Wir sind auf einer Mission: zur Bildung der Erde sind wir berufen.
— Novalis, aus der Sammlung Blütenstaub
(Novalis ist heute vor 242 Jahren geboren worden.)
Kategorie: literatur Seite 13 von 38
Birgit Kempker: Ich will ein Buch mit dir. Weil am Rhein: Urs Engeler Editor 1997. 119 Seiten.
Ein feines und schönes Buch ist das, von einer gewissen Eleganz. Und von einer deutlichen Mehrdimensionalität, die weit über das „Buch“ als Text hinaus reicht: Das ist zugleich Buchkunst (in den von der Autorin überbordend gestalteten Umschlägen und Vorsatzblättern), im Text, in den eingefügten Fotos (die wirklich asl Bilder eingeklebt sind wie in einem persönlichen Album, nicht gedruckt), als Hörstück.
Kempker verfolgt hier die Geschichte einer Liebe, auch (gerade) der körperlichen, über zwei Jahrhunderte hinweg. Sehen spielt dabei eine große Rolle – und der Verlust davon, die Trennung, das Weg-Gehen: Abwesendes Sehen, also Erinnern und Vergegenwärtigen ist ein wichtiges Thema dieses Buches, dessen Gattung gar nicht so einfach zu bestimmen ist: Das Gedächtnis und als Bild oder im Foto, aber auch in der Präsenz der Schrift. Trennung und Gegenwart, Sehnsucht und Erfüllung sind die großen Themen dieses Buches. Scheitern oder doch ein (problematisches) Gelingen, das bleibt in der Schwebe.
Kempker schreibt hier dicht, fast atemlos mit den kurzen Sätzen, den wenigen Hypotaxen und den oft nachgestellten Appositionen (und übergeordneten Sätzen). Am ehesten kann man Ich will ein Buch mit dir wohl als Langgedicht zu bezeichnen, dessen Strophen aber eher als Blöcke oder Kapitel zu lsesn sind. Überhaupt ist die Unterscheidung Prosa oder Lyrik hier nicht einfach – zur Lyrik weist vor allem die Textgestaltung auf der Seite, weniger die eigentliche (innere) Textgestalt.
Das Ganze ist dabei durchaus ausgreifend: Die Buchgestaltung – mit den Fotos als „echte“ Fotos, wie im Familienalbum eingeklebt, nicht gedruckt, dem Umschlag und den Vorsatzblättern. Und dann auch noch eine CD mit einer knappen halben Stunde „Stücke“, die Themen und Sätze des Buches aufgreifen …, mit den Stimmen spielen, die die „Bürger und Bürgerinnen der Stadt Berlin“ der Autorin und ihrem Co-Autor leihen und den Texten, den kurzen Sätzen neuen Klang und neuen Beiklang, neuen Sinn verleihen. Ein Abenteuer, wahrlich.
Ich schwinge mich von Satz zu Satz mein Schatz /durch diese Solitüden, ich häng an dir, im /Dschungel gibt es keinen falschen Ton, nehme /deine Briefe an mein Bett. (75f.)
Monika Maron: Stille Zeile Sechs. Frankfurt am Main: Fischer 1993. 219 Seiten .
Bei Thomas Bernhard hätte so ein Buch und sein Thema den Untertitel Eine Abrechnung getragen. Dafür ist Maron aber zu feinsinng und es wäre ihre wohl auch zu direkt. Aber im Kern ist Stille Zeile Sechs (was übrigens eine Hausnummer ist und sich nicht auf irgend einen Text bezieht) genau das: Eine Abrechnung mit den „Vätern“ der DDR, hier als Begleitung des Lebensendes und des Begräbnis des überzeugten Sozialisten Herbert Beerenbaum durch die Historikerin Rosalind Polkowski, die Mitte der 1980er in der DDR beschließt, nicht mehr ihren Kopf und ihr Denken dem Arbeitsmarkt (wie es so schön heißt) zur Verfügung zu stellen, deshalb als eine Art Sekretärin des Beerenbaum für die Niederschrift seiner Memoiren dient und dabei dann doch wieder anfängt, zu denken und mit dem „Kopf zu arbeiten“ – allerdings in drastischer Opposition un Herausforderung zu Beerenbaum.
[Darin, wie in einem Kinderbett, lag der geschrumpfte Beerenbaum; der Mensch erkennbar als sein verschlissenes Material: die gallertartige Substanz der Augen, deren Rundung die Höhlen freigaben, die Haut als Pergament, schon losgelöst vom Fleisch, das blaue Geäder hinter den transparenten Schläfen, die Schädelknochen, die sich durch die schlaffe Haut drängten und als das Gesicht des Todes schon sichtbar waren unter dem, das Beerenbaum im Leben gehört hatte. (32f.)
Gertraud Klemm: Herzmilch. Graz: Droschl 2014. 237 Seiten.
Das ist großartig, dieses Buch – dieser Roman. Dabei ist es eigentlich fast traurig und deprimierend, was hier erzählt wird. Im Kern geht es um die Frage: Wie wird man Frau? Und wie ist man das eigentlich? Wie verhält man sich zu den Rollen-/Geschlechtserwartungen, zu den Ansprüchen der anderen, der Gesellschaft, zu den eigenen Träumen zwischen Kopf und Körper?
