Schlagwort: dimitri schostakowitsch

Wälder, Sonne & Hinrichtungen: Schostakowitschs Kantaten

am 8. Oktober 2015

Kantaten sind nicht unbedingt die Gattung, die man besonders eng mit Dmitri Schostakowitsch verbindet. Und doch gibt es von ihm einige Exemplare, die durchaus hörenswert sind. Freilich muss man bei Schostakowitsch stets seine biographische und politische Situation bei der Komposition berücksichtigen. Zwei der hier aufgenommenen Werke sind anders überhaupt nicht zu erklären – weder dass es sie überhaupt gibt noch dass sie in dieser Form entstanden sind.

„Über unserer Heimat scheint die Sonne“ und „Das Lied von den Wäldern“ sind mehr oder weniger als Besänftigungsversuche zu verstehen, als Adresse an einen totalitären Staat, dass der Komponist doch eigentlich ganz brav ist. Järvi konfrontiert die beiden apologetischen Kantaten auf dieser randvollen CD mit der „Hinrichtung des Stefan Razin“, 15 Jahre später in deutlich liberaleren Zeiten entstanden und durchaus als kaum vehüllte Kritik an der KPdSU zu lesen, verherrlicht sie in der historischen Gestalt des Stefan Razin doch eine Rebellion gegen ein repressives System.

Der Kontrast wird hier besonders stark, weil Järvi bei den beiden frühen Kantaten die ursprünglichen Texte nutzt, die der Komponist später um die direkten Stalin-Huldigungen (im „Lied von den Wäldern“ wird er etwa als „großer Gärtner“ betitelt) abgemildert hatte. Aufgrund eines Verbots der Schostakowitsch-Erben durften die Texte allerdings nicht abgedruckt werden – sehr schade, denn wer kann schon so gut russisch, dass er das hörend verfolgen kann? Aber hören kann man dennoch eine Menge: Die ausgezeichneten Chöre zum Beispiel, den sicheren Narva-Knabenchor und den kraftvollen und sehr klangstarken Estnischen Konzertchor. Begleitet vom gut aufgelegten Estnischen National-Symphonie-Orchester, dessen Schlagwerk wesentlich zum Gänsehautfeeling beiträgt, das diese Aufnahmen immer wieder verströmen: Durch die von den ersten mächtigen, düsteren Akkordschlägen bis zum apotheotischen Schluss packende Musik, aber auch die heute ausgeprochen skuril wirkenden Texte, die man beim Hören gerne ausblendenden möchte.

Am leichtesten geht das bei der „Hinrichtung des Stefan Razin“. Die wesentlich vielfältigere und spannendere Tonsprache treibt alle Beteiligten, auch den sonor-soliden Bass Alexei Tanovitski, zu Höchstleistungen. Gerade in op. 90 ist die Dauererregtheit und permanente Freude, die gerade musikalisch geradezu platt und bar jeder Differenzierung zu banalen Texten (die im Booklet leider nicht abgedruckt sind) ertönt, stellenweise kaum ertragbar – Järvi nimmt das auch nicht zurück, sondern lässt das als opportunistische Musik einfach mal so stehen. Er versagt sich dieser demonstrativen Zugänglichkeit der Musik auch überhaupt nicht: Das klingt wunderbar großartig und wunderbar banal. Aber so ganz gibt er sich mit dieser glänzenden Hülle eben doch nicht zufrieden: Das Brodeln unter der Oberfläche wird bei Järvi vom Äußeren oft kaum noch in Zaum gehalten. Dabei verbindet er sehr geschickt und harmonisch die großen Gesten der szenisch-filmhaften Musik mit den vielen feinen, lyrischen Details der Chorstimmen, die hier wunderbar lebendig strahlen. Vor allem die pralle Vitalität und die agil-angespannte Präsenz der beiden Chöre machen diese Aufnahme ganz besonders. Das ist sicher keine Musik, die Schostakowitsch-Verächter zu großen Bewunderen bekehrt, aber rotzdem eine wichtige Facette seines reichen Oeuvres. Zumal in einer so lebhaften Interpretation.

Dimitri Schostakowitsch: Kantaten (Die Hinrichtung des Stepan Rasin op. 119; Über unserem Vaterland scheint die Sonne op. 90; Das Lied von den Wäldern op. 91). Estonian Concert Choir, Estonian National Symphony Orchestra, Paavo Järvi. Erato 2015.
CD

(In einer etwas kürzeren Version zuerst erschienen im Oktoberheft von »Chorzeit — Das Vokalmagazin«)

Ernsthaft gut: Doppelkonzerte im Meisterkonzert

von Matthias

am 19. November 2013

in musik

Das Ganze ist ein Witz. Bei seiner neunten Sinfonie – ausgerechnet der Neunten! — hat Schostakowitsch es sich nicht nehmen lassen, mit allen Erwartungen und Traditionen zu spielen. Das hing natürlich auch mit seiner eigenen und der politischen Situation zusammen – 1945 hatte der Komponist schon einige Erfahrung mit Stalins Regime und dessen Kritikern gesammelt. Denen wollte er keine Triumphmusik schreiben – aber was er dann mit der Neunten im Herbst ablieferte, das muss für gerade diese Kritiker eine reine Unverschämtheit gewesen sein: Die knappe halbe Stunde heiterer Musik trieft nur so vor Ironie. Die ganze Sinfonie spielt mit klassischen Formen und Methoden – bis zur Übererfüllung. Wahrscheinlich ist sie eine der klassischsten Sinfonien, die im 20. Jahrhundert geschrieben wurde. Und ein hinterlistiges Spiel mit den Erwartungen, auch des Hörers. Man kann das als nette, kunstvoll gemachte Unterhaltung spielen. Oder man kann, wie Marcus Bosch es beim 3. Meisterkonzert mit der Ludwigshafener Staatsphilharmonie in der Rheingoldhalle machte, die abgründigen Seiten hervorkitzeln und das Absurde dieser Musik betonen. Bosch gelang das dermaßen gut, dass die Ironie aus jedem schönen Akkord und jedem schönen melodischen Einfall nur so hervorquoll. Vor allem die Mischung aus untergründig-bohrender Spannung und schwungvoll-ausgelassener Spielfreude, die Marcus Bosch im Finale bis zur tänzerischen Übermut ausreizte, machten die Neunte zu einem so wunderbaren Hörerlebnis.

