Schlagwort: georg friedrich händel

Wochenblog 3/2023

am 22. Januar 2023

Wenig zu berichten von dieser Woche. Wieder mal etwas viel gearbeitet, ungefähr 50 Stunden und damit nur leicht über dem Durchschnitt ;-). Dabei hatte ich wieder oft das Gefühl, nicht voranzukommen, nichts wirklich zu erledigen. Immerhin war auch einiges schönes dabei – ein Seminar, das so intensive diskutiert, dass ich mit meinem Programm nicht durchkam; ein Planungsmeeting, in dem es mal wirklich voranging.

Lebensmittelpreise sind gerade sehr, sehr seltsam. Bei Aldi zum Beispiel ist das Toastbrot der Eigenmarke in diesem Jahr von 99 Cent auf 1,59 Euro gestiegen, um dann zwei Wochen später bei 1,29 Euro zu landen. Sauerkraut ist im Biomarkt in Bioland-Qualität günstiger als beim Discounter. Irgendwie komme ich mir bei solcher Preisgestaltung zunehmend abgezockt und nicht ernst genommen vor. Nun ja, mal sehen, wie sich das alles weiter entwickelt.

Und am trüben Wochenende habe ich mal wieder ein wenig an meinen Blogs rumgebastelt, die Kompabilität mit php8 endlich geklärt, ein wenig am Design und den Einstellungen rumgeschraubt.

Ton: Eine wunderbare Händel-Aufnahme habe ich gehört: „Handel Goes Wild“ von L’Arpeggiata und Christina Pluhar. Das sind Improvisationen über Händel-Werke und improvisierende Interpretationen von Händel-Arien, die damit eine durchaus barocktypische Anverwandlung aufgreifen und das mit viel Spaß, Subtilität und Ideen so tun, dass das Hören mir echte Freude bereitete.
Und auch sehr gut und schön, wenn auch nicht ganz so überzeugend wie bei Christoph Prégardien: Franz Schuberts „Schwanengesang“ in der neuen Aufnahme von André Schuen und Daniel Heide.

Text: Das „Blutbuch“ von Kim de l’Horizon fertig gelesen. Es kommt mir ingesamt doch ein wenig prätentiös vor. Die verhandelten Themen sind eigentlich recht schnell klar, sie werden aber überdeckt von der wuchernden, ungeformten Form des Textes, der so ziemlich (beinahe) alle denkbaren Register zieht, um seine Avantgardität vorzuführen (ein bisschen Holzhammer-Methode). Ich musste da öfters an Baßlers These des Midcults (International Style) denken. So wie ich das verstanden habe (ohne seine eigentliche Arbeit zu lesen freilich), beobachtet er eine Variante der Literatur, die durch schwere Themen und ausgestellte formale Abweichung(en) eine Pseudo-Modernität, einen Pseudo-Kunstcharakter herstellt, aber eigentlich mit traditionellen Mitteln erzählt. Gut, das letzte passt auf das „Blutbuch“ vielleicht nicht so vollständig, aber mein Haupteinwand nach meiner vielleicht etwas ungenauen Lektüre ist, dass die Form des Textes, seine Struktur und seine Sprache, nur sehr dünn ästhetisch begründet sind und vor allem markieren sollen, wie avanciert der Text ist. Vielleicht ist das avancierteste hier aber doch bloß die Position der Erzählerfigur, des fiktiven Autors (die natürlich mehr oder weniger autofiktional durch die lebensweltliche Autorfigur Kim de l’Horizon abgesichert und verstärkt wirkd).

Draußen: Weiterhin täglich gelaufen, aber langsam und dafür immer nur kurze Runden. Keine gute Entwicklung gerade, aber die Motivation war auch nicht sehr hoch.

Messias mit angezogener Handbremse

von Matthias

am 23. Dezember 2013

in musik

Gut, dass es das moderne Urheberrecht vor 225 Jahren noch nicht gab. Sonst hätte sich Mozart womöglich nie getraut, Händels „Messiah“ zu bearbeiten. Oder Händels Erben hätten gar nicht genehmigt, dass da ein anderer Komponist die Instrumentation des Oratoriums ändert, die Arien umschreibt oder manches, was ursprünglich der Chor zu singen hatte, nun den Solisten anvertraut. Und das wäre schade gewesen, denn es hätte uns um die Mozart-Fassung des Händelschen „Messias“ gebracht.

