Yury Martynov spielt die Liszt-Transkription der Beethoven-Sinfonien ganz wunderbar. Hier ist es der vierte Satz aus der ersten Sinfonie:
Ins Netz gegangen am 31.12.:
Ursula von der Leyen, die als Arbeitsministerin im Karstadt-Haus Wange an Wange mit Berggruen posierte, die auf ministerlichem Papier Druck ausübte auf die Banken, den Weg frei zu machen für den Milliardär – sie befehligt inzwischen das Militär und geht in Deckung: Nicht ein Wort gibt es zur eigenen Rolle im Millionenspiel um Karstadt.
Ein Wiener Streichquartett – klar, Mozart und Beethoven, nicht? Von wegen. Das radio.string.quartet.vienna spielt eher in der tradition des kronos-quartet: alles, was ihnen unter die Bögen kommt. Viel Pop- und Jazzstandards (nicht ohne Grund veröffentlichen sie auf dem ACT-Label), aber auch ganz anderes – allerdings immer in eigenen Arrangements, mit viel Klangspiel und vor allem Musikalität. Das macht Spaß und regt an. Zum Beispiel der fantastische Liebestraum von Franz Liszt, auf der 2011 erschienen CD „radiodream“:
Jubiläen sind wohl nirgends so wichtig wie in der Musikbranche. Zu jedem halbwegs runden Todes- und Geburtstag werden die Programme geändert, jeder meint, unbedingt etwas passendes aufzuführen (natürlich aber nur, wenn es um „große“ Komponisten geht). In die Kategorie „Jubiläumshype“ passt auf den ersten Blick auch „The Liszt Project“, wie die Doppel-CD, die Pierre-Laurent Aimard – immerhin einer meiner allzeit-Lieblingspianisten – im Frühjahr für die Deutsche Grammophon aufgenommen hat.1 Aber diese zwei CDs erheben sich aus der Masse der Pflicht-Erinnungen. Aus einem Grund: Pierre-Laurent Aimard. Der hat nämlich (natürlich) nicht einfach ein paar bekannte Liszt-Werke zusammengesucht und aufgenommen. Nein, er macht etwas anderes – etwas besseres: Er konfrontiert einige, wenige ausgewählte Liszt-Kompositionen mit ganz viel anderer Musik: Mit Wagner (Klaviersonate As-Dur), mit Scriabin und Ravel, aber auch mit Bartók, Berg, Messiaen und dem 1959 geborenen Marco Stroppa. Und das hat ganz viel Sinn und Bedeutung – sonst würde er es ja nicht machen. Vor allem aber: Diese Konfrontation stellt Liszt in ganz verschiedene Traditionszusammenhänge, zeigt – auch unerwartete – Beziehungen. Und ergibt ein wunderbares Ganzes. Das Programm ist also – schon auf dem Papier – überzeugend. Aber das ist nicht alles.
Ich bin jedenfalls gerade total begeistert und fasziniert von dieser CD: Wahrscheinlich ist das in der Summe und im Detail eine der besten Klavier-CDs, die ich kenne (und besitze). Allein schon wegen der grandiosen Aufnahmetechnik, die dem Flügel eine unvergleichliche Präsenz verschafft,2 eine grandiose Detailauflösung (auch im räumlichen – jeder Ton hat seinen eigenen Platz!) hören lässt und einfach verblüffend realistisch klingt.
Vor allem ist die CD aber großartig, weil sie musikalisch begeistert. Und das liegt, wenn man es auf den Punkt bringen will, an der lebendigen Genauigkeit, mit der Pierre-Laurent Aimard arbeitet (spielen mag das kaum nennen). Gerade die Vernüpfung von ungeheuer detailverliebter Genauigkeit, die wirklich an jedem Ton bis zur Vervollkommnung arbeitet, mit der agogischen und phrasierenden Lebendigkeit ist Aimards Markenzeichen.3
Immer wieder fasziniert mich ja seine Fähigkeit, nicht nur die formale Gestaltung sowohl auf der Makro- als auch auf der Mikroebene vollkomen im Blick zu haben, sondern vor allem seine unmenschlich genaue klangliche Differenzierung (und ihre Disziplinierung), mit der er das Ton werden lässt.
Ein paar Highlights bisher: Unbedingt die vitale, fast strahlende Sonate op. 1 von Alban Berg, die trotz ihrer Konzentration ganz ungezwungen und natürlich wirkt.