Es gibt kein Entkommen von meinem Geschlecht. (182)
Wunderbar fand ich die Erzähltechnik, mit der Klemm fast unmerklich die Zeit vergehen lässt: Die fünf Hauptteile sind jeweils bestimmen Lebensabschnitten gewidmet – Kindheit, Pubertät/Abitur, Studium, Arbeitsleben, Mutterschaft -, in ihnen gleitet die Zeit oft dahin, wechsel Klemm und springt ohne direkte Hinweise im Text nach vorn. Dazu die radikale Innenperspektive, die starke Einsichten vermitteln kann. Und das wird darüber hinaus in einer sehr bildhaften Sprache erzählt, gerade im Anfang, aber auch über die Kindheit hinaus: Eine Sprache, die einen phantasischen oder zumindest phantasievollen Umgang mit der Umwelt widerspiegelt und die die Welt und die Umgebung belebt.
Ich bin kein Kind mehr, das ist klar. Aber was muss ich jetzt tun, um eine Frau zu sein? (55)/
Suchen und Fragen sind die Hauptmotive in Herzmilch – und das Zweifeln, immer wieder das Zweifeln: an der Rolle, an der eigenen Identität, an den Zielen und Wünschen – ein Leben als Leiden kristallisiert sich dabei heraus. Das ist oft bitter und traurig, in weiten Teilen auch hart erzählt, schlägt aber nie ins Böse oder zur Bösartigkeit um. Diese Gratwanderung ist es, was wesentlich dazu beiträgt, Klemms Roman so gelungen zu machen.
Ein Pfahl steckt quer durch unser ganzes Leben und die Herzmilch spritzt in Fontänen heraus. (220)
Forian Scheibe: Weiße Stunde. Wien: Luftschaft 2012. 205 Seiten.
Auch wieder so eine seltsame Geschichte: Die Freundin des Erzählers „verschwindet“ bei einem Ausflug im (Arbeits-)Urlaub in Sizilien, in Noto – und der Erzähler verhält sich, das ist der Hauptteil der Erzählung, des Debütromans von Scheibe (auf den ich durch seinen Beitrag in der SpritZ #209 aufmerksam wurde), etwas ungewöhnlich, seltsam und auch ihm selbst unerklärlich: Er sucht nicht nach ihr. Fast im Gegenteil verschweigt und verheimlicht er zumindest zeit- und teilweise ihre Abwesenheit und den Grund. Das führt zu einer neuen Schaffenskraft des als – bis dahin blockierten – Autor arbeitenden Erzählers. Dann gerät er allerdings unter Mordverdacht, wird auch verurteilt – und im abschließenden Teil erfährt der Leser dann sehr holterdipolter, sehr different zum ersten Teil des Romans, die Unschuld des Erzählers (die Frau war von einem einheimischen Bauern entführt und ermordet worden, was eineinhalb Jahre später ans Licht gelangt) bei einer Rückkehr an den Ort des Verlustes und des Verbrechens – was aber wiederum zu einem Umschlag führt: Dieses Mal bricht der Erzähler wiederum alle Brücken ab, lebt als Obdachloser den sizilianischen Sommer (ohne Aussicht auf Lösung dieses Zustandes im Winter), aber eben wiederum als Schreibender – Künstler-sein gelingt offenbar nur in dem Moment, in dem er sich aus der Gesellschaft und ihren Erwartungen radikal ausklinkt, mit ihnen bricht und sich ihr und ihnen (total, bis zur körperlichen und geistigen Selbstaufgabe) verweigert. Eine gewisse Skepsis kann ich angesichts dessen nicht verhehlen: Der „Fluch des Schreibens“ treibt mir hier zu große Blüten …
Die Spannung, die Scheibe aus dieser Konstellation entwickelt, ist durchaus stark – zumal man als Leser dem Erzähler so einiges zutraut, ohne sich je sicher sein zu können. Aber der Schluss hat mich dann doch arg unbefriedigt hinterlassen, zumal das Pendeln zwischen Selbstüberschätzung und Selbstzerstörung zu keinem „vernünfigen“, irgendwie befriedigenden Ergebnis führt.
Klaus Bartsch: Tango Berlin. Neue und ausgewählte Gedichte. Berlin: Wagenbach 2010. 77 Seiten.
Eine manchmal erstaunliche Mischung zeigt diese vom Autor selbst veranstaltete Werkauswahl (leider ohne Nachweise und Entstehungszeit- bzw. Erstveröffentlichungsangaben): Es geht in den Gedichten oft um harte Dinge, um Krieg, Tod, Gewalt und Zerstörung. aber sie zeigen oft eine spürbare Heiterkeit angesichts von Grauen und Schrecken des Weltkrieges, von Mangel und Zwang. Gewitzheit und Gelassenheit präsentieren sich oft in lakonischer Coolness: knapp und unsentimental, trotz des sentimalischen Formengebrauchs (mit regelmäßiger Metrik mit klassischen Paar- oder Kreuzreimen in vielen Fällen). Auch wenn man oft zu lachen beginnt: ein Humorist ist Bartsch eigentlich nicht, es ist eher ein gemeines, ein trauriges, auch ein verzweifeltes Lachen.
Nachkriegswinter
Der Schornstein der Schornstein
Singen die Kinder
Ist Nichtraucher geworden
Die Sonne die Sonne
ging leider auch aus
Sie hat keinen Bezugsschein
Für neue Kohlen (14)
außerdem: Das Rolandslied und ein paar Literaturzeitschriften …
Für Bubengehirne muss die Stadt ein Paradies sein. Sie sehen die Omnipräsenz von Helden und speichern das ab unter: Optionen. Für Mädchen sind Stadt und Land ohne Heldinnen, wie ein Spiegel mit einem Loch darin, in das das Potential hinein rinnt. Da speichert sich gar nichts.
