefügt ist und in verschiedenen Besetzungen arbeitet, mit frischem Élan zurück. Flott, fast unbekümmert, mit knackiger Frische und der ensembletypischen Mischung aus Genauigkeit und Lässigkeit, aus Gemeinsamkeit und individueller Überzeugungskraft an jedem Instrument lassen sie Haydns Klaviertrio Nr. 42 in C‑Dur, eines der späten Meisterwerke nach seiner zweiten Englandreise, sehr, sehr lebendig werden. Gewiss, eine Mindestdistanz bleibt immer spürbar, das kann man vor allem im Andante sehr gut merken, so ganz haben sie sich dieses Trio nicht zu eigen gemacht. Aber dann blitzt doch wieder der Schalk zwischen den Saiten hervor – zumindest einen kleinen, aber häufigen Erscheinungen.

Dieses frische Musizieren, die unverbrauchte Interpretation kann man auch in Paul Hindemiths Klarinettenquartett deutlich spüren. Forsch und tatendurstig stoßen die Vier hier ein ums andere Fenster in andere Welten auf, lassen Einblicke in Traum und Imagination zu, ermöglichen das unbeschwerte Schweifen im Reich der Vorstellung. Mit immer neuen, energischen Schüben sorgen sie dafür, dass jeder die Gelegenheit bekommt, diese Grenze zu überschreiten und hinüber zu schauen in die Welt der Kunst. Dazu mischen sie den pfiffigen Witz Hindemiths, seine weiten Melodien und schroffen Klangballungen mit großer Ausdauer und feinem Gespür für die wohlgeformte Dramaturgie. Und genau das macht Felix Mendelssohn Bartholdys erstes Klaviertrio am Schluss des Konzertes zum Hit des Abends. Denn das Konzertfinale gelingt dem Ensemble eindeutig am besten, am lebendigsten und intensivsten. Patrick Demenga lässt sein Cello hier noch einmal besonders weich und bestimmt brummen, Muriel Cantoreggi geigt auf- und herausfordernd, drängt spielerisch immer wieder voran. Und Yuka Imamine am Klavier gibt ihre feine Zurückhaltung wenigstens teilweise auf. Die Mittelsätze erzählen so zart und quirlig feingesponnene Elfengeschichten – typisch Mendelssohn Bartholdy eben. Und die Rahmensätze binden das in großer Offenheit, vom Ensemble Villa Musica mit Gespür für die richtige Dosis Größe und Majestät, klangliche Abrundung und lebendige Nuancierung realisiert, prächtig und klangvoll zusammen.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

oh, merry england!

Von Matthias

Am 4. August 2009

In kritik

Der arme Steven Devine. Der Cembalist muss am Schluss einen ziemlich steifen Hals gehabt haben. Denn mehr als in seine Noten blickte er beim Konzert in der Augustinerkirche zu seinen Ensemblekollegen von London Baroque. Und dafür musste er ständig schrägt über seine rechte Schulter schauen. Die Verrenkungen haben sich aber gelohnt. Zumindest für das Publikum, das so Erstklassiges zu hören bekam.

Die permanente visuelle Kommunikation des Quartetts, die nicht nur vom Cembalo ausging, sondern den Gambisten Charles Medlam genauso einbezog wie die beiden Geigerinnen Ingrid Seifert und Hannah Medlam, diese ständige gegenseitige Kontrolle und Vergewisserung der Gemeinsamkeiten führt zu einem starken, wunderbar konzentrierten Klangbild. Die Erfahrung aus über dreißig Jahren gemeinsamen Musizierens hilft da natürlich auch noch. Jedenfalls gab es einiges zu sehen: Nicht nur aufmerksame, hellwache und kommunikative Musiker, deren Blicke sich öfter kreuzten als ihre Melodien, sondern auch ganz viel Bewegung: Da tanzten die Bögen munter über die Saiten und die Finger wirbelten die Griffbretter hoch und runter – Langeweile hatte keine Chance in der Augustinerkirche.

Nur der Bach-Notenband auf dem Pult vor Devine blieb stummes, unbewegliches Requisit – ganz der englischen Musik hatten die Londoner sich gewidmet. Natürlich, würde man sagen, wüsste man nicht, dass die Londoner auch ganz ausgezeichnet deutsche und italienische Barockmusik spielen können. Aber davon gab es dieses Mal nur in der Zugabe eine klitzekleine Kostprobe.

Englische Musik des 17. Jahrhundert also – das ist vieles, was kaum noch jemand wirklich kennt: Kammermusik von Komponisten wie John Jenkins, Christopher Simpson, William Lawes oder Matthew Locke ist heute nicht mehr sehr verbreitet. Zu ihrer Zeit waren das in und um London aber alles ausgewiesene, geschätzte Meister. Die Formen reichen von empfindsamen Tanzsätzen – großartig etwa das Cembalosolo „A sad Pavan for these distracted times“, in der Thomas Tomkins die Wirren nach der Hinrichtung des Königs Charles in eine für das 17. Jahrhundert extrem emotionale Musik fasst – bis zur typischen englischen Gattung der Grounds. Von diesen freien Variationen über ein wiederholtes Bassthema hatte das Ensemble einige dabei, etwa Christopher Simpsons “Ground Divisions“, die dem Gambisten Charles Medlam viel Möglichkeiten gab, nicht nur seine Fingerfertigkeit, sondern auch seinen Einfallsreichtum vorzuführen.

Die abschließende Händel-Sonate – in England gilt George Frederic Handel ja genauso selbstverständlich als Engländer wie hier als Deutscher – allerdings war dann nicht mehr ganz so typisch englisch. Aber London Baroque ist kosmpolitisch genug, auch das zu meistern: Mit ihrer typischen Einfühlungskraft und der wunderbar wachsamen, reaktionsfreudigen Gemeinsamkeit ihres energischen Spiels machten sie sich Händel genauso zu eigen wie den Rest des Programms.

(gechrieben für die mainzer rhein-zeitung)