Schlagwort: improvisation Seite 6 von 7

alles wieder geschlossen

am 2. November 2007

nein, so heißt es gerade nicht: „alles wieder offen” behauptet das neue album (phase 3 der supporter-zeit) der einstürzenden neubauten. aber leider stimmt das immer weniger. das letzte war ja noch als versuch in die richtige richtung warzunehmen (nachdem perpetuum mobile auch schon nicht mehr die kraft der frühen en hatte). aber das wird jetzt immer schlimmer.

blixa bargeld dreht mittlerweile total ab in die rolle des poète maudit. er kann sie aber dummerweise nicht wirklich ausfüllen: klischee über klische über klischee häufen seine texte inzwischen. das war ja schon eine weile abzusehen. aber inzwischen strahlt diese haltung auch auf die musik aus. und er scheint die gruppe immer mehr zu dominieren. enttäuschend vor allem bass von alex hacke — das ist völlig belanglos geworden.

das schlimmste daran ist vor allem die permanente bildungshuberei der texte und ihre platte metaphorik, die immer so tut, als sei sie große kunst. ein paar beispiele? gerne doch. „enklave meiner wahl” in „nagorny karabach” ist zunächst — was für eine überraschung — die „enklave meines herzens” — aber mehr als diese parallelisierung bringt das ganze lied nicht fertig. ja, es ist wirklich ein lied. und selbst klang ist inzwischen fast radiokompatibel, so beliebig. und romantisch verklärt immer wieder. das klingt ganz einfach viel zu „normal”, nach standard-instrumenten — auch wenn bargeld betont, dass das alles „authentisch” sei: „Jeder Ton basiert auf einem natürlichen Klang, nicht auf Computersounds, auch wenn esich das mitunter so anhört.” (in einem ziemlich schlechten interview mit dirk peitz in der süddeutschen zeitung vom 30. oktober 2007) … es gibt keine ausbrüche mehr — unvorstellbar, dass die heute noch mit flex und schweißgerät auf die bühnen gingen: sie werden halt auch älter.

und so mittelmäßig geht es eigentlich durchweg weiter: „ich hatte ein wort / ein langes, selbstgezimmertes wie eine Rinne, mit Rädern / schmal wie ein Einbaum, oder etwas das Zement leiten soll / ein Modell zwar, windschnittig und windschief, aber meins” — so fängt „ich hatte ein wort” an — grausam. und primitiv — auch der schluss: „ich gebs nimmermehr preis”

„von wegen” hat immerhin noch einige ahnungen und ankläge früherer ideen, des früher strahlenden spieltriebs, der entdeckerfreude der „wahren” eintürzenden neubauten. und endlich werden auch einmal rossolo und martinetti zitiert — aber dermaßen platt, mit dermaßen grausam-peinlich-primitven geräuschhintergrund — das ist schlimmer als nichts.

es fehlt mir bei dieser platte also einfach der knackpunkt — der „winterspeck der möglichkeiten” (auch so eine tolle zeile) verbirgt das potenzial. ok, jetzt ist genug geschimpft, ganz so schlimmm ist es dann eigentlich doch nicht — aber das ist einfach viel zu nett und zu belanglos für eine cd der einstürzenden neubauten, das bleibt hinter ihren früheren werken zu weit zurück. das zeigt sich übrigens stärker noch in den die entstehung der platte begleitenden „jewels” — da lässt sich eher interessante musik finden. allerdings auch nur noch mit der zuhilfenahme von tricks: um zu ideen zu kommen, müssen sie sich dem zwang der aleatorik unterwerfen und karten mit spielanweisungen ziehen …

einstürzende neubauten: alles wieder offen (supporter-version). potomak 2007.

von Matthias

am 24. Oktober 2007

in musik

das knarzt und knurpselt und fiepst, dass es eine reine freude ist (wenn man so etwas aus den randbereichen der improvisierten musik mag, natürlich). eigentlich sind es — zumindest über ganz lange strecken dieser wunderbaren cd — nur geräuschr, nur fetzen, bruckstücke einer musik. die laufen aber doch zusammen und miteinander ab — dafür sorgt vor allem thomas lehn mit seinen analogen synthesizern. quasi mikroskopisch ist der blick — die makroebene wird einfach mal als gegeben (und vertaut) vorausgesetzt. oder besser gesagt: ihre mentale konstruktion wird einfach dem (geneigten) hörer überlassen.