— Gertraud Klemm, Herzmilch (S. 175)
Zum heutigen „Welttag des Buches“ darf und muss Georg Christoph Lichtenberg, der große Leser und Schreiber, zu Wort kommen lassen:
Wie man alte Bücher studiert, in der Absicht Wahrheit zu suchen, so kann man wohl zuweilen eine Ausbeute erhalten, die andern entgangen ist, allein man riskiert auch zuweilen, die beste Zeit seines Lebens zu verkuxen. [H 56]
oder
Es ist sehr gut, die von andern hundertmal gelesenen Bücher immer noch einmal zu lesen, denn obgleich das Objekt einerlei bleibt, so ist doch das Subjekt verschieden. [H 54]
— Georg Christoph Lichtenberg, Sudelbücher
Dicht am Boden
Die Frühe sprang auf die Beine wie ein Lamm
Und sah mich am Boden, auf allen vieren.
— Bernd Jentzsch
Jonathan Safran Foer: Tree of Codes. London: Visual Edition 2011. 139 Seiten.
Die Idee hinter Tree of Codes ist ausgesprochen cool: Foer nahm einen vorhandenen Text – nämlich The Street of Crocodiles von Bruno Schulz – und schneidet einfach weg, was ihm im Weg ist oder nicht gefällt. Das Ergebnis, ein Cut-up sozusagen, ist dann ein neuer Text. Der Witz ist nun, dass nicht einfach der neue Text gedruckt wird, sondern der Prozess des Ausschneidens auch im Ergebnis, in Tree of Codes also, noch sichtbar ist. Denn die Seiten sind durchlöchert. Alles, was für neuen Text, die Überschreibung (Palimpsest!) nicht benötigt wird, wird weggeschnitten. Entsprechend löchrig sind die Seiten: Manchmal stehen vom „originalen“ Text noch halbe Sätze oder einzelne Wortgruppen, manchmal auf einer halben Seite auch nur ein einzelnes Wort und sonst vor allem Luft, Nichts, die tatsächlich spürbare Abwesenheit des ursprünglichen/vorhandenen Textes. Das macht die Fragilität des Buches als Ding und als Text (Lücken!) ganz neu deutlich.
Man ist außerdem geneigt, dem Text eine gewisse Offenheit zuzusprechen: Durch die Lücken, die Löcher auf den Seiten, im Papier scheint ja immer das noch kommende schon durch, ist also schon präsent – als Wort, als Satzzeichen, als Splitter oder nur als Lücke. Das täuscht aber ziemlich. Auch die Idee des „Satzbildes“ bekommt eine ganz neue Bedeutung: Tatsächlich macht es irgendwie doch einen Unterschied, ob ein Satz mit wenigen Lücken geschnitten ist oder ob ein kleines Gebilde wie „I found myself lost.“ (80÷81) sich über anderthalb Seiten – mit ensprechend viel Luft – erstreckt: Das Gewicht wird ein anderes (eher reziprok aber …)
Leere und Abwesenheiten spielen aber auch inhaltlich eine gewisse Rolle (oder meine Perspektive ist durch die Form verschoben). Der stehengebliebene Text ist dabei manchmal etwas schräg (wie die verrutschenden, absinkenden Häuser …), einen Tick surreal oder expressionistisch (in der Darstellung der Stadt). Auflösungserscheinungen, das Verschwinden, Verblassen und Verwandeln von Personen und Dingen spielen hier eine bedeutende Rolle.
The tree of codes was better than a paper imitation. (96)
Wolfgang Hilbig: Eine Übertragung. Frankfurt am Main: Fischer 2011 (Werke 4). 427 Seiten.
Eine Übertragung ist Hilbigs erster Roman und trotzdem gleich ein „echter“ und typischer Hilbig: Das Problem des Ichs wird hier durchdekliniert, insbesondere die Frage nach der Identität eines Schriftstellers. Die Identität der Hauptfigur, eines schriftstellernden Heizers (oder als Heizer arbeitenden Schriftstellers, das hängt von Stand- und Zeitpunkt ab), steht dabei nicht nur unter innerem Druck und Rechtfertigungszwang, sondern gerade auch unter äußerem Zwang, der sich in den staatlichen Repressalien der DDR-Institutionen (geheimdienstlich/polizeilich) äußert – was natürlich zusammenhängt und sich gegenseitig verstärkt.
Die ganze Übertragung ist deshalb eine Art „Selbstvernehmung“, in dem die erzählende Hauptfigur versucht, diesem Problem – also: Wer ist dieses Ich? Kann ich meinen Erinnerungen trauen? Und meinen Wahrnehmungen? – auf den Grund zu gehen. Der dabei reichhaltig konsumierte Alkohol hilft nicht unbedingt, Klarheit zu verschaffen. Nebenbei gibt es noch ein weiteres Problem, das der Untersuchung bedarf: Die Liebe – als Problem in einer Gesellschaft der Angst/Sicherheit/Unterdrückung). Das ist in Hilbigs typischer mächtiger, harter Sprache manchmal anstrengend, über die lange Strecke durchzuhalten. Aber es ist in seiner körperlichen Wucht eben auch immer wieder großartig und bereitet mir ausgesprochen großes Vergnügen …
Es war da ein Text, der auf seinen Verfasser wartete, aber andauernd griff das Leben ein und hinderte den Verfasser, indem es seine eigene Geschichte schrieb … […]. (107)
Luise F. Pusch: Das Deutsche als Männersprache. Aufsätze und Glossen zur feministischen Linguistik. Frankfurt: Suhrkamp 1984. 202 Seiten.
