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Ernsthaft gut: Doppelkonzerte im Meisterkonzert

am 19. November 2013

Das Ganze ist ein Witz. Bei seiner neunten Sinfonie – ausgerechnet der Neunten! — hat Schostakowitsch es sich nicht nehmen lassen, mit allen Erwartungen und Traditionen zu spielen. Das hing natürlich auch mit seiner eigenen und der politischen Situation zusammen – 1945 hatte der Komponist schon einige Erfahrung mit Stalins Regime und dessen Kritikern gesammelt. Denen wollte er keine Triumphmusik schreiben – aber was er dann mit der Neunten im Herbst ablieferte, das muss für gerade diese Kritiker eine reine Unverschämtheit gewesen sein: Die knappe halbe Stunde heiterer Musik trieft nur so vor Ironie. Die ganze Sinfonie spielt mit klassischen Formen und Methoden – bis zur Übererfüllung. Wahrscheinlich ist sie eine der klassischsten Sinfonien, die im 20. Jahrhundert geschrieben wurde. Und ein hinterlistiges Spiel mit den Erwartungen, auch des Hörers. Man kann das als nette, kunstvoll gemachte Unterhaltung spielen. Oder man kann, wie Marcus Bosch es beim 3. Meisterkonzert mit der Ludwigshafener Staatsphilharmonie in der Rheingoldhalle machte, die abgründigen Seiten hervorkitzeln und das Absurde dieser Musik betonen. Bosch gelang das dermaßen gut, dass die Ironie aus jedem schönen Akkord und jedem schönen melodischen Einfall nur so hervorquoll. Vor allem die Mischung aus untergründig-bohrender Spannung und schwungvoll-ausgelassener Spielfreude, die Marcus Bosch im Finale bis zur tänzerischen Übermut ausreizte, machten die Neunte zu einem so wunderbaren Hörerlebnis.

Dabei war Schostakowitschs Sinfonie eigentlich nur das Ausrufezeichen am Schluss eines spannenden Konzertes. Davor stand noch der seltene doppelte Genuss eines Doppelkonzertes. Mit den Pianistinnen Mona und Rica Bard spielte die Staatsphilharmonie nämlich nicht nur ein Doppelkonzert, sondern gleich zwei: von Mozart und Francis Poulenc. Witz haben beide, aber auf jeweils ganz eigene Art.

Poulencs 1932 komponiertes Konzert für zwei Klaviere und Orchester ist mit seinen raschen Sprüngen, vielfältigen Wechseln und Reichtum an bunten Einfällen und Stilmischungen ein geschickter Konzertauftakt. Die zwei schlagkräftigen Akkorde des Beginns sind ein doppelter Startschuss. Damit beginnt ein Feuerwerk der Klangfarben und des Rhythmus — „reinster Poulenc“, wie der Komponist selbst einmal bemerkte. Bei Mona und Rica Bard war das Feuerwerk in guten Händen: Sie achteten sorgsam darauf, dass auch in der Hitze des Gefechts alles mit rechten Dingen zuging – während Bosch mit dem Orchester versuchte, zumindest ein bisschen zu zündeln.

Mozarts einziges Konzert für zwei Klaviere ist der Gelegenheit des gemeinsamen Musizierens mit seiner Schwester geschuldet. Das merkt man der Musik auch ganz unmittelbar an: Selten sind die beiden Solopartien so eng und unauflösbar ineinander verflochten wie hier. Und selten hört man sie so harmonisch ineinander gefügt wie von den Bard-Schwestern. Die beiden pflegten in der Rheingoldhalle ein sehr konzentriertes und kunstvolles Spiel. Das dabei der augenzwinkernde Witz Mozarts manchmal etwas hintenanstehen musste, verzieh man ihnen gerne. Zumal das Orchester alles tat, die kleine Lücke zu füllen. Die Aufgabenteilung war dabei schnell klar: Die Staatsphilharmonie übernahm die großen Gesten, die Pianistinnen die feinsinnige, fast kammermusikalische Klangtüftelei. Zusammen erklang so ein ernsthaft gutes Mozart-Konzert, das gewissenhaft und emotional zugleich war – und alles andere als ein Witz.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Orchestergast im Dom

von Matthias

am 30. April 2013

in musik

Die meisten Reisen, die ein Orchester wie das Mainzer Philharmonische Orchester unternimmt, geschehen nur im Kopf, denn sie sind bloß klanglich-musikalischer Natur: Italienische Oper klingt anders als deutsche, amerianische Sinfonik anders als russische. Manchmal ist der Grund fürs Wandern aber auch ganz profan und handfest – etwa wenn die Philharmoniker in den Dom umziehen. Eine weite Reise ist das zwar nicht gerade, vom Staatstheater sind es ja nur ein paar Schritte. Aber es ist eine ganz andere Welt. Kein Wunder also, dass das siebte Sinfoniekonzert eine Premiere war: Erstmals – aber nicht zum letzten Mal – spielt das Philharmonische Orchester unter Hermann Bäumer nicht auf der Bühne des Großen Hauses, sondern vor dem Altar des Doms.