die grenzen des hörbereichs auszuloten, nicht nur physiologisch, sondern — und vor allem — auch phsysich — das ist gratkowskis spezialität. die subtilität, mit der er dabei vorgeht, ist kaum anders als genial zu bezeichnen. und wirklich unübertroffen ist er darin, auch das ergebnis dieser forschungen, also das auf diesen silberling gebannte klanggeschehen, ganz subtil und feinsinnig zu erscheinen lassen.

ganz sachte formen, oft nur schemenhafte umrisse in bis kurz vorm platzen gedehnter zeit, aus dem ab und ganz und gar verhaltenes, verstecktes, verschämtes pulsieren hervorlugt, prägen die vier titel von triskaidekaphonia. klappengeklapper, blasgeräusche, gemischt mit dem analogen synthesizer, ergeben eine fast unmerkliche einheit: alle drei lasse sich unheimlich weit auf das wagnis des freien improvisierens ein — weiter als die meisten ihrer kollegen. und so weit, dass auch mal eine weile fast nichts zu passieren scheint … das „kaputtspielen” (peter kowald) haben sie ihren vorgängern überlassen — sie machen sich jetzt an einen neuen aufbau, offenbar wirklich frei, nämlich zumindest scheinbar losgelöst aus allen konventionen und musikalischen traditionsformen.

das ergebnis ist dann auch eher eine „klangkunst” als herkömmlicher jazz: klangbilder, oft ganze panoramen, die die große weite leerer landschaften abbilden, aus denen nur ganz wenig herausragt, die aufmerksamkeit auf sich zu ziehen — das aber dafür umso deutlicher. aber das heißt nicht, dass es hier einen durchgehenden klangteppich gebe — fast alles, wirklich restlos, ist vordergrund, ist momentan geschöpft, vollkommen neu. und trotzdem ergibt sich daraus eine dreidimensionale landschaft — das ist das tolle, begeisternde, großartige dieses trios!

vier lange „stücke” sind auf der cd versammelt, alles mehr oder weniger willkürlich benannt — denn herrkömmliche stücke sind das natürlich nicht, sondern eben eher abfolgen, ausschnitte, epische versuche, aber bestimmt keine lieder. die titel sind ganz offensichtlich bloße assoziationen — und auch gar nicht wichtig, könnten genauso gut titellos bleiben. denn sie haben als komposition, als werk gar keine identität, sie sind nur das (momentane) ergebnis einer situation, die die drei musiker zusammenführte (nämlich im kölner „loft”, aus dem so viel interessante musik kommt.

irgend wann, kurz vor schluss des ersten teils, „ladders and stairs” benannt , kippt es plötzlich — ohne ersichtlichen grund: genau das macht diese art der improvisierten musik so spannend: nie vorhersehen zu können, nie zu wissen, was in der nächsten sekunde passieren wird — und nimmt fahrt auf, wird wieder etwas ruhier, bleibt aber jetzt, wo der damm durchbrochen ist, zerissen und reizbar.

der zweite titel gibt sich insgesamt etwas rauer und kantiger, auch eruptiver und brodelnder, trotz des eher gemütlich klingenden und schutz und geborgenheit verheißenden titels „umbrellas”.

in „renaming a boat” klingt das ganze noch freier, unbekümmerter und spontaner, erfährt eine zunehmende verdichtung und erneute öffnung. zum ende der cd (vor allem in „hot cross buns”) hin steigt die action — d.h., die episoden erhöhter aktivität häufen sich und ihre abstände werden immer kürzer.

einfach genial großartig.

frank gratkowski / thomas lehn / melvyn poore: triskaidekaphonia. leo records 2006.

keith jarrett — ein auslaufmodell

von Matthias

am 23. Oktober 2007

in medien, musik

wunderbar, wie hans-jürgen linke in der frankfurter rundschau über das konzert keith jarretts in der frankfurter alten oper schreibt:

Keith Jarrett bleibt im ersten Teil des Konzerts seinem Publikum fast alles schuldig und im zweiten immerhin den Beweis, dass er ein Musiker des 21. Jahrhunderts ist. […] Er klingt in seinen schlechteren Phasen wie ein mäßig inspirierter, technisch recht guter, tief sentimentaler amerikanischer Pianist und in seinen besten Momenten wie ein handgebremster, mit Puderzucker bestreuter Brahms, der Jazz gehört hat.

christian broecking schreibt in der taz sogar:

Ein Desaster aus Größenwahn, Eitelkeit und Virtuosität. […] Dass das Publikum nach 40 Minuten Konzert vor der Pause und 30 Minuten danach stürmisch vier kurze Zugaben herbeiklatschte, kann den Eindruck nicht schmälern, dass das intellektuelle Niveau auf der Bühne kaum einmal unteres Mittelmaß erreichte. Schlimmer noch wirkt, dass es einfach nicht gut klingt, wenn ein sich maßlos selbst überschätzender Künstler kaum mehr den Weg zurückzufinden scheint. Das magere künstlerische Ergebnis überragt Jarretts enervierende Selbstherrlichkeit mit großer Not.

ich habe das konzert zwar nicht gehört, aber das bringt meine gedanken beim hören (auch der älteren) von jarretts improvsiationen ziemlich gut auf den punkt.

von Matthias

am 17. Oktober 2007

in musik

in der tat, da passiert so einiges. das spannende bei produktionen, die den namen simon nabatov im titel tragen, ist ja der umstand, dass man nie so genau weiß, was einen da erwartet — der mann ist ein chamäleon des jazz (und das unglaubliche, das mich bisher wirklich jedes mal faszinierte: er klingt immer, egal was er treibt, absolut glaubwürdig — das können nicht viele). auf a few incidences wandelt er mit seinem oktett auf den spuren des dichters daniil kharms. das ganze ist in sich selbst aber schon wieder so vielfältig, dass es schwer zu beschreiben ist. da gibt es eher klassisch anmutende free-jazz-nummern wie die ersten beiden titel, dann aber auch offenbar weitgehend auskomponierte stücke wie on equilibrium, mit der tendenz zur klangforschung …

der hauptgrund für die hohe qualität in allen bereichen dieser aufnahme ist aber sicherlich die auswahl der beteiligten. das sind nämlich alles musiker, die ich auch aus anderen kontexten kenne und bewundere: sprachakrobat phil minton etwa. der grandios holzbläser frank gratkowski, posaunist nils wogram, der cellist ernst reijseger, cor fuhler mit live elektronik, matt penman am bass und michael sarin am schlagwerk. und natürlich das unvergleich virtuose (auf allen ebenen, auch der strukturellen und ideellen) klavierspiel von simon nabatov. einfach herrlich, wie diese heroen der improvisierten musik zusammen harmonieren …

simon nabatov octet: a few incidences in memoriam nikolai dmitriev, based on texts of daniil kharms. leo records 2005.

mal sehen was passiert: thomas quasthoff singt jazz

von Matthias

am 17. Oktober 2007

in musik

und es klingt genau so, wie man sich es vorstellt, wenn ein klassisch ausgebildeter (und guter!) sänger jazz singt. nicht schlecht, nur — für mich — ausgesprochen langweilig, weil eigentlich vollkommen vorhersehbar und erwartbar. ab und an gibt’s immerhin versuche der freiheit, des befreiten klangs — aber das ist ungefähr so authentisch wie der soul von mariah carey (ok, das war jetzt gemein …).

auch die auf dem cover (dazu später mehr) so hoch gepriesenen arrangements sind meines erachtens eher belanglos. im kern ist es eine solide jazzband versierter studiomusiker, ab und an zur bigband erweitert, einige mal auch durch das deutsche symphonie-orchester abgelöst. aber da gab es schon vor 50 jahren spannendere sachen — wenn ich etwas an neil heftis arbeiten für count basie denke. oder an so manche aufnahme von stan kenton.

das ist aber überhaupt das problem für mich mit dieser cd: das ist letztlich halt einfach alles furchtbar altmodisch, traditionell, ja fast staubig. ist es, so frage ich mich bei so etwas immer wieder, immer noch jazz, wenn man über jahrzehnte stets dasselbe spielt? jazzige musik ist es, klar. aber für echten jazz braucht es in meinen augen (und ich mag da etwas radikal sein) mehr, nämlich unbedingt einen kontakt zur jetztzeit, eine kommunikation mit der gegenwart, die sich akustische niederschlägt — hätte jazz das nicht geleistet, wäre er nie so wichtig und interessant gewesen.