Manches von den hier versammelten, etwas disparaten (linguistischen) Aufsätzen und (journalistischen) sprachkritischen Glossen von Luise Pusch ist inzwischen etwas gealtert – vor allem in dem Sinn, dass man die Entstehungszeit der 1980er erkennt. Das meiste aber ist noch – erschreckend eigentlich – aktuell und gültig sowieso: Pusch zeigt einerseits, wie sehr die deutsche Sprache von patriachalischen Strukturen und Denkmustern geprägt ist und schlägt andererseits vor, wie man das ändern könnte – damit die Nicht-Männer nicht immer nur „mitgemeint“ sind. Ihr Hauptvorschlag im titelgebenden Aufsatz ist letztlich so etwas wie eine Entgeschlechtlichung (wie sie z.B. im Englischen weit verbreitet ist): Aus „der Professor“ und „die Professorin“ wird „der Professor“ und „die Professor“. Ihr ist natürlich klar, dass das ein recht radikaler Eingriff in die überlieferte Sprachstruktur ist und deshalb von vorneherein abgelehnt wird (auch wenn das Ergebnis keineswegs unsystematisch im Deuschen wäre). Als „kleine“ Alternative bevorzugt sie dann wenigstens die Doppelnennung bzw. deren abgekürzte Form mit Binnen‑I.
Helmut Oehring: Mit anderen Augen. Vom Kind gehörloser Eltern zum Komponisten. Berlin: btb 2011. 256 Seiten.
Oehrings frühe Autobiographie ist als Text bzw. Buch ziemlich seltsam und lebt wohl nur von der schon im Untertitel verkündeten Besonderheit seines Lebensweges – die Lebensgeschichte eines „normalen“ (im Sinne der standardisierten Erwartung) Komponisten hätte wohl nicht diesen Verlag gefunden. Ich empfand das textlich vor allem also als recht krude Mischung aus sehr persönlichem Erleben und Künstlerbiographie mit Betonung des Autodidaktentums und der Unwahrscheinlichkeit des Gelingens, dem Hängenbleiben im Dazwischen (zwischen Welten) sowie Erläuterung der Entstehungszusammenhänge und Bedeutung der eigenen Werke. Krude wirkt das vor allem, weil es so chaotisch erzählt ist, ohne erkennbare Abfolge oder Zusammenhänge, in Fetzen fast. Oehring betont dabei auch gerne und wiederholt die von ihm erlebte Wucht der Erfahrung von Neuem, insbesondere von Kunst – also Oper, Musik, Pop und so weiter. Das wird dann aber von ihm immer weider mit sehr allgemeinen Beobachtungen und künstlerischen Arbeiten (vor allem Ausschnitten aus den Texten seiner Kompositionen) gemischt. Und so ekkletizistisch Oehring sich im Hören gibt (von Schönberg bis Depeche Mode reichen ungefähr seine Vorlieben), so uneinheitlich ist auch seine Sprache – oft sehr hölzern, manchmal stilistisch ausgesprochen ungelenk, an anderen Stellen aber auch sprühend vor Begeisterung.
Richard Alewyn, Karl Sälzle: Das große Welttheater. Die Epoche der höfischen Fest in Dokument und Deutung. Hamburg: Rowohlt 1959. 134 Seiten.
Diese klassische Darstellung der Epoche des Barocks als Zeitalter des Festes wartete schon länger auf meine Lektüre. Im ersten Teil bietet Alewyn hier eine übersichtliche Morphologie des barocken Festes, die – so weit ich das überblicke – gelungen auf grundlegende Züge abstrahiert, aber das mit Beispielen reichhaltig demonstriert. Dem schließt er eine nähere Betrachtung der Elemente des Festes im Barock an (die vor allem das Theater ausführlich würdigt) und auch eine Situierung des barocken Festes im Leben & Geselllschaft. Hier spürt man vielleicht am deutlichsten das Alter des Textes. Bei der Abgrenzung zum „Volk“ etwa – davon hat Alewyn kaum einen Begriff, ihn interessieren die offensichtlichen Quellen – und die sind aus adligen Kreisen oder beschreiben zumindest vor allem den Adel. Dementsprechend konzentriert er sich ganz stark auf diese „wichtige“ Schicht – was sich in diesem Untersuchungszusammenhang sachlich ja auch weitgehend rechtfertigen lässt -, der Rest ist allenfalls Staffage.
Der zweite Teil des Taschenbuchs fügt dem dann noch einige Beschreibungen großer Feste des Barocks an, die leider nicht vorwiegend Quellen sind, sondern in der Hauptsache Quellenparaphrasen (was insofern verständlich ist, als die barocken Festbeschreibungen natürlich barock sind – d.h. unseren heutigen Lesegewohnheiten vielleicht ein wenig zu ausführlich …).
Die Geschichte des höfischen Festes, eines der glänzendsten Kapitel abendländischer Kulturgeschichte, wartet umgeschrieben und kaum gesehen der Auferstehung aus den Grüften unserer Archive und graphischen Sammlungen. Es fehlt nicht an der Sammlung und Katalogisierung dieser Schätze, aber es fehlt an jeder geistigen Ordnung und Deutung. (16)
Ein jedes Zeitalter schafft sich ein Gleichnis, durch das es im Bild seine Antwort gibt auf die Frage nach dem Sinn des Lebens und in dem es den Schlüssel ausliefert zu seinem Geheimnis. Die Antwort des Barock lautet: Die Welt ist ein Theater. Großartiger kann man vielleicht von der Welt, aber schwerlich vom Theater denken. Kein Zeitalter hat sich mit dem Theater tiefer eingelassen als das Barock, keines hat es tiefer verstanden. In keinem Stoff aber auch hat das Barock sich völliger offenbart als im Theater. Es hat das Theater zum vollständigen Abbild und zum vollkommenen Sinnbild der Welt gemacht. (48)
Andreas Altmann: Die lichten Lieder der Bäume liegen im Gras und scheinen nur so. Leipzig: Poetenladen 2014. 101 Seiten.