Dabei war Schostakowitschs Sinfonie eigentlich nur das Ausrufezeichen am Schluss eines spannenden Konzertes. Davor stand noch der seltene doppelte Genuss eines Doppelkonzertes. Mit den Pianistinnen Mona und Rica Bard spielte die Staatsphilharmonie nämlich nicht nur ein Doppelkonzert, sondern gleich zwei: von Mozart und Francis Poulenc. Witz haben beide, aber auf jeweils ganz eigene Art.

Poulencs 1932 komponiertes Konzert für zwei Klaviere und Orchester ist mit seinen raschen Sprüngen, vielfältigen Wechseln und Reichtum an bunten Einfällen und Stilmischungen ein geschickter Konzertauftakt. Die zwei schlagkräftigen Akkorde des Beginns sind ein doppelter Startschuss. Damit beginnt ein Feuerwerk der Klangfarben und des Rhythmus — „reinster Poulenc“, wie der Komponist selbst einmal bemerkte. Bei Mona und Rica Bard war das Feuerwerk in guten Händen: Sie achteten sorgsam darauf, dass auch in der Hitze des Gefechts alles mit rechten Dingen zuging – während Bosch mit dem Orchester versuchte, zumindest ein bisschen zu zündeln.

Mozarts einziges Konzert für zwei Klaviere ist der Gelegenheit des gemeinsamen Musizierens mit seiner Schwester geschuldet. Das merkt man der Musik auch ganz unmittelbar an: Selten sind die beiden Solopartien so eng und unauflösbar ineinander verflochten wie hier. Und selten hört man sie so harmonisch ineinander gefügt wie von den Bard-Schwestern. Die beiden pflegten in der Rheingoldhalle ein sehr konzentriertes und kunstvolles Spiel. Das dabei der augenzwinkernde Witz Mozarts manchmal etwas hintenanstehen musste, verzieh man ihnen gerne. Zumal das Orchester alles tat, die kleine Lücke zu füllen. Die Aufgabenteilung war dabei schnell klar: Die Staatsphilharmonie übernahm die großen Gesten, die Pianistinnen die feinsinnige, fast kammermusikalische Klangtüftelei. Zusammen erklang so ein ernsthaft gutes Mozart-Konzert, das gewissenhaft und emotional zugleich war – und alles andere als ein Witz.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

sibelius und schostakowitsch im staatstheater

von Matthias

am 11. November 2008

in kritik, musik

Es war kein reines Zuckerschlecken, das zweite Sinfoniekonzert im Mainzer Staatstheater. Aber dafür ein großartiges Erlebnis. Und das aus vielen Gründen. Zum einen wäre da die Solistin, die Cellistin Tatjana Vassiljeva. Schon die ersten Töne des hochvirtuosen ersten Violoncello-Konzertes von Dimitri Schostakowitsch setzten Maßstäbe, denen Tatjana Vassiljeva auch durchweg gerecht wird. Der ganze erste Satz ist ein einziger atemloser Spurt, den die Russin mit grenzwertigem Druck und mit bis zum Zerreißen angespannter Konzentration absolviert. Über den stärker singenden, aber immer noch sehr fokussierten zweiten Satz bis in die funkensprühende Rasanz und kristallne Klarheit der Kadenz bis zur intensiven Dichte des Schlusses reicht die Anspannung in einem einzigen großen Bogen.
Der zweite Grund für das besondere Gelingen des Konzertes war das Philharmonische Staatsorchester. Denn die boten deutlich mehr als übliche Routine. Die klangliche Geschlossenheit und einsatzfreudige Hingabe, mit der die Musiker spielten, beflügelte nicht nur Schostakowitschs Konzert, sondern auch und vor allem die vierten Sinfonie von Jean Sibelius.
Und die führt auch schon direkt zum eigentlichen Zentrum des Abends: Arvo Volmer. Denn vor allem an ihm lag es, dass die vierte Sinfonie zu so einem Erfolg wurde. Ihm gelingt es nämlich scheinbar ohne besondere Anstrengung, die vielen, nach allen Seiten ausgreifenden Episoden dieser Musik immer fest zusammen zu schweißen. Und darüber hinaus, diese Einheit auch noch ganz natürlich und organisch wirken zu lassen. Das ist zwar in jedem Moment sehr gut bedacht, aber nie bedächtig. Denn auch wenn er sich durchaus Zeit für die genau ausgearbeitet Entfaltung der Musik und ihrer Form nimmt – langweilig wird das nie. Das liegt vor allem daran, die Einheit seiner Interpretation der inneren Logik der Sinfonie sehr genau folgt. Sie behauptet nie eine heile Welt, sondern vermittelt auf verblüffend deutliche und übersichtliche Weise ganz viel: Die Erfahrungen und Einsichten des Komponisten in den Zustand der Welt und das Wesen der Moderne. Das geht weit über bloß anregende Unterhaltung hinaus und ist alles andere als harmlose, beliebige Kunst – aber dafür umso lohnender. Vor allem, wenn es so deutlich und überzeugend musiziert wird wie im Staatstheater.