Dann selbstverständlich die h‑moll-Sonate von Liszt selbst:4 Kein pianistisches Bravourstück, keine trockene Formübung und auch kein Kampf musikalischer Charaktere: Das ist ausgeglichen, aber nie blass; vermittelnd, aber alle Seiten und Aspekte genau vollziehen. Wahrscheinlich ist es gerade dieser Aspekt, möglichst vielseitig zu spielen, möglichst viele Facetten eines Werkes lebendig werden zu lassen, ohne einige oder wenige davon zu absolutieren, der mich hier und bei dem Rest der Aufnahme so anzieht. Das ist in der Praxis natürlich nie einfach, weil so eine umfassender Interpretationsversuch oft reichlich blass und langweilig wirkt und nur den Eindruck erweckt, der Interpretation wolle es um jeden Preis vermeiden, einen Standpunkt zu beziehen. Davon kann hier aber keine Rede sein.
Auch die/das (?) „Tangata manu“ von Marco Stroppa ist beeindruckend: Diese Musik passt fast nahtlos zwischen Liszts Vogelpredikt des Franz von Assisi aus den „Année de Pélèrinage, Band II und den Wasserspielen der Villa Este (aus Band III). Das ist auch eine Form, moderne und zeitgenössische Musik dem Hörer nahezubringen – ganz ohne großes didaktisches Klimbim, sondern eben einfach als Musik, die man als Weiterentwicklung klassischer/romantischer Modelle hören kann.5 Überhaupt ist der zweite Teil/die zweite CD fast ein einziger Klangrausch, durchweg auf höchstem Niveau. Auch Ravels „Jeux d’eau“ sind schlicht grandios.
Was mich (wieder einmal) aber ziemlich abschreckt, ist die Gstaltung der CD. Abgesehen davon, dass sie übersäht ist mit Aufmerksamkeitshaschern, mit mehrern Aufklebern beklebt, versteckt sie gerade die wichtigen Informationen – nämlich die Spielfolge – ziemlich gut. Dafür sind noch ein paar nichtssagende Sätze und überschwängliches Lob draufgedruckt worden … Immerhin, der Komponistenname ist ein bisschen größer als der Aimards – auch keine Selbstverständlichkeit, bei vielen CDs scheint der Interpret heute (zumindest typografisch) wichtiger zu sein als der Komponist. Dafür aber in einer reichlich seltsamen, eigentlich unapssenden Schrift …
Schade auch, dass die Deutsche Grammophon, die doch so stolz auf ihre Tradition ist, dem kein vernünftiges Beiheft mehr spendiert: Ein klitzekleines Interview mit dem Pianisten ist da drin – sonst nichts. Keinerlei mehr oder weniger analytischen Anmerkungen, keine (musik-)historischen Einordnungen, nichts. So kann man das Niveau auch immer wieder unterbieten …
Davon mal abgesehen (und das merkt man beim Hören ja glücklicherweise nicht): Eine CD zum glücklich Werden. Eindeutig.
The Liszt Project. Pierre-Laurent Aimard spielt Bartók, Berg, Messiaen, Ravel, Scriabin, Stroppa, Wagner und Liszt. Deutsche Grammophon 2011.
Wenn schon das Wetter nicht mitspielt, dann wenigstens die Kunst: Der Mainzer Musiksommer ist wieder eröffnet:
Keine leichte Sache wird das: Von 16. bis zum 20. Jahrhundert reicht die Spanne, von franko-flämischer Vokalpolyphonie bis zu spätromantischen Chorliedern. Das Eröffnungskonzert des Mainzer Musiksommers im Dom ist damit fast ein kleines Festival in sich.
Einfach ist das nicht, so eine große Vielfalt in einem Konzertabend zusammenzubringen und jedem einzelnen Werk auch gerecht zu werden. Doch Domkapellmeister Mathias Breitschft gelingt das mit dem Domkammerchor richtig gut. Sicher, die Spezialisten würden die Chormusik der Mainzer Hofkapellmeister wie Gabriel Plautz, Philipp Friedrich Buchner oder Johann Zach schon anders singen. Aber auch Breitschaft findet einen guten Weg. Einen sanften vor allem:
Immer wieder fällt in diesen liturgischen Chorsätzen aus dem Renaissance- und Barock-Mainz der weiche Chorklang auf, den Breitschaft formt. Der Domkammerchor und seine Solisten lassen den Klang förmlich in die Domhalle fließen, ohne die Kontrolle über die Konturen zu verlieren – und mit der Fähigkeit, immer wieder klare Akzente zu setzen und Höhepunkte zu formen.
Der Sprung in die Romantik ist dann freilich doch genau das: Ein Sprung. Und ein recht großer noch dazu. Zumal Franz Liszts „Präludium und Fuge über B‑A-C‑H“ für Orgel ja auch nicht zurückhält mit großen Gesten, harmonischen Kühnheiten und klanglichen Effekten.