wolf kampmann wirft diese frage im booklet auch auf, ohne sie aber zu beantworten. überhaupt, das booklet — kampmann schätze ich ja eigentlich sehr. aber so eine schleimerei wie das hier … und nur, weil das alles für die vita von thomas quasthoff und produzent (und gastsolist) till brönner relevante musik sein soll, muss ich mir das ja nicht unbedingt anhören — das ist doch ein absolut peinlicher fehlschluss. und genau so geht mir halt das ganze vermarktungsgeseiere gehörig auf den wecker. natürlich muss hier alles wieder schön in der ausgelutschten song-form, schön brav im radio-kompatiblen drei-minuten-format sein — das haben echte jazzer auch schon vor fünfzig jahren hinter sich gelassen. und natürlich muss der name von thomas quasthoff — der hier nur singt, nichts arrangiert, dirigiert, komponiert, improvisiert — prominenter als alles andere sein. und die krönung ist natürlich die beiliegende werbung für klingeltöne mit musik aus diesen aufnahmen — deutlicher kann man doch die angeblich so hehren bemühungen der künstler gar nicht ad absurdum führen …

nachdem das drumherum (ach ja: der sound ist übrigens ausgesprochen mittelmäßig, sehr unecht, total auf die stimme konzentriert, klignt sehr zusammengesetzt) jetzt aber auch noch ein paar worte zur musik: zu hören sind songs von gershwin und konsorten wie frederich loewe und rodger & hart (also eher musical-/broadway- als jazz-komponisten …). aber leider zu hören ohne improvisation, ohne sinn. und dann kommt ausgerechnet dazu noch die anmaßung, das ganze the jazz album zu nennen. immerhind wird dann im booklet auch noch jeder kopist (natürlich hat jeder arrangeur seinen eigenen — wozu eigentlich im zeitalter des computers?) namentlich erwähnt — nur das raumpfleger-team der studios haben sie vergessen …

alles in allem ist es für meinen geschmack auch noch viel zu nahe am kitsch gebaut (allerdings allemal besser, als wenn popsänger klassik zu singen versuchen). ohne frage ist es immerhin — was anderes wäre aber auch sehr verwunderlich — gesangstechnisch eine wunderschöne sache. etwa smile oder in my solitude — in diesen schmonzetten kann quasthoff schon einiges bieten. aber jazz? mit vielen fragenzeichen und klammern höchstens, eigentlich ist nur die rekapitulation einer früher mal aktuellen musik, die schon damals kaum noch jazz war, heute aber eben in meinen augen das recht auf diesen ehrentitel verloren hat.

thomas quasthoff: the jazz album. watch what happens. deutsche grammophon 2007.

von Matthias

am 10. Oktober 2007

in musik

gerade höre ich otomo yoshihides new jazz ensemble mit dreams. und das ist ganz anders als alles, was ich bisher von yoshihide kenne. gut, es ist auch älter — nämlich schon 2001 aufgenommen. schlecht ist es deshalb nicht. nur von den verrückten und spannenden sound-experimenten, mit denen sich yoshihide in letzter zeit einen festen platz auf meiner lieblingsliste erobert hat, ist hier nur ganz wenig zu spüren. dafür ganz viel von john zorns radical new jewish culture — in der japanischen variante. denn was ich damit meine, ist weniger, dass yoshihide hier auf jüdische traditionen zurückgreift, sondern dass er überhaupt auf (volkstümlich) tradition zu rekurrieren scheint (ob er es wirklich tut, entzieht sich schlicht und einfach meiner kenntnis). gewiss, ab und an lugt auch schon der experimentelle yoshihide um die ecke. aber heute würde er wohl nicht mehr so straight die texte vertonen, sie nicht mehr so ungebrochen, fast romantisch, singen lassen, die arrangements nicht mehr so glatt und harmonisch über die bühne laufen lassen — kurz, die song-strukturen (ja, so etwas gibt es auch bei yoshihide!) sind hier noch weitgehend traditionell, noch nicht durch die dekonstruktions-mühle gewandert. gerade deshalb bleibt das ganze auch ziemlich harmlos — träumerisch eben. oder schlafwandelnd, wie man will. ach je, jetzt sehe ich gerade, dass meine vermutete chronologie gar nicht stimmt — cathode und anode sind sogar schon vor dreams entstanden. also, jetzt weiß ich halt noch weniger, warum das hier so klingt wie es klingt …

ok, da war ich wohl etwas vorschnell… den der letzte track, hahen fukei, bringt eine wahre explosion zum vorschein: ein wildes gemetzel, in klassischer free-jazz-manier, mit elektronischem gezwitscher und handgemachten aggressiven bläsern — jetzt passt es für mich gar nicht mehr zusammen. aber irgendwie wird’s halt immer besser …

otomo yoshihides new jazz ensemble: dreams. tzadik #7051, 2002.