Das Motto stellt gleich wichtige Elemente des sehr faszinierenden Gedichtbandes von Altmann vor:
erinnerungen häuten sich. immer wieder /stellen sie mir ihre körper in die spiegel.
heißt es da: Erinnerungen, Körper, auch die Körperlichkeit der Erinnerung(en) sowie Spiegel und Selbstbetrachtungen durchziehen als Motive viele der Gedichte. Gerade der Aspekt des Zusammenhangs von Erinnerung und Geschichte schlägt sich bei Altmann oft nieder. Das sind konkrete (teilweise sogar sehr konkrete!), streng ökonomisch „erzählte“ Szenen und kleine Geschichten, die mit sparsamen Hinweisen auf ihre geschichtliche Situierung über das eigentlich Erzählte gerne hinausweisen. Dafür reicht manchmal schon ein einzelnes Wort – „Grenzweg“ zum Beispiel situiert das Gedicht zeitlich und örtlich an der innerdeutschen Grenze. Trotzdem neigt Altmann dazu, seine Lyrik präsentisch zu präsentierten, als ob sie ohne Zeit wäre: „… aus der zeit fällt. die wunden sind leer.“ heißt es einmal. (11)
Seine konkrete, auf der Ebene der Lexik geradezu alltägliche Sprache verbindet sich zu starken Bildern, die gerade durch ihre Genauigkeit und Schlichtheit wirkmächtig sind. Dabei fühlen sich viele seiner Gedichte, die auch immer wieder die Natur an den Kulturrändern, an den Schnittstellen zwischen menschlichen Artefakten und „reiner“ Natur evozieren, sehr menschenleer an, obwohl das „Ich“ – allerdings bevorzugt im spiegel – durchaus vorkommt. Prägender sind allerdings die (Natur-)Räume mit Schnee (auch Regen) und ihrem speziellen Licht, die „geschichte im landschaftspark“ (16) oder die „anatomie der erinnerung“ (22).
In den oft stillen, unaufgeregten Gedichten schwingt immer eine gewisse, starke Leichtigkeit mit, eine scheinbare Natürlichkeit der Sprache, wie sie im immer wieder vorkommenden Bild der Feder sich typisch manifestiert. Die Feder ist auch inhaltlich ganz treffend: Als Rest eines Lebenwesens, als Stellvertreter, zugleich aber auch eine Wunde (hinterlassend), dabei sich schwebend fortbewegend (kein eigentliches fliegen …), ziellos, ungesteuert und unregel-/steuerbar, zugleich Teil der Landschaft (der Natur) und der/ihrer Geschöpfe.
… die geräusche in der landschaft /sind blind. ich tast mich an worten durch /die gedächtnisräume. … (26)
Nina Bußmann: Große Ferien. Berlin: Suhrkamp 2012. 200 Seiten.
Bußmanns Roman ist ein schönes, intensives Kammerspiel der Moral. Der Text lebt stark von seiner geschickten Informationsvergabe, der allmählichen, immer wieder durch Abschweifungen, Ablenkungen und Sprünge unterbrochenen Aufklärung des Lesers – die übrigens bis zum Schluss nicht vollständig geschieht. Aber wie immer gilt ja: Der Prozess ist meistens interessanter als das Ergebenis. Hier geht es um einen älteren Lehrer und sein Verhältnis zu einem begabten Schüler, das zu einem Eklat – dem „Vorfall“ – sich steigert und darin aber auch, gemeinsam mit der Sicherheit des Gewissens, der Wahrnehmung (und der Anstellung) des Lehrers, der keinen Vornamen hat, seinen Schluss findet. Entweder ist das ein gewaltiger Klimax, der sich in einer Ohrfeige entlädt – oder eben nicht, weil die Ohrfeige ausbleibt, mit ihr aber eben auch die Orientierung im Leben und der Moral, im Wissen um Gut und Böse, Falsch und Richtig. Und das ist eben das zentrale Scheitern Schramms, der Hauptfigur:
Sie sind Lehrer, Sie müssen die Dinge klären und nicht ein Geheimnis daraus machen. (129)
Bußmann erzählt das in einem sehr schönen, ständig fließenden Wechsel im Hin und Her zwischen der Gegenwart (dem Sorgen um den Garten, die Befreiung der Auffahrt vom Unkraut – wunderbar, wie genau und präzise Bußmann das schildern kann!) und der Vorgeschichte, dem Herantasten an den „Vorfall“. Die genaue Beobachtung und Wahrnehmung der Umgebung (der Umwelt) durch die Augen Schramms spielt eine wesentliche Rolle gerade weil sie in der erzählten Zeit, die brutal verlangsamt erscheint, kontrastiert mit der Ungewissheit in im weitesten Sinne moralischen Frage.
Gefallen hat mir aber auch die Vielfalt der erzählten Aspekte. Eine Rolle spielen unter anderem auch noch das memento mori für die Mutter, der Vater als Problemfigur der Vergangenheit und Vikktor als undurchschaubarer Bruder (der einmal sogar als Terrorist vermutet wird) … Auch stilistisch hat Bußmann mit ihren gestapelten Sätze eine passende Form gefunden: Die Sätze sind einfach nie fertig, nie abgeschlossen, immer wieder gibt es wie nachträglich eingefügte, eingeschobene Ergänzungen, Präzisierungen, Erweiterungen, die als solche eben überdeutlich kenntlich bleiben, was zu einer fragmentierten Syntax, einer permanenten Stockung und Unterbrechung führt (und das Lesen dadurch bewusst verlangsamt …):
Zwanzig Jahre oder länger hatte er dort verbracht, im Hinterland, in einem von allen Verkehrswegen abgeschiedenen Bergdorf, und auch wenn es darum für einen Doktor nie gereicht hatte, war er jedenfalls, entgegen allen Erwartungen, Arzt geworden, ein richtiger, wahrscheinlich nicht einmal ein schlechter Arzt. (145)
Ein sehr kluges, schönes und lesenwertes Buch.