Domorganist Daniel Beckmann, der in der ersten Hälfte den Chor auch schon mit Cellistin Traudl Eutebach im Generalbass unterstützt hat, übernimmt die Aufgabe, diesen Sprung auszuführen – und tut das gewandt, ohne die Bodenhaftung zu verlieren. Wo andere Organisten sich gerne austoben, bevorzugt er eher gemäßigte Tempi und nimmt sich auch Zeit für Ruhepunkte – so bleibt auch in der Domakustik noch vieles erkennbar. Vor allem aber ist es seine sehr fantasievolle, abwechslungsreiche und einfühlsame Registrieung, die nicht nur das Potenzial der Orgel auskostet, sondern auch dem Werk zur vollen Geltung verhilft.
Der Domkammerchor nimmt das dann direkt auf: Mit drei Motetten von Liszt zeigt er sich in der zweiten Konzerthälfte deutlich farbiger als zuvor in der Abteilung „Alte Musik“, deutlich vielfältiger auch in Dynamik und Artikulation. Vor allem zum Schluss hin steigern sich die nachdenklichen Innigkeiten: Sorgsam und faszinierend detailreich entfaltet Breitschaft schon Hugo Wolfs „Geistliche Lieder“, behutsam und bedacht lässt er ihre resignativ-erlöste Endzeitstimmung genau ausformen. Und mit der Motette „Schaffe in mir Gott“ von Johannes Brahms, die zumindest formal noch einmal den Bogen zum Anfang des Konzertes schlägt, kann er das sogar noch ein bisschen überbieten: Mit gezieltem Krafteinsatz, mit präzis gesetzten Höhepunkte und trotz aller klanglichen Delikatesse vor allem mit viel begeistertem Schwung.
(geschrieben für die Mainzer Rheinzeitung.)
2011 als Jubiläumsjahr – sein Geburtstag jährt sich zum 200. Mal – war der offensichtliche Anlass für diese Buch: Wolfgang Dömlings kleine Biographie „Franz Liszt“. Erschienen ist das in der von mir grundsätzlich sehr geschätzen Reihe „Wissen“ des Beck-Verlags. Aber da passt dieses Buch kaum rein – im Gegensatz zu anderen dort erschienen Bändchen hat es mich sehr enttäuscht, obwohl es in der Taschenbuchkolumne der Süddeutschen Zeitung sehr direkt empfohlen wurde. Und zwar war ich sowohl inhaltlich als auch formal und sprachlich ziemlich enttäuscht.
Fangen wir mit dem pingeligsten an, den Formalalitäten: Entgegen der Reihen-Gepflogenheiten gibt es hier überhaupt keine vernünftigen Literaturhinweise: Dömling erwähnt den MGG-Artikel – und genau ein Buch.1 Das war’s auch schon – sehr enttäuschend. Und auch wenig hilfreich. Es gibt doch bestimmt auch gute musikwissenschaftliche, werkanalytische Literatur zu Liszt, die dem Leser etwas weiterhelfen könnte.2 Damit hängt vielleicht auch das inhaltliche Problem zusammen … – aber dazu später noch etwas.
Sprachlich fallen sofort die Satz-Ungetüme oder ‑Ungeheuer auf: Dömling häuft nämlich gerne in einem Satz alles an, was ihm so an Information über den Weg läuft – mit unzähligen Einschüben, Appositionen, Relativsätzen und so weiter. Und irgendwann, das ist bei ihm gar nicht selten, ist der ursprüngliche Satz gar nicht mehr zu erkennen. Ob der trockene, spröde Stil (der nur auf den letzten Seiten, wo es um Liszts Spätwerk geht, einige Funken schlägt) als Plus- oder Minuspunkt zu werten ist, bleibt sicher Geschmacksache. Ich fand es oft arg dürr.