So ein Cover ist natürlich gerade dann interessant, wenn das Original sowieso schon bekannt ist. Und das muss man für Händels berühmtestes Oratorium auch heute noch annehmen. Da ist eine Aufführungsvariante also eine angenehme Abwechslung: Man hört die bekannten Chöre – natürlich wird auch bei Mozart ein kräftiges „Halleluja“ gejubelt – und die vertrauten Arien, aber man hört auch etwas Neues, auch wenn Mozart die Partitur nur sehr behutsam modernisiert. Geändert ist vor allem die Instrumentation, die mit zusätzlichen Holzbläsern mehr Farbe ins Spiel bringt. Und neu klingen auch einige Arien. Oder zumindest weniger bekannt. Denn es ist ja nicht das erste Mal, dass der Bachchor mit der Ludwigshafener Staatsphilharmonie die Mozart-Fassung in der Christuskirche aufführt.

Zum ersten Mal geschieht das allerdings ohne Ralf Otto: Der erkrankte Chorleiter wurde kurzfristig durch Wolfram Koloseus ersetzt – immerhin ein erfahrener Mozart-Dirigent. Das wird in der Christuskirche aber nicht so recht deutlich. Vielleicht war die Vorbereitungszeit einfach zu kurz. Jedenfalls klingt das selten so, als wären Sänger, Instrumentalisten und Dirigent mit einander und dem Werk wirklich vertraut. Von Nummer zu Nummer hangeln sie sich, mal besser, mal etwas hakeliger. Aber über weite Teile bleibt der Eindruck, dass alle Beteiligten noch sehr in und an den Noten kleben – freies und lebendiges Musizieren ist das selten.

Ausgerechnet im ersten Teil, dem weihnachtlichen Teil des Oratoriums, wirkt dieser „Messias“ deshalb seltsam entrückt und fern: Das scheint die Musiker überhaupt nicht zu berühren. Manches von dieser großartigen Musik ist sogar richtig schlaff. Sicher, da sind durchaus ansprechende Momente dabei – aber gut versteckt in viel Mittelmaß. Auch die Solisten können das nicht retten: Klaus Mertens wirft seine langjährige Erfahrung ins Gewicht, die man der routinierten, aber durchaus pointierten Interpretation immer anhört. Tenor Christian Rathgeber singt dagegen auffallend jugendlich und frisch, aber manchmal auch etwas durchsetzungsschwach. Ähnliches ist in der Damenriege zu beobachten: Sopranistin Sarah Wegener kann mit klarer und subtiler Gestaltung überzeugen, wird manchmal – etwa in der Arie „Er weidet seine Herde“ auch richtig verführerisch, während die Mezzosopranistn Nohad Becker etwas unscheinbar bleibt.
Blass bleibt aber eben auch vieles vom Rest. Die Staatsphilharmonie klingt durchweg recht schroff, der Chor anfangs erstaunlich lustlos. Viele rhythmische und dynamische Akzente, die der sehr extroviert dirigierende Koloseus den Musikern und Sängern zu entlocken versucht, verschleifen und verpuffen wirkungslos. Immerhin bessert sich das zunehmend: Vor allem der Bachchor findet zur gewohnten Form, die hier sehr poliert und hell klingt. Gerade im zweiten Teil fängt das an, zu strahlen. Schade nur, dass dann ausgerechnet der Schlusschor, das alles bestätigende große „Amen“, wieder so übervorsichtig zaghaft klingt, als würden Chor und Orchester mit angezogener Handbremse musizieren.