udo mader: fuchsbaumelodien

von Matthias

am 27. September 2007

in musik, pop

ihren weg hat diese cd zu mir mit der 55. ausgabe der bad alchemy gefunden. und natürlich war ich sofort ganz besonders gespannt — die tonträger-beilagen, die rigo dittmann seinen heften beilegt, haben mich noch nie enttäuscht. und dieses mal war es sogar ein namensvetter (noch nie habe ich von einem mader musik gehört …). und diese cd hat mich nicht enttäuscht, sondern mit jedem hören erneut begeistert. denn zunächst ist das alles ganz harmlos, was hier in langer arbeit solistisch im heimstudio zusammengebaut wurde.

das sind nämlich wirklich ausgesprochen synthetische, also im echten wort sinne zusammen gefügte schönheiten, die immer wieder hochgradig ausgetüftelt sind und mit ihrer komplexität (die vor allem die klangliche konstitution eines phantastischen/imaginären feldes betrifft, weniger die ablaufenden strukturen) kaum hinter dem berg halten. allerdings, und das macht das ganze wieder so angenehm (und nie nervtötend-besserwisserisch), stellen sie ihre konstruktion allerdings auch nicht aus: man darf sie wahrnehmen (und schätzen), muss sie aber überhaupt nicht registrieren, kann sie sogar getrost überhören und trotzdem spaß an der musik haben.

über all dem hängt dabei immer eine leicht resignative melancholie: das bewusstsein, dass die welt damit nicht zu ändern sei – aber was soll’s, davon lassen wir uns trotzdem nicht vom musikmachen abhalten — das scheint die einstellung udo maders (bei mambo-bar steht ein bisschen etwas über ihn) zu sein.

zugleich sind die fuchsbaummelodien auch ein schönes beispiel für ent-tabuisierung (um es vorläufig einmal so zu bezeichnen) des akkordeons in der aktuellen musikkultur, dem zeitgenössischen musik-diskurs (in seiner gesamten breite). was udo mader daran offenbar interessiert, ist gerade die unvollkommenheit seines einfachen, tendenziell beschädigten instrumentes (das klanglich wirklich sehr bescheiden ist), dass er mitsamt seinen dysfunktionalitäten allerdings wiederum perfekt und nahtlos in die kleinen idyllen, die miniaturen seiner traum-phantasien einbaut.

der pseudo-dilettantismus dieser cd geht aber über die wahl der instrumente hinaus. denn die musik gibt sich gerne den charakter des unfertigen, unkontrollierten, unbezähmten, spontaneität – aber das stimmt alles wieder nur halb, das ist (natürlich) in langer arbeit genauestens ausgetüftelt.

überhaupt bietet udo mader mit seinen fuchsbaumelodien immer eine vielzahl der hörmöglichkeiten (vielleicht passt der von winter & winter so gern verwendete und geprägte begriff „hörfilm“ hier in besonderer weise: als hör-kurzfilm sozusagen …). denn seine melodien sind vorwiegend kurze eindrück, oft kaum mehr als kleine einfälle, die nie in größe oder umfassende formen gezwungen werden. das hat auch deshalb immer etwas anarchistisch-archaisches: die unbekümmertheit um wirkung und positionierung im geschichtlichen und ästhetischen feld scheint das klangliche ergebnis wesentlich zu bestimmen: just for fun sozusagen, kein ziel ist damit beabsichtigt (schon gar nicht das des pop, nämlich star-status/berühmtheit …), einfach für eigenes ich gemacht (was natürlich nie wirklich stimmen kann, denn dann wäre es nicht veröffentlicht worden – aber indem es im eigenverlag, völlig selbst bestimmter herstellung produziert, erscheint, wird das problem zumindest extrem reduziert, nahe ins unwahrnehmbare verschoben …)

es bleibt aber kategorial doch sehr schwer zu fassen: alles, was mir dazu einfällt, stimmt immer nur halb oder teilweise. meine konzepte passen alle nicht richtig. vielleicht macht das diese cd so reizvoll: obwohl sie eigentlich doch so unspektakulär ist: dass sie in keine schublade passt. und dass ich mir auch keine lade für sie konstruieren kann, die wirklich passt.

udo mader: fuchsbaummelodien.