Alexander Schimmelbusch: Die Murau Identität. Berlin: Metrolit 2014. 206 Seiten.
Die Murau Identität (sic, der Autor schreibt das – wohl in Anlehnung an die „Bourne Identity“ – ohne notwendigen Bindestrich) ist leider doch ein ziemlich langweiliges Buch. Hinter der „Murau-Identität“ verbirgt sich ein untoter Thomas Bernhard, der einfach weiter lebt (warum, wird nicht so recht klar), was wir aus „Reiseberichten“ seines Verlegers, die dem Erzähler zugespielt werden, erfahren. Das ist natürlich eine Stilkopie Thomas Bernhards, auch in den Rants, die versuchen, Bernhard zu imitieren – aber leider nur eine mäßige, in der Regel bleibt es flach, niveaulos und vor allem völlig banal. Wahrscheinlich ist das Bernhard-Imitat immer nur bein ersten Mal überhaupt interessant … Manchmal blitzt immerhin etwas Witz (und ganz selten auch Esprit) hindurch, einige schöne Absurditäten hat zusammen mit viel Leerlauf auch eingestreut. Irgendwie scheint mir das Ziel eine Mischung aus gewesen zu sein. Leider bleibt der Text aber eine bloß notdürftige zusammengestoppelte Rahmenhandlung für die fünf Berichte des „Verlegers“ zum Untoten Thomas Bernhard (und seinem Romanprojekt Ànima Negra über die positiven Seiten der Ehe & Familie) – viel mehr als diese Idee ist in den 200 Seiten einfach nicht drin.
Dieses Mal eine lange, lange Liste, weil ich etwas nachlässig war und deshalb einiges nachtragen muss:
Hendrik Rost: Licht für andere Augen. Göttingen: Wallstein 2013. 80 Seiten.
Schon die Widmung hat mich für diesen Lyrikband eingenommen: „Ein Wort hin, zwei Wörter her – viel mehr ist es oft nicht, aber das ist die Kunst. Jamas!“ (4) heißt es dort. Genau, so ist es.
Und Rost gelingt es, die Kunst der Dichtung. Seine rhythmisch freien, ungereimten Gedichte, alle einzeln und von überschaubarer Länge, haben eine leichte Anmut, eine schwebende Wehmut ist ihnen eigen – so ungefähr lässt sich ihr Ton wohl fassen, vielleicht auch als Eleganz des Flusses der Sprache und der Bilder. Leere Räume (d.h. frei von Menschen, verlassen, aber nicht tot) scheinen ihn zu faszinieren, meint man am Anfang des Bandes. Aber das täuscht, die Menschen tauchen doch immer wieder auf, als Kind, auf Bildern, als Dialogpartner und als Tote/Geister aus der Vergangenheit (Brecht, Celan, Kling und viele andere werden auch namentlich herbeigerufen).
Überhaupt der Tod und die Vergangenheit: die sterbende Klarheit, aber auch die Trauer der Dinger behaupten immer wieder ihren Platz. So heißt es zum Beispiel in „Platzverweis“:
Manchmal ist die Traurigkeit eines Stuhls /nicht die Traurigkeit, die der Stuhl /ausstrahlt, sondern die /derjenigen, die auf ihm gesessen haben /vor Tagen, Jahren oder länger. (21)/
Das Schöne an Rosts Gedichte ist immer wieder das Sehen und Schreiben mit anderen Augen. Der Einfall des Alltags in die Kunst (und die (Lebens-)Philosophie), zugleich aber auch ganz deutlich die Gegenwart der – nicht nur literarischen – Vergangenheit(en): Das zeichnet sein Werk besonders aus.
Florian Voß: Datenschatten Datenströme Staub. Berlin: J. Frank 2011 (Quartheft 28). 80 Seiten.
Der Auftakt ist gleich eine schöne Kontrafaktur oder Wiederaufnahme der Celanschen „Todesfuge“ in „Verfugtes Meisterstück“: Die Re-Grundierung im Alltag, die Entmystifizierung und Entzauberung der totalen Metapher – das klappt hier ganz gut. Überhaupt findet sich das in vielen Gedichten von Voß: Die unterschiedslose Gleichwertigkeit von Alltag mit seinen Banalitäten und absoluter Phantasie. Manchmal wendet sich das etwas arg ins punkige und trashige (für meinen Geschmack). Aber die Doppelgesichtigkeit – auf der einen Seite die hohe Sprache mit ausgesucht phantasievollen Metaphern und wilden Bildern, auf der anderen Seite aber auch (bewusste – nehme ich an) Plattheiten und flache Wörter und Sätze – stehen nebeneinander oder werden einander konfrontiert. Oft klingt das in meinen Ohren dann groß und leer zugleich, also etwas prätentiös. Manchmal scheint das aber auch großartig – aber eher selten, oft lässt mich das einfach kalt. Diese Gegensätze bilden oft schroffe, scharfkantige Unfälle, aus denen ich aber keine Funken schlagen kann und die mich – wie das meiste in diesem Band – ratlos und unbeteiligt lassen. (Und an die binär codierten Seiten-/Buchteil-/Gedichtzahlen kann ich mich gar nicht gewöhnen …)
Nur keine Panik, es ist nur /ein Vulkan der da raucht /nicht der Kopf, der ist leer (Überall Kuscheltiere)
Douglas Coupland: PlayerOne. What Is to Become of Us. A Novel in Five Hours. London: Heinemann 2010. 248 Seiten.