Liebe, Götter und Musik: Händels „Semele“

von Matthias

am 29. Februar 2012

in musik

Komplizierter geht es kaum noch. Da ist Semele, die Tochter des Königs von Theben. Sie soll eigentlich Athamus heiraten, hat insgeheim aber ein Verhältnis mit dem Gott Jupiter. Dafür ist ihre Schwester Ino in den Bräutigam verliebt. Auch Juno, Apollo und einige andere Figuren aus Götter- und Menschenwelt mischen noch mit, bis Semele am Ende beim Versuch, selbst göttlich zu werden, stirbt und die restlichen Beteiligten ohne sie ihr Happy End erleben und feiern könne. Das Programmheft benötigt fünf Seiten für eine verständliche und hinreichend ausführlich Inhaltszusammenfassung. Und dabei ist das noch nicht einmal eine Oper – Händel hat seine „Semele“ ausdrücklich als Oratorium verstanden und auch so komponiert, trotz des Librettis. Das ist schon den Zeitgenossen aufgefallen, bei der Uraufführung bemerkt ein Freund Händels wenig freundlich: „Das ist kein Oratorium, sondern eine zotenhafte Oper, eine englische Oper, die Narren als Oratorium bezeichnen.“ Zum Glück hat sich diese Meinung nicht durchgesetzt. Oft zu hören ist die „Semele“ aber trotzdem nicht. Dank des Kollegs für Alte Musik, Barock vokal, das an der Mainzer Musikhochschule ein Weiterbildungsprogramm für junge Sänger und Sängerinnen anbietet, war die Geschichte von Semele jetzt in der Christuskirche zu erleben. Vor allem war die Musik zu hören – das es nicht um Handlung ging, macht schon ein erster Blick deutlich: Alle Beteiligten in strengem schwarz, in klassischer Oratorienform: Vorn die Solisten von Barock vokal, hinten der Chor der Musikhochschule, dazwischen das mit studentischer Verstärkung famos leicht und durchsichtig spielende Mainzer Bachorchester. Aber was den Augen fehlt, können die Ohren leicht ausgleichen. Denn alle der immerhin zehn Sänger und Sängerinnen um Elisabeth Scholl, die eine wunderbar klare, kontrollierte Semele singt, haben sich ihre Rolle genau erarbeitet.
Zusammengehalten und mit bewunderswerter Präzision in allen Details ausgemalt wird das von Ralf Otto, der aus dem künstlichen Beginn ein immer packenderes und mitreißenderes Drama entwickelt, das erst mit dem Schlusschor und Happy End Erleichterung bietet. Und das macht er so deutlich und so überzeugend schön, dass man dazu nicht einmal der Handlung in jedem Detail folgen können muss.

mrz.

Taglied 26.2.2012

von Matthias

am 27. Februar 2012

in kleinkram

Zwei klitzekleine Ausschnitte aus Händels wirklich überraschend schönem Oratorium „Semele“:

Cecilia Bartoli – Semele – No no, I’ll take no less

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Cecilia Bartoli – Semele – Endless pleasure, endless love

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Neujahrskonzert auf Barock

von Matthias

am 11. Januar 2012

in musik

Nein, ein Neujahrskonzert war das nicht: Keine Walzer gab es und auch keine große Abendgaderobe. Dafür war es schon eine Woche zu spät. Stattdessen gab es aber eine Menge große Musik: Mitten aus der Pracht des Barocks war das Programm des „Konzertes zum neuen Jahr“, das das Mainzer Staatstheater nun schon zum neunten Mal als Benefizkonzert für die Stiftung Mainzer Theaterkultur veranstaltete, geschöpft. Und die barocken Herrscher wussten, wie man die Musik zur öffentlichen Repräsentation benutzt, ob in der Oper, der Instrumentalmusik oder dem Oratorium. Von den offensichtlichen Beispielen der Musik für herrschaftliche Festakte ganz zu schweigen. In die letzte Kategorie fallen zum Beispiel die Krönungskantaten von Georg Friedrich Händel. Die dritte, „The King shall rejoice“, war im Großen Haus mit dem Staatstheater-Chor und dem Philharmonischen Staatsorchester zu hören. Andreas Hotz dirigierte das durchaus festiv, aber vor allem sehr maßvoll.
Doch Händel blickte nicht nur gütig-verschmitzt vom Programmheft, sondern steuerte auch die meiste Musik bei. Etwa die Feuerwerksmusik. Die ist, gerade bei solchen Konzerten, ja fast ein
unvermeidlicher Kracher. Und man könnte meinen, der jugendliche Überschwang, mit dem Andreas Hotz immer wieder auf die Bühne stürmt, schlüge sich nun auch in der Musik nieder. Und gerade hier, in diesem Hit. Das war dann aber kaum der Fall. Viel prägender war seine Eleganz. Die wurzelte in der Eleganz der Bewegungen des Dirigenten, die das Klangbild sehr stark bestimmten. Ohne Großspurigkeit oder Auftrumpfen kamen alle die instrumenatorischen Effekte daher, machten sich aber auch nie klein oder verstecken sich. Im Gegenteil: Der sauber gearbeitete Klang, der ohne gesuchte Extreme auskam, klang vollkommen selbstsicher und selbstverständlich. Die Pauken dröhnten, die Trompeten strahlten, die Streicher klangen satt, aber nie fett: Genau so kennt man das. Darin liegt, bei allem Maßhalten, durchaus eine gewisse Grandezza. Und klar wird auch: Das hat schon seinen Grund, warum Feuerwerksmusik immer wieder aufgeführt wird – auch wenn es nicht Händels raffinierteste Komposition ist.