garbarek und sein “sound out of silence”

von Matthias

am 8. Juli 2007

in kritik, musik

Eigentlich ist ja schon vorher alles klar. Denn was soll schon Überraschendes passieren, wenn Jan Garbarek mit seiner Gruppe nach Mainz kommt. Immerhin ist er dieses Jahr schon zum dritten Mal beim Zeltfestival. Aber ganz so einfach ist es dann doch nicht. Vielleicht liegt es ja daran, dass die Männer inzwischen schon ordentlich gereift sind. Vielleicht hat aber auch Yuri Daniel damit zu tun. Der ersetzte den kranken Bassisten Eberhard Weber – und er bringt Neues in das Spiel. Langeweile hat also keine Chance im Volkspark. Dabei waren es doch immer noch die gleichen Zutaten, nur in einer anderen Zubereitung. Vor allem gelten die alten Erfahrungen immer noch: Nordische Mystik haucht dies Musik aus.
Versponnen und lange Zeit bloß träumend zeigt sie eine ganz klare, reine Schönheit ohne Fremdkörper – ein pures Zauberland aus Musik ist das , das trotz seiner Universalität doch immer irgendwie klingt, wie nordische Landschaften aussehen: Karg aber reizvoll und reizend, unwirtlich aber schön.
Der Saxophonist Jan Garbarek ist dabei der Zeremonienmeister, er behält die Fäden in der Hand. Wie ein kantiger, asketischer Guru steht er streng konzentriert auf der Bühne. Ab und an lässt er seine Mitstreiter von der Leine des strengen Arrangements: Dann darf jeder von ihnen zeigen, dass er auch ein virtuoser Pianist (Rainer Brüninghaus), ein fantasievoller Bassist, der gerne mit sich selbst um die Wette spielt (Yuri Daniel) oder ein aberwitzig auf seine Trommeln einprügelnder Schlagzeuger wie Manu Katché ist. Sonst zeigen die Vier vor allem, wie ökonomisch sie mit ihrem Material umgehen: Sie können Viertelstunden über drei Akkordwechsel und vier kleine Töne spielen – ohne sich zu wiederholen.
Denn immer wieder entpuppt sich Garbarek außerdem als ein Meister des Übergangs. Nicht zufällig hat das Konzert auch keine Pause: Alles ist genaustes arrangiert und überlegt – und tut seine Wirkung. Denn das ist das wichtigste dieser Musik: Ihr magischer Effekt. Der hängt im Mainzer Zelt wesentlich zusammen mit der Mischung aus alten Klassikern und neuem Material – perfekt einander angenähert. Denn die alten Hits haben sich beim jahrelangen Spielen merklich verändert, aber überhaupt nicht abgenutzt. Sie sind klarer und deutlicher in ihrer Form geworden, dafür ein ganzes Stück kantiger und rauher im Klang. Die absolute Reinheit früherer Jahre ist inzwischen einer authentischeren Form der Schönheit gewichen.
Kein Wunder, dass da das Publikum auch ganz gebannt und andächtig verzückt lauscht – und bei den wenigen Gelegenheiten, die die Garbarek-Group ihm lässt, in Begeisterung ausbricht. Aber selbst der hartnäckigste Applaus konnte dem Quartett dann gerade einmal eine einsame Zugabe entlocken.

so hab’ ich das für die rhein-zeitung geschrieben. aber nach etwas nachdenken kamen doch noch einige einwände, ideen:

rainer brüninghaus ist eigentlich der einzige, der das idyll der heiteren welt aufbricht — wenigstens kurzzeitig. freilich macht er das auch immer nur so weit, dass er den boden nie unter den füßen und den sicheren hafen der konventionen nie aus dem blick verliert
das gefährliche an dem konzept des mythischen geseires, der scheinbar unproblematischen, ungebrochenen, ja unbrechbaren schönheit der melodien und formalen abläufe ist selbstverständlich die reine aura der heilen welt — ohne irgende eine brechung, da ist soviel aus gefühlsrepertoire und denken der moderne und postmoderne inklusive der ganzen welt des pop integriert, dass es scheint, als wäre das die antwort: der schein der beherrschung, der möglichkeit des beharrens auf dem ideal der weltfremden kunst — aber ist doch eine gefährliche ideologie, weil das im alltag, in der realität gerade nicht ausreicht und deshalb zu frust führen muss — aus dem man denn zu solcher musik, zu solchem kunsthandwerk flieht — das gibt dann einen schönen zirkel, einen verstärkenden kreislauf: der schein von freiheit, wo keine mehr ist z.b.
das ist scheinbar harmlos, weil sie nix sagt (die wortlosigkeit ist natürlich kein zufall!) — aber sie ist auf perfide, unterschwellige art durchaus beredt. sie will nur nicht verstanden oder entschlüsselt werden: sie tut so, als hätte sie eine lösung, eine versöhnungsmöglichkeit, die fähigkeit zur integration von traum und realität — aber die realität bleibt ein ewiger fremdköprer, es bleibt also immer ein traum, ein gefährlicher traum. auch die abschottung im künstlich dunklen zelt mitten im hellen sommer ist natürlich ein teil dessen