Eine „real-time novel“ hat Coupland PlayerOne genannt, das als eine Art Vorlesung in fünf Stunden entstanden ist und dementsprechend auch fünf Teile aufweist. Es geht, wenig überraschend bei Coupland, um die Zukunft der Menschheit: Eine Gruppe zufällig zusammengewürfelter Menschen gerät in einer Flughafenbar in ein apokalyptisches Szenario, hier der Zusammenbruch der Ölversorgung (und damit der gesamten Energie) von einem Moment auf den anderen, mit den entsprechenden anarchischen und gewalttätigen Folgen, die noch durch ein paar andere Erzählstränge, die ihre eigene Dynamik und teilweise Gewalt bergen, überlagert werden. Das dient Coupland dann dazu, sich seinen Lieblingsthemen zu widmen: Wie sieht die Zukunft der Menschheit aus, wie die der Gesellschaft? Er erzählt das hier mit perspektivischem Fokus auf den einzelnen Personen, dekliniert also immer, in jeder „Stunde“, das vorhandene Personal durch – erweitert um den „Player One“, so etwas wie eine technisch-programmierte Identität einer der Charaktere. Außerdem verhandelt werden: Lebenswege, psychanalytische Deutungen und ganz stark das Problem der Zeit, ihr Tempo, ihre Linearität, ihr Fortschreiten und Anhalten …
Luke once thought time was like a river, and that it always flowed at the same speed, no matter what. But now he believes that time has floods, too – it simply isn’t a constant anymore. (70)
Those bodies bind us to the future. They’re time-frozen. Tomorrow = yesterday = today = the same thing, always. (110)
Walter Höllerer: Systeme. Neue Gedichte. Berlin: Literarisches Colloquium 1969. 56 Seiten.
Über einen Beitrag von Dieter M. Gräf (Erkundungen innerhalb und außerhalb der Maschine ja und nein. Neue und neu gebliebene Gedichte Walter Höllerers aus der Zeit der „Systeme“. In: Sprache im technischen Zeitalter, H. 203 (2012), S. 264–269) bin ich auf diesen Gedichtband Höllerers aufmerksam geworden – den ich als Lyriker bisher noch kaum kannte, sondern vor allem als Theoretiker, Interpret und Vermittler von Gedichtetem. Und das ist eine Schande, denn hier versammeln sich einige, sogar ziemlich viele ausgesprochen gute Gedichte – auch wenn man ihnen ihre Entstehungszeit, die 1960er Jahre, (inzwischen) in manchen Gedanken und Formulierungen sehr deutlich anmerkt. Aber das muss ja auch gar nicht schlecht sein …
Schon beim titelgebenden Gedicht „Systeme“ kann man wunderbar das Moment sehen und erfahren, das ich an Gedichten so schätze: wie die Signifikanten ins Tanzen kommen. Höllerer erreicht das hier oft durch das Mittel der extremen syntaktischen Verkürzung: Teiweise nur Wortbrocken, einzelne Worte ohne unmittelbaren syntaktischen Zusammenhang, die – auch in der räumlichen Anordnung auf dem Papier – miteinander in Beziehung treten und Sinn hervorbringen.
Da steckt auch viel Technik(kritik) und Technizität drin, nicht nur im Inhalt, sondern auch in der Sprache und der Form (das ist wohl wenig überraschend beim Gründer der Sprache im technischen Zeitalter …). Manches scheint aber auch – aus heutiger Sicht – sehr zeitgebunden bzw. typisch für die Situation und Stimmung der Bundesrepublik am Ende der Sechziger. Etwa die politischen Elemente, das Moment der politisch-gesellschaftlichen Systemkritik aus/in der Mitte der Gesellschaft (na gut, vielleicht nicht ganz die damalige Mitte). Heute scheint mir das nur noch im Bereich der Kapitalismuskritik gängig zu sein – oder in kleineren, extremeren Randbereichen, die dann aber eher selten in so „elitären“ Formen wie dieser Lyrik (und ihrer Verortung durch das Erscheinen als „LCB-Editionen“ im (Literatur-)Betrieb) sich zeigen.
Volker Braun: Trotzdestonichts oder Der Wendehals. Frankfurt: Suhrkamp 2000. 147 Seiten.
Ich mag Volker Brauns Prosa eigentlich sehr gerne. Dieser schmale Band hat mich allerdings nicht wirklich überzeugen oder begeistern können. Der titelgebende Dialog (der auch den meisten Umfang beansprucht) ist ziemlich schnell ziemlich lahm und langweilig. Vor allem lese ich da hauptsächlich Banalitäten und Phrasen aus Brauns BRD- und Wende-Kritik-Repertoire. Dafür sind die die kurzen Anekdoten, Erzählungen aus Teil III interessanter. In typischer Braun-Manier zeigen sie mit ihrer Konzentration auf eine Begebenheit, eine charakteristische Beobachtung noch einmal sein stilistisches Können. Aber auch hier bleibt mir das inhaltlich etwas arg rückschauend, verangenheitsorientiert: In/an der Gegenwart – der Wende/dem Umbruch (wie es bei Braun heißt) – werden nur die negativen Seiten gezeigt und dargestellt, es weht immer etwas Wehmut über das Scheitern des Experimentes DDR durch die Sätze, ohne dass sich positivere Ziele oder Utopien zeigen würden.
Nach der sogenannten Wende sah ich nur die Wendungen, und zwar der willfährigsten Leute, die sich also gleich blieben. (135)
Bernd Cailloux: Gutgeschriebene Verluste. Roman mémoire. Berlin: Suhrkamp 2012. 271 Seiten.