Und wenn man schon den Raum wechselt, kann man das auch nutzen. Zum Beispiel, um die große Domorgel mitsamt ihrem Organisten Daniel Beckmann ins Konzert zu integrieren.
So hat das Orchester auch mal die Gelegenheit, die dritte Sinfonie von Camille Saint-Saëns zu spielen. Dafür ist nämlich eine Orgel unbedingt notwendig. Ganz im Sinne der Partitur und trotz des Beinamens „Orgelsinfonie“ machen das Bäumer und Beckmann aber ganz unauffällig: Wie ein „normale“ Orchesterinstrument fügt sich die Orgel unauffällig in das Klanggeschehen ein. Bäumer zeigt die Dritte von Saint-Saëns – unzweifelhaft sein bekanntetes Werk und auch vom Komponisten selbst als das Beste, was er komponieren konnte, sehr geschätzt – als ein sehr lebeniges Werk. Unter seinen Händen verliert die Sinfonie nie den energetisch pulsierenden Drang. Auch seine Tendenz zum hellen, leichten und beweglichen Klang unterstützt diese lebensbejahende Interpretation. Obwohl sich das ganze Werk eigentlich aus dem „Dies irae“, der Totensequenz, speist, macht Bäumer ohne Verrenkungen und Übertreibungen daraus geschmeidige, fast überschwänglich freundliche und freudige Musik, deren Leichtigkeit auch in der halligen Akustik des Doms ziemlich gut funktioniert.

Und wenn das Orchester schon mal im Dom zu Gast ist, muss man das auch ausnützen und nicht nur die Orgel hinzuziehen, sondern auch das Hausensemble. Für das Stabat Mater von Francis Poulenc nutzt Bäumer auch noch die vom Domkapellmeister Carsten Storck vorbereitete Domkantorei. Zusammen erreichen sie besondere Intensität. Ganz zu eigen macht sich Bäumer die schmerzerfüllte Musik allerdings nicht, eine gewisse Distanz bleibt zunächst hörbar, gerade in den noch etwas steifen ersten Momenten. Im Detail gelingen ihm aber immer wieder prächtige Bilder, die Poulencs Klangfarbenwelt voll ausschöpfen. Auch die Sopranistin Vida Mikneviciute fügt sich in die berührende Interpretation mit Leichtigkeit ein. Und je weiter die Musik fortschreitet, desto mehr fügt sich alles zusammen. Bäumer findet mit Chor und Orchester zu einer zunehmenden Grandezza und treibt die Musik zu immer neuen Höhepunkten, die aus dem Schmerz wunderbare Schönheiten machen – bis zur verklärt-verklärenden Intensität des Schlusses. Für solche Erlebnisse darf das Philharmonische Orchester gerne noch öfter in den Dom umziehen.

(Geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Mondsüchtige Musik

von Matthias

am 23. April 2013

in musik

Schade, dass gerade kein Vollmond war. Dann hätte das Kammerkonzert im Kleinen Haus des Mainzer Staatstheaters noch besser gepasst. Aber unabhängig von der Stellung der Gestirne war das „Mondsüchtig“ übertitelte Programm trotzdem einen Besuch wert – auch wenn viel zu viele Plätze leer blieben. An der Qualität der Musik und der Darbietung kann es nicht gelegen haben. Aber wahrscheinlich schreckt der Name Arnold Schönberg immer noch zu sehr ab. Dessen „Pierrot lunaire“ ist zwar auch schon gute hundert Jahre alt, gilt aber immer noch als Neue Musik.

Da half dann auch der zweite Teil des kurzen Konzertes nicht: Francis Poulenc ist kaum als Neutöner verschrieben. Und seine Kammerkantate bleibt auch schön brav tonal. Wobei „brav“ die Haltung des Komponisten nicht trifft: Die Musik ist nämlich ausgesprochen frech. Überall bedient sie sich, bei Mozart genauso wie im Caféhaus oder Tanzlokal, sie zitiert und parodiert, sie steht ständig an der Schwelle zur Parodie und Satire. Poulenc selbst hatte eine hohe Meinung von seinem heute recht selten aufgeführten Werk: “Wer das nicht kennt, liebt meine Musik nicht wirklich. Das ist hundertprozentiger Poulenc”, sagte er einmal. Und Recht hat er.
Die acht Instrumentalisten aus dem Philharmonischen Orchester und der Bartion Richard Logiewa unter der Leitung von François Salignat spielten das mit hörbarem Genuss. Und dann macht auch das Zuhören Spaß. Sogar den französischen Text, den Logiewa kantig-profiliert von pathetischer Opernparodie bis zur schmierigen Schnulze singt, versteht man. Deswegen hat man dann die Gedichte von Max Jacob zwar noch nicht unbedingt verstanden, aber das macht ja nichts, die Musik entschädigt ausreichend.