der free-jazz und das alter(n)

von Matthias

am 23. Juni 2007

in musik

beim nachdenken über alexander von schippenbachs konzert ist mir aufgefallen: der free jazz und vor allem seine macher kommt mittlerweile ganz schön in die jahre — schlippenbach wird nächstes jahr 70, seine mitstreiter sind kaum jünger. auch die anderen großen ikonen sind inzwischen alt und weise: ornette coleman, anthony braxton, cecil taylor und wer auch immer … und das wird mittlerweile auch deutlich — oder mir fällt es gerade auf. zum beispiel gibt es jetzt offenbar vermehrt (so zumindest mein eindruck) porträt-cds, rückschauen, person-sampler oder wie man sie nennen will. zum beispiel irène schweizer. oder barry guy. oder .…

und von dort aus ist es nicht weit zur frage: wird der free jazz alt? kommt er ins pensions-alter? strebt er seinem (natürlichen) ende zu? denn mir scheint es so, als gäbe es momentan kaum bis gar keine jungen musiker, die diese tradition in diesem maße am leben erhalten, die weiterhin „klassischen”, reinrassigen free jazz spielen und weiterbetreiben. so formationen wie das schlippenbach-trio, das globe-unity-orchestra oder das london composer orchestra, um ganz willkürlich mal ein paar zu nennen, gibt es offenbar nicht mehr. das heißt ja keinesfalls, dass die nachwachsenden musiker schlechter oder fauler oder ängstlicher sind. ein großer teil von ihnen orientiert sich natürlich nach wie vor am harmlosen mainstream-gedudel (beispiele hier im blog: das und das z.b.). andere setzen die tradition des free jazz zumindest in einer hinsicht fort: sie improvisieren. aber ihre freiheit ist eine andere. oft kompositorische wieder stärker strukturiert — zumindest zeitweise in ihren abläufen. und sie suchen nach anderen ausdrucksmöglichkeiten, nach anderen klanggestalten — mit synthesizern, mit elektronik natürlich (die electronica ist ja zumindest teilweise auch hier einzuordnen), aber auch ganz klassisch mit neuen spielweisen auf herkömmlichen instrumenten (mein lieblingsbeispiel: frank gratkowski). und doch klingen sie ganz anders. ein wesentliches moment dabei: ihnen fehlt die wut, die berstende energie, die oft zunächst destruktive kraft, die sich bei den alten herren (damen gibt’s ja wieder mal viel zu wenige) zwar in der regel in eine dekonstruktive wandelt, aber das de- nie verliert. das ist bei den jüngeren musikern so nicht mehr so unbedingt zu erfahren …

vielleicht spielt auch eine rolle, das — wiederum gilt das nur aus meiner sicht, die fakten dazu kenne ich nicht — solche musik noch stärker an die ränder gedrängt wurde als vor 30, 40 jahren. die veränderung der medienlandschaften, der rezeptionsgewohnheiten durch und mit dem internet haben da sicherlich eine große rolle gespielt. denn gerade in diesem zeitraum und verstärkt in den letzten 10 jahren ist eine immer stärkere, mittlerweile extrem auftretende fragmentiesierung, ja segretierung der publika nicht mehr zu übersehen. und das hat natürlich folgen für die musiker. aber auch für hörer: überblick behalten wird immer schwieriger — wer kann schon die ganzen kleinst- und miniatur-label und ihre mini-auflagen noch verfolgen? nicht einmal rigo dittmann. es ist, um es anders zu fassen, eindeutig ein verlust des vorherrschenden stils zu konstatieren. abweichungen davon gab es natürlich stets, aber selten wohl war das pluralistische durcheinander so groß und a‑hierarchisch wie heute: das ist schließlich ein unfruchtbare mehr oder weniger kontaktlos nebeneinander und vor sich hin blubberndes süppchen (insbesondere die electronica und ihre diversen unterabteilungen sind hierfür gutes beispiel). es gibt einfach keine öffentlichkeit mehr — nicht nur für diese musik, sondern auch in vielen anderen bereichen. das heißt aber auch: es gibt recht eigentlich kein publikum mehr — sondern nur noch immer kleinere sparten, peer groups, zirkel — und damit beißt sich die katze noch einmal in den schwanz …

und doch: es gibt einfach wahnsinnig viel gute musik — es wird nur (scheinbar?) immer schwerer, sie zu finden. und neues zu entdecken …