Damit das Konzert aber noch etwas großartiger wurde, kamen auch noch drei Solisten auf die Bühne. Zum Beispiel die gut aufgelegte Tanjana Charalgina, die Vivaldis Wut des gerechten Zorns (in einer Motetten-Arie) ebenso heruntersausen ließ wie sie der großartigen Freude Händels (natürlich aus dem „Messias) vollendete Strahlkraft mitgab. Die Hauptlast trug aber eindeutig das Orchester. Und das trug sie sehr selbstverständlich. Nicht nur mit dem ganzen Händel-Potpourri, sondern auch mit deutschen und französischen Kollegen. Etwa dem berührenden Plainte von Telemann, einen instrumentalen Klagesang, von Hotz mit klaren Linien dirigerte und zwischen Solo-Oboe und Streichern harmonisch austarierte. Oder der farbenprächtigen Suite „Les Indes Galantes“ von Jean-Philippe Rameau, die er selbst aus seiner beliebten Indianer-Oper bastelte. Die bot dem Philharmonischen Staatsorchester mehr als genug Gelegenheit, kraftvoll und doch immer ausgeglichen die exotischen Seiten des Barock vorzuführen. Und das ist dann doch besser als jeder Walzer.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Poppiger Barock: Händels Hallelujah aufgepeppt

von Matthias

am 10. Juli 2011

in musik

Der erste Blick ist richtig erschreckend: „ss-p-t-pow“, „dang-dang-tsch-gang-g-dah-dab“ – das soll jetzt Händels Hallelujah sein? Dieses willkürliche Durcheinander von Pausen und Noten, von Punktierungen und Synkopen? Und diese sinnentleerten Laute?

Ja, hinter dem scheinbaren Chaos steckt tatsächlich „das“ Hallelujah aus Händels „Messiah“. Allerding ganz leicht überarteitet: Eine Renovierung könnte man die Bemühungen Bernhard Hofmanns nennen. Denn seine Bearbeitung soll den Klassiker mal wieder auffrischen: Er macht Pop, was schon immer Pop war und ist – nur dass es sich jetzt auch für das 21. Jahrhundert so anhört. Und in dieser Hinsicht findet dann plötzlich alles seinen Platz, steht jede Note und jede Pause ganz richtig und fängt – mit ein bisschem Durchblick und Übung – auch wirklich leicht zu grooven an. Vor allem rhythmische Sicherheit und Festigkeit der Sänger sind dafür allerdings unabdingbare Voraussetzung, sonst wird es schwierig, das lebendig werden zu lassen. Auch ein klangkräftiges, sicheres Bassgrundierung ist unablässlich. Aber das ist bei Händel ja auch nicht viel anders. Jedenfalls hat Hofmann für seinen sechstimmigen Satz die wesentlichen Momente des Originals – etwa die Unisoni bei „For the Lord God“ – bewahrt und ziemlich geschickt in sein Arragenment eingebaut, der zugleich klassischer Chorsatz und Popsong sein will.

Eine durchaus vorsichtige, ja sehr behutsame Renovierung ist das also: Ein frischer Anstrich für ein altes Haus – die Substanz ist die gleiche, an manchen Stellen sieht es trotzdem auf einmal ganz anders und neu aus, bietet der wahrscheinlich bekannteste Chorsatz der Musikgeschichte wieder ein neues Hörerlebnis. Ohne Zweifel ist das eine angenehme Überraschung – und ein wunderbares Zugabenstück.