Und inhaltlich? Das hängt durchaus wieder mit der sprachlichen Gestaltung zusammen. Dömling gibt sich gerne etwas besserwisserisch, etwas paternalistisch belehrend erzählt er den Lebensweg in groben (oft nur sehr bruchstückhaften) Umrissen, greift gerne mal auf das „wie bekannt“ zurück. Dabei hat er offenbar durchaus den Laien im Blick, vieles musikfachliches wird von ihm nämlich gut und knapp erklärt, die fachlichen Voraussetzungen hält er ausgesprochen niedrig: Selbst eigentlich banale Dinge wie das Transponieren oder vom-Blatt-Spielen erklärt er mehrfach (aber wer eine Virtuosen- & Komponistenbiographie liest, wird solch elementare Sachverhalten doch wohl ungefähr parat haben …). Das sieht dann z.B. mal so aus:
1834 begegnete Liszt der Schriftstellerin George Sand (nom de plume für Aurore Dudevant), einer Frau, deren Klischeebild in der Nachwelt, besonders der deutschen, recht unfreundlich ist: als hosentragende, zigarren- und männerverschlíngende Emanze, die viele schlechte Romane geschrieben hat und nur als Pflegerin-Muse des unglücklichen Chopin in Erinnerung bleibt. (Eine der mit steter Regelmäßigkeit auftauchenden Kulturveranstaltungen in deutschen Städten heißt „Ein Winter auf Mallorca“, multimedial gestaltet mit einer Lesung aus Sands gleichnamigem Buch, mit Lichtbildern und mit Chopins Musik – darunter natürlich das „Regentropfen-Prélude“, das freilich als solches nur in der populären Überlieferung identifizierbar scheint …) Sand und Chopin lernten sich übrigens bei Liszt kennen. Der Winter auf Mallorca 1838/1859, worunter man sich heute vielleicht etwas „Rornantisches“ vorstellt, war voller mehr oder weniger schrecklicher Erlebnisse. (Welch seltsame Idee ja auch, mit zwei Kindern und einem Pianisten und Komponisten, Großstadtmensch und krank dazu, sich im Winter auf eine unwirtliche und ungastliche Insel zurückzuziehen!) 3
Gut gelingt Dömling aber auch manches, vor allem die (musik-)historische Situierung und Einordnung Liszts, seiner Konzertpraxis und seiner Kompositionen. Das nimmt zar nur sehr wenig Raum ein, aber immerhin nimmt er sich die Zeit und den Platz – gerne auch mit entsprechenden Rückblicken, zu klar soll es ja nicht werden – zu schildern, was an Listzs Treiben Besonderheit oder Normalität im 19. Jahrhundert war – das ist ein sehr guter Zug.
Im ganzen wirkt das aber auf mich noch arg unfertig, wie eine Vorstudie für ein „richtiges“ Buch: Dömling springt fleißig hin und her, ohne das immer ausreichend deutlich zu machen, beginnt irgendwie immer wieder neu. Deutlich wird das vor allem in seiner Darstellung der 1830er: Liszts Konzertkarriere darf hier unzählige Male neu beginnen – aber über das wie, das was und vor allem das warum erfährt man dann doch herzlich wenig. Überhaupt, der Konzertkünstler Liszt ist hier total unterbelichtet, gerade was die zeitgenössische Rezeption angeht, aber auch, was seine eigentlichen Unternehmungen betrifft.
Dazwischen, in dieser Materialsammlung oder diesem Steinbruch, stehen dann doch immer wieder kluge Sätze, die Einsicht und Einfühlungsvermögen verraten und den Leser wieder versöhnen.4 Schade nur, dass es so wenige bleiben und dass sie so verstreut sind. Seine Andeutungen haben aber irgendwie Methode: Das geschieht immer auf ähnliche Weise, wie z.B. Liszts Beziehung zu Wagner:
Cosimas detaillierte Tagebuchnotate sagen dazu mehr als genug.5
Toll, dass Dömling das weiß. Ich hätte es auch gerne erfahren …
Mein Haupt-„Problem“ bei der Lektüre des biographischen Abrisses aber: Mir scheint, er hat keine wirkliche Deutung des Lebens, keine Interpretation des Lebensweges – deswegen wirkt das so akademisch, weil er über große Teile des Textes nur die äußeren Stationen abhandelt, die Psychologie des Komponisten aber keine (bzw. nur eine kleine) Rolle spielt. Dazu kommt dann noch eine eher verwunderliche Zurückhaltung, was die Beschreibung und/oder Analyse der Musik Liszts angeht – das ist oft erschreckend und ärgerlich kurz, oberflächlich und nichtssagend. Von einem Musikwissenschaftler, der sich schon länger mit Liszt beschäftigt, hätte ich gerade in diesem Punkt deutlich mehr erwartet.
Also, in meinen Augen keine empfehlenswerte Biographie, auch im Jubiläumsjahr nicht: Wer noch keine Kenntnisse der Biographie Liszts hat, wird sich hiermit wohl schwertun. Und warum die Süddeutsche das empfehlenswert fand, erschloss sich mir überhaupt nicht.
Wolfgang Dömling: Franz Liszt. München: Beck 2011 (Wissen). ISBN 978−3−406−61195−7. 112 Seiten.
Präsentiert von WordPress & Theme erstellt von Anders Norén