von Matthias

am 20. Juni 2007

in kritik, musik

Da hat er sich wieder etwas ausgedacht, der Michelstädter Kirchenmusiker Hans-Joachim Dumeier: „Eine große Nachtmusik“. Und groß ist die Musik in vielerlei Hinsicht. Auch wenn er sich die (fast) kürzeste Nacht des Jahres für sein neuestes Experiment ausgesucht hat. Ein Versuch ist es, die ganze Nacht hindurch zu musizieren und dabei „den Verlauf der Nacht auch musikalisch zu erleben“, wie Dumeier seine Idee erläutert. Doch die Michelstädter sind das nächtliche Zuhören inzwischen offenbar gewöhnt – die Stadtkirche war jedenfalls gut gefüllt.
Zunächst musste aber der Tag verabschiedet werden – noch war es draußen ja auch recht hell, die Dämmerung hatte ja gerade erst eingesetzt. Hans-Joachim Dumeier und Wolfgang Körber taten das zusammen, an der Orgel, mit Andreas Willschers „Sterbender Tag in Mähren“. Dieser Tag in Mähren ist aber recht hartnäckig, er stirbt nur zögerlich und mit einem kräftigen Aufbäumen. Mit dieser kurzen, minimalistisch beeinflussten Musik war das Publikum dann bestens eingestimmt auf das, was da noch alles kommen sollte.
Stück für Stück ging es in der folgenden Stunde dann tiefer ins Dunkel der Nacht. Noch war unter dem Motto „Nachklänge des Tages“ allerdings einiges zu verarbeiten an Erlebnissen und Gedanken. Florian und Elke Vogelsang taten das etwa mit der vielschichtigen „Arpeggione-Sonate“ von Franz Schubert. Bevor nun aber an Nachtruhe zu denken war, ließen Katharina Gerbig und Daniel Heck mit ihren Blockflöten-Duos erst noch die Szenerie einer abendlichen Gesellschaft aufscheinen. Und ihre vorzüglich musizierte Auswahl vom Barock bis zur Jetztzeit stellte nebenbei auch die Familie der Blockflöten vor.
Doch damit war das Tagwerk vorerst zu Ende, nun zog der musikalische Mondschein in die Kirche ein – optisch vertreten durch die Kerzenbeleuchtung. Die Klassiker dazu spielte Sungma Schäffter: Den Anfang von Beethovens Mondscheinsonate und natürlich ein gefühlvolles, zum Glück aber jeden Anflug von Sentimentalität vermeidendes „Claire de Lune“ von Claude Debussy.
Kurz vor Mitternacht wurd es dann wieder spannender und nervenaufreibender: Das lag zunächst Martin Engel, der vor allem mit Chopins erstem Scherzo eine hochdramatische, wild-rasende Fahrt in dunkle und komplex verwinkelte Traumwelten anbot. Zu Beginn der Geisterstunde zeigten Wolfgan Körber und Ernst Ruppert mit Camille Saint-Saens „Danse macabre“ die finstren, moribunden Gestalten, die nun aus ihren Löchern kriechen. Während anständige Bürger solche Schauergeschichten tiefschlafend ignorieren, sind unterdessen noch ganz andere Figuren unterwegs: Denn um diese Zeit der Nacht kommt so mancher erst richtig in Fahrt. Die Jazz-Fans zum Beispiel. Die porträtierte Christoph Schöpsdau vor allem mit seiner Version des Theolonius-Monk-Stanards „‘round midnight“. Aber auch die Mitte der Nacht blieb in der Stadtkirche nicht den Amüsierwilligen überlassen: Peter Martin stellte mit George Crumbs „Around midnight“, das Monks Klassiker in vielfältiger Weise verabeitet und varriert, avantgardistiche Hochkultur ans Ende dieser Stunde.
Danach freilich musst die E‑Musik doch das Feld räumen. Die Big-Band der Musikschule Odenwald gab unter der Leitung von Jakob März eine Menge Klassiker des Swing zum Besten. Aber auch die Tanzwütigsten müssen irgendwann einmal schlafen und träumen. Und nach einem schlafwandlerischen Ausflug in fremde, vorwiegend südländische Länder, graute dann auch schon der Morgen – und die ersten Vögel fangen an zu lärmen und singen. Dafür musste natürlich Olivier Messiaen herhalten, bevor mit der sanften „Morgenstimmung“ des Edvard Grieg die Nacht ganz friedlich und behutsam ausklang. Und wer sich das alles angehört hat, der hat mit Sicherheit mehr als genug Musik für die ganze Woche getankt – und er darf dann auch mal den Tag verschlafen.