(geschrieben für die Neue Chorzeit.)

mit musik & händel durch europa

von Matthias

am 7. Juli 2009

in kritik

Georg Friedrich Händel, der große Jubilar dieses Jahres, ist schon in jungen Jahren weit herumgekommen in Europa. Und er hat sich von vielem, was er dabei gehört hat, inspiereren lassen. Manchmal auch etwas mehr – das „Ausleihen“ gelungener Melodien beispielsweise war zu seinen Zeiten noch keineswegs so verpönt wie heute. Wer sich also ein bisschen intensiver mit Händels Musik beschäftigt, muss sich auch mit ganz viel anderen Werken befassen. Zum Beispiel mit Musik von Dietrich Buxtehude, dem Händel in Lübeck einen Besuch abstattete. Oder mit Johann Heinrich Schmelzer, der in Wien Karriere machte. Und natürlich auch mit Händels Rivalen in London, Giovanni Bononcini.
Die Villa Musica hat all das in ein schönes Programm mit dem Telemann-Quartett gepackt und im Erthaler Hof auch einen sehr passenden Saal für diese vielfältige, filigrane und dramatische Musik gefunden. Die Hitze dort hat das Publikum gerne ausgehalten, denn die vier Spezialisten des Telemann-Quartetts boten zwar nicht unbedingt große Überraschungen, aber hohe bis höchste Qualität. Und zwar in allen Dimensionen.
Das Fundament legte, das ist bei barocker Musik unverzichtbar, der Generalbass. Florian Heyerick am Cembalo und Rainer Zipperling mit Gambe und Cello begnügten sich aber nicht mit dem Hintergrund. Mit viel Fantasie, mit Präzision und spannungsgeladenen Linien machten sie sich zu einem unverzichtbaren, elementaren Teil der Musik. Und was diese beiden auszeichnete, galt auch für die Geigerin Swantje Hoffmann und den Altisten Yosemeh Adjei: Genauigkeit in allen Situationen und Hingabe an die Ausdrucksvielfalt und die Kraft der Musik. Dazu kam dann noch ein reibungsloses Miteinander, ein echt gemeinsames Musizieren, bei dem jeder mit jedem agierte, aufeinander reagierte und zusammen eine feste Einheit bildete. Unablässig flogen die Blicke kreuz und quer, vergewisserten sich Sänger und Cembalist, Geigerin und Cellist der Gemeinsamkeiten. Überhaupt war hier alles immer in Bewegung, kam keiner der Musiker zum Stillstand. Und das war ein gutes Zeichen: Denn diese Rastlosigkeit übertrug sich auf die Musik. So wurden dann auch eher ephemere Werke wie die Violinsonate von Isabella Leonarda oder die Cellosonate von Giovanni Bononcini zu spannenden Ausflügen in die barocke Klangwelt. Aber die Höhepunket lagen woanders. Schon die beiden Psalmvertonungen Buxtehudes ließen das erahnen: Das wahre Drama kam in den Arien Händels zum Vorschein. Hier konnte sich der famose Altus Yosemeh Adjei voll ausleben. Mit seiner leichtfüßig über alle Schwierigkeiten hinwegeilenden, klar und peinlichst genau geführten Stimme wurde er Rinaldo oder Cesare, kokettierte mit der die Vogelrufe imitierenden Violine, ließ den Zorn brausen, den Herzschmerz sehnend schluchzen und die Tugend preisen – ohne jede Spur von Zurückhaltung verleibte er sich seine Partien ein und führte gemeinsam mit dem Rest des Quartettes die Händel-Reise weit über die tatsächlichen Stationen in das unendliche Reich der Fantasie hinaus.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

händel war in arkadien – und ich auch (fast)

von Matthias

am 31. März 2009

in kritik

An Händel-Aufführungen herrscht in diesem Jahr, der 250. Wiederkehr seines Todes, kein Mangel. Aber leider sind nicht alle diese Konzerte so klug geplant und so sachverständig und engagiert umgesetzt wie das, was die Villa Musica im Erthaler Hof bot. Mit der Mainzer Gesangsprofessorin Claudia Eder und neun jungen Sängerinnen und Sängern haben sie ein Programm entwickelt, das etwas auch in diesem Händel-Jahr recht seltenes vorführt: „Händel in Arkadien“.