Wie wenig man sich bei Schönbergs Musik von seinem Namen abschrecken lassen sollte, machte die Interpretation des „Pierrot lunaire“ im Kleinen Haus sehr deutlich. Sicher, das ist atonale Musik. Aber sie ist trotzdem unmittelbar zugänglich und verständlich. Vor allem, wenn man die 21 Lieder, die Schönberg aus Albert Girauds Zyklus „Pierrot Lunaire“ vertonte, so offen und gefühlsbetont musiziert wie das Ensemble im Staatstheater.

Die kraftvolle und füllige, zwischen Sprechen, Deklamieren und Singen – mit einer deutlichen Tendenz zum letzteren — changierende Stimme von Annette Luig strahlt auf den Rest des Ensembles aus: Das ist keine unterkühlte Konstruktion der Moderne, sondern weicht geradezu ins Gegenteil aus. Die Betonung der Empfindung und Empfindsamkeit wird den Musikern hin und wieder durchaus übermächtig, dann kippt das auch mal von der Konzentration zum Übermut bis zur Beinahe-Ekstase – immer aber mit fesselnder Intensität, die nur selten improvisatorischer Leichtigkeit weicht. Vor allem aber klingen die Lieder hier immer als – kleine oder größere – Dramen. Nicht auszudenken, wie das erst klänge, wenn wirklich Vollmond wäre.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Mozart und Paris

von Matthias

am 22. Mai 2012

in musik

Mozart und Paris, das war alles andere als eine innige Liebesbeziehung. Und doch ist es sinnvoll, Mozarts Es-Dur-Quintett mitten in ein Konzert mit französischer Musik zu platzieren. Denn auch wenn er über die Pariser und die Franzosen im allgemeinen in seiner unnachahmlich direkten Art böse schimpfte – hingehört hat Mozart genau, als er an der Seine war. Bläser solo und im Ensemble hat er da zum Beispiel viel erlebt. Und vielleicht wäre es ohne diese Bekanntschaft nicht zum Es-Dur-Quintett gekommen. Ganz sicher aber wäre es nicht dazu gekommen, hätte Mozart nicht auch in Wien großartige Instrumentalisten erlebt.

Wie auch immer: Das Quintett für Bläser und Klavier ist jedenfalls ein erster Höhepunkt beim Konzert der Stipendiaten der Villa Musica um die beiden Dozenten Ingo Goritzki und Johannes Peitz. Fast ein Dutzend junger Musiker bevölkern in diesem Konzert abwechselnd die Bühne. Und alle sehr souverän dabei. Das war auch dem Mozart-Quintett anzuhören: Hohe Anspannung und Konzentration ist zu merken. So geschmeidig der Klang sich darbietet, bleiben doch einige Kanten und eckige Phrasierungen, die gerade die Ecksätze an manchen Stellen etwas schwerfällig wirken lassen. Andererseits passt das auch ins Konzept, das die schwermütige Stimmung, den etwas gedämpften Optimismus dieser Musik besonders hervorhebt. Schade nur, das der Klavierklang hinter der schönen Klangwand der vier Bläser etwas versteckt bleibt.

150 Jahre später klang die Stadt Paris ganz anders. Wie ein Komponist sie in der Zwischenkriegszeit erlebte, davon vermittelt Francois Poulencs Sextett für Bläser und Klavier ein unmittelbar tönendes Bild: Trubel und Eleganz, Lässigkeit und Hektik prägen dieses Sextett, das in einigen Passagen ein aufregend realistisches akustisches Abbild der Metropole zeigt, ohne andererseits die kunstvolle Fertigkeit ihres Schöpfers zu verbergen. Vor allem in einer so plastischen Aufführung wie in der Villa Musica klingt das berauschend. Da stört es auch kaum noch, dass diese Musik im intimen Konzertraum auf der Bastei eigentlich arg beengt ist – das verlangt nach Größe und Freiheit. Unbekümmert frisch, unverbraucht drängend sprudelt die reichhaltige Rafinesse Poulencs aber auch hier, von den Stipendiaten mit Herzblut vergegenwärtigt. Die vielen präsenten Augenblicke, die sich dank des Überblicks der Interpreten zu größeren Zusammenhängen formen und beide Pole in einem aufregenden Gleichgewicht halten, sind genau so aufregend, wie eben nur Paris sein kann.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)