Ich habe hier am Anfang einen Moment gebraucht, bis mir klar wurde, warum mir einiges bekannt vorkam: Weil es in Figuren und Geschehen gewisse Ähnlichkeiten mit Das Geschäftsjahr 1968/69 von Cailloux gibt. Unabhängig von der Frage, ob hier ein alternder Autor autobiographisch erzählt (das scheint aber eines der Hauptinteressen der Rezensenten zu sein, die Decodierung, Entschlüsselung der auftauchenden Charaktere und Ereignisse) geht es in dieser rückblickender Vergegenwärtigung eines alte(rnde)n 68er (der damit aber auch wieder nur am Rande zusammenhängt, weil ihn an der Bewegung vor allem die Drogen, der Sex und die Geschäfte interessierten) vor allem um das Problem der fragmentierten Erinnerung, die sich auch im Text so niederschlägt. Manchmal fand ich das etwas mühsam, manchmal ist es spannend, manchmal aber auch etwas bemüht, doch meist aber locker und humorig parlierend erzählt. Altern und Erinnern – an bessere/beste Zeiten – sind also das Thema, angereichert mit Pop-/literaturhistorischen Artefakten. Aber so richtig reingefunden habe ich nicht, mir schien, das Cailloux hier doch arg viel Leerlauf produziert.
Was in er im Eigenbedarf verbrauchten Zeit passierte, war nur bedingt erzählenswert – in Filme reinkucken, Tabellen studieren, im Netz rumklichen, mal was lesen, denken, insbesondere denken, eine Primärtugend. (145)
Elke Naters: Lügen. München: List 1999. 192 Seiten.
Naters zweiter Roman ist im Grunde eine Variation des ersten (Königinnen), aber ohne dessen formale Stärken. Wieder geht es um Freundschaft zwischen Frauen und um Beziehungsdramen. Das wird nun aber hier deutlich eindimensionaler erzählt. Die absichtlich beschränkte Sprache, der schlichte Stil – das bringt hier kaum mehr Schönheit oder Wahrheit hervor. Vorherrschend ist dagegen das Plätschern: Harmlose Oberflächen werden erzählt – natürlich absichtlich, das schlägt sich ja auch deutlich in Sprache und Form nieder -, die aber auch auf nichts (mehr) zu verweisen zu wollen scheinen und nur noch dem reinen Selbstzweck dienen. Das ist wenig, vor allem weil die Figuren blass bleiben und eigentlich – so weit ich das wahrnehme – langweilig sind. Man kann dem natürlich zugute halten, dass genau das gezeigt werden sollte: Dass es keine individuellen, „spannenden“ Lebensentwürfe mehr gibt und dass sie sich auch nicht mehr nach den klassischen Kriterien schön oder spannend erzählen lassen. Aber das ist eine zwar wahre, aber sehr trockene Einsicht, die hier irgendwie den Text nicht mehr trägt und rechtfertigt.
Das Leben ist banal. Mein Leben ist banal. Ich bin banal.
Das gibt mir noch eine Weile zu denken, obwohl mir gar nicht danach ist. (180)
Angelika Meier: England. Zürich: Diaphanes 2010. 329 Seiten.
Angelika Meiers erster Roman ist nicht ganz so großartig wie Heimlich heimlich mich vergiss, aber trotzdem ein sehr gutes Buch. Es geht in einer reichlich verrückten Geschichte um eine Philosophin, der Wittgenstein erschienen ist und die dadurch auf die vergessenen und verschollenen Manuskripte eines Philosophen des 17. Jahrhunderts namens Manzanilla stößt, die in der Folge ihre Lebensaufgabe und ihr Lebenswerk werden – allerdings mit dem Problem, dass sie natürlich eine vollkommen offenkundige Fälschung sind.
Wahnsinn und Realität verschwimmen in dieser Fabel vollkommen, die Fragen, was ist wirklich, was ist eingbildet? braucht man sich kaum mehr zu stellen – beantworten lassen sie sich sowieso nicht mehr. Schlaf, Geheimnis, Traum/Alptraum – alles geht durcheinander/ineinander und überkreuzt sich ständig in den Beeinflussungen udn Handlungen der Personen. Vor allem ist diese Geschichte zwischen Wittgenstein und Manzanilla, zwischen Vergangenheit(en) und Gegenwarten aber sehr unterhaltsam, vor allem wegen der skuril, aber sehr genau und liebevolle gezeichneten Figuren und Charakteren.
Überhaupt ist Meiers Roman sehr geistreich und oft mit schwarzem Humor gespickt, die Absurditäten und Verrücktheiten des (institutionalisierten) Denkens (und insbesondere des Denkens über Sprache) gewitzt und geschickt aufspießend: Wunderbar unterhaltend dabei, wahrscheinlich gerade wegen der Häufung der Skurilitäten, die sich selbst so absolut ernst nehmen können.
Sehen Sie, manche Philosophen – oder wie man sie nennen soll – leiden an dem, was man Problemverlust nennen kann. Es scheint Ihnen dann alles ganz einfach, und es scheinen keine tieferen Probleme mehr zu existieren, die Welt wird weit und flach und verliert jede Tiefe; und was sie schreiben, wird unendlich seicht und trivial. (91)
Schönheit ist die einzige, heute noch einigermaßen erschwingliche Heldenhaftigkeit.
—Gerhard Falkner (im Gespräch mit Cornelia Jentzsch)
Gefühle sind die zumeist lästigen Nebenprodukte des harten Realismus der Geschichte; wenn ihre Verwalter schon die Fakten selektiv, also nach Gutdünken behandeln, so lassen sie die Gefühle derer, mit denen Geschichte gemacht wird, nach Möglichkeit ganz auf der Strecke bleiben. Das ist der Unterschied zwischen der Geschichte und den Geschichten.
—Wolfgang Hilbig