Denn als der junge Komponist vor dreihundert Jahren einige Zeit in Rom weilte, war er rasch Teil der dortigen Kulturszene geworden, mit ihren Akademien und den Privatkonzerten der Kardinäle und Adligen. Für diese Veranstaltungen komponierte er Solokantaten und Kammerduette, die sich immer wieder mit dem Liebesleben in Arkadien beschäftigten: Händel im träumerischen Idyll der Schäfer und Nymphen also – kein oft zu hörendes Bild.

Und der Erthaler Hof mit seinem prächtigen Saal und der intimen Atmosphäre war ein idealer Ort, diese Musik und ihre Entstehung sowie ihre erste Aufführungen wieder frisch aufleben zu lassen. Ideal war aber noch viel mehr: Die sorgsam durchdachte Programmgestaltung, die klugen Einführungen von Karl Böhmer – und nicht zuletzt immer wieder die Musik selbst. Zum Beispiel die beiden Countertenöre Dimitry Egorov und Kyoung-Bae Choi, die die zu Händels Zeiten üblichen Kastraten ersetzten: Zwei ganz verschiedene Sänger, die beide das Publikum zu verzaubern wussten.

Überhaupt war es ein Genuss, so viele unterschiedliche Stimmen an einem Abend zu belauschen. Alle waren sie technisch – auch in den anspruchsvollen Partien – sicher, aber immer mit eigenem Charakter. Elvira Hasanagic sang die Kantate „La Lucrezia“ etwa mit großem Drama und viel innerer, ganz aus Text und Musik entwickelter Spannung. Eher verhalten blieb dagegen Maria Pizzuto in der Kantate „La bianca rosa“, während Kirsty Swift den Aufruhr und die kriegerische Stimmung von „Mentre tutto è in furore“ mit echtem Furor und sicherer Stimmbeherrschung vortrug.

Aber alle einte das verlockende Bemühen, die Zuhörer hineinzuziehen in die Musikpraxis früherer Zeiten. Diese subtile Verführung betrieben dabei nicht nur die jungen Sängerinnen und Sänger, sondern auch die beiden Instrumentalisten: Der vortreffliche und gewitzte Cembalist Christian Rieger und der unerschütterliche Michail Uryvaev am Cello, die den Basso continuo nicht nur informiert, sondern auch sehr inspiriert umsetzten. Das alles zusammen ergab dann fast so etwas wie ein ideales Konzert: Ein arkadischer Genuss eben.
(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

power und einfühlungsvermögen: händels oratorien im querschnitt

von Matthias

am 9. März 2009

in kritik

Nicht alle Händel-Einspielungen, die jetzt erscheinen, verdanken ihre Entstehung dem Jubiläum des Komponisten. Der Maulbronner Kammerchor und sein Leiter Jürgen Budday etwa beschäftigen sich schon länger und sehr erfolgreich mit den großen Oratorien des Meisters. Und seit zehn Jahren werden ihre Aufführungen von K&K mitgeschnitten. Aus diesem reichhaltigen Material hat das Label nun, zur Feier des doppelten Jubiläums sozusagen, eine Auswahl unter dem Titel „The Power of Händel“ zusammengestellt. Die etwas reißerische Vermarktung verzeiht man gerne – denn „outstanding“ sind sie wirklich, diese ausgewählten Soli und Chöre. Und „Power of Händel“ heißt das ganze Unternehmen zu recht. Denn was immer wieder sofort auffällt, ist die immense Kraft, die Budday und seine Mitstreiter in der Musik zum Leben erwecken. Das liegt beileibe nicht nur an den fast durchweg zügig bis rasanten Tempi. Eine Freude ist es aber schon, zu hören, wie präzise der Maulbronner Kammerchor auch bei hohem Tempo bleibt, wie rasch die Sänger – immerhin keine Profis! – reagieren und wie wendig sie in Klang und Ausdruck bleiben.

Klarheit, Prägnanz und pointierte Ausdrucksstärke gehen eine ausgesprochen fruchtbare Allianz ein. Und dass hier federnd und spritzig gesungen wird – mit Freude und Esprit aller Beteiligten – das hört man eben in fast jedem Moment. Und man hört es gerne, zumal auch die Aufnahme atmosphärisch gelungen ist.

The Power of Händel. Best of his glorious Oratorios. Solisten, Maulbronner Kammerchor, Jürgen Budday. KuK 44, 2008.

(geschrieben für die neue chorzeit)