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Nationalmusikerexperimente: Beethoven, Sibelius & Nielsen

Am 4. Juli 2012

Beethoven wurde erst nach seinem Tod zum urdeutschen Komponisten. Carl Nielsen und Jean Sibelius waren schon zu Lebzeiten nationale Ikonen. Besonders bei Sibelius wird das ganz deutlich: Die finnische Regierung gab zu seinem 50. Geburtstag die Komposition einer Symphonie – es wird seine fünfte – in Auftrag. Im 9. Sinfoniekonzert des Staatstheaters erklang sie zusammen mit der Helios-Ouvertüre von Carl Nielsen und dem vierten Klavierkonzert von Beethoven. Also nicht nur drei verschiedene Nationalmusiken, sondern auch Werke, die mit ihren Formen experimentieren. Beethovens viertes Klavierkonzert ist genau dafür berühmt: Das es neue Möglichkeiten des Zusammenspiels von konzertierendem Klavier und Orchester erprobt. Die Solistin in Mainz, Anna Vinnitskaya positioniert sich da sehr eindeutig: Schon mit ihren ersten einleitenden Takten, von Beethoven erstmals dem Klavier alleine anvertraut, zeigt sie sich als überlegene Kraft. Nirgendswo wird das so deutlich wie im zweiten Satz: Vinnitskaya spielt das Philharmonische Staatsorchester in Grund und Boden – ganz wie der Komponist es dachte. Und nicht etwas, weil Philharmonische Orchester so schlecht wäre. Nein, die Partitur verlangt das gerade zu. Das wird aber nicht immer so deutlich wie bei Anna Vinnitskaya. Ihre Präzision auf allen Ebenen macht das möglich: Die genau gestufte Tongebung, die überlegen eingesetzte Artikulation und ihre natürliche Phrasierung bestechen immer wieder durch hohe Genauigkeit, die sich auch im Orchesterpart wiederfindet.

Denn das Philharmonische Staatsorchester ist kurz vor der Sommerpause in hervorragender Form. Das zeigte schon die klare Tonsprache der Helios-Ouvertüre von Carl Nielsen am Beginn, vor allem aber die fünfte Symphonie von Jean Sibelius. Er selbst hat sie mal als eine einzige, auf den Triumph des Schlusses ausgerichtete Steigerung beschrieben. Und das passt auch auf die Mainzer Aufführung. Denn Dirigent Hermann Bäumer zeigt in hörenswerter Klarheit die Modernität der vor fast hundert Jahren entworfenen Musik. Das beginnt mit der verschleierten Form des ersten Satzes und erstreckt sich bis in den letzten Schlussklang. Vor allem aber wird Sibelius Fünfte im Theater ein klangliches Fest: Von den fantastisch klar und einprägsam klingenden ersten Abschnitten der Holzbläser am Beginn bis zu der grandios ungeheuerlichen Spannung des letzten Satzes, die bis in den allerletzten Moment der irrsinnig zerrischenen Schlussakkorde reicht: Unter Bäumers Händen wird die Partitur plastisch und lebendig, wie ein erweckter Organismus, wie zu Leben gekommene Ideen und wie eine vollkommene Nachbildung des mystischen Naturerlebnis, das Sibelius zu dieser Musik inspirierte.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Aus der Welt der Sinfonietta Mainz

Von Matthias

Am 3. Mai 2012

In musik

Sie haben es wieder einmal geschafft. Die Sinfonietta Mainz und Michael Millard sind ein Gespann, das begeistern kann. Das Programm war dieses Mal aber auch geradezu darauf ausgelegt, den Applaus hervorzukitzeln: Mit Beethovens fünftem Klavierkonzert und Dvořáks neunter Symphonie lagen zwei ausgesprochen bekannte und populäre Werke auf dem Pult. Und dennoch: Auch die muss man spielen können, der Beifall ist keineswegs automatisch. In der Phönixhalle war er aber verdient. Denn die Laienmusiker der Sinfonietta, die in diesem Jahr ihren 40. Geburtstag feiert, präsentieren sich als vollwertiges Orchester, bei dem schnell vergessen kann, dass hier keine Profis auf der Bühne sitzen.

Michael Millard hat mit dem Orchester einen schönen, weichen Klang entwickelt, der sich vor allem sehr harmonisch präsentiert: Die Streicher klingen voll und samtig, die Bläser klar und präsent. Vor allem die Blasinstrumente haben in Dvořáks letzter Sinfonie mit dem Beinamen „Aus der neuen Welt“ ja einige Hürden zu überspringen. Nicht nur das Solo des Englischhorns am Beginn des zweiten Satzes, auch alle anderen Holz- und Blechbläser treten an der einen oder anderen Stelle exponiert in Erscheinung. Und das gelingt ihnen in der Phönixhalle vor allem positiv.
Millard unterstützt das mit seinem Dirigat. Direkt und unverstellt, ausgesprochen nüchtern lässt er der Musik mit ihren bekannten Melodien viel Raum – fast lakonisch klingt das gerade in den ersten Sätzen. Und deswegen gelingen auch die großen Gesten hier so gut, ohne ins lächerlich-kitschige abzukippen. Mit zunehmender Emphase ins Finale

Das fünfte Klavierkonzert von Beethoven, mi dem das Konzert in der voll besetzen Phönixhalle begann, wirkte dann im Rückblick fast etwas zahm. Zurückhaltende Tempi schlug Millard hier an und zeigt sich sehr auf Genauigkeit bedacht. Dadurch wirkt das, vor allem im ersten Satz, oft etwas gebremst und zurückhaltend. Auch der Pianist Johannes Nies kann das Konzert nicht so recht aus seinem Korsett befreien: Das ist alles nicht verkehrt, aber auch nur bedingt mitreißend, sondern vor allem glatt und sauber. Aber immerhin vereint Orchester und Solist immer wieder die Klarheit der Struktur und ihre Klangschönheit – schließlich sind beides Werke mit durchaus diffiziler Klanglichkeit. Das ein Amateurorchester sich so etwas vornimmt, zeigt das Selbstbewusstsein des Ensembles. Und dass sie es so gut spielt, zeigt, dass die Sinfonietta Mainz dieses Selbstvertrauen zu Recht hat.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Meisterkonzert mit und ohne Weihnachten

Von Matthias

Am 14. Dezember 2011

In musik

Es sieht fast wie ein normales Meisterkonzert aus: Eine kleine Haydn-Sinfonie, dann Beethovens viertes Klavierkonzert und zum Abschluss ein richtig großes sinfonisches Werk, die achte Sinfonie von Schubert. Aber Weihnachten macht sich auch im Meisterkonzert bemerkbar – zumindest ein bisschen: Die Sinfonie Nr. 26 von Haydn trägt nämlich den Beinamen „Weihnachtssinfonie“. Das ist zwar eigentlich ein Fehler, denn Haydn hat sie als Passionsmusik komponiert. Aber der besinnliche zweite Satz lässt sich auch im Advent gut hören. Vor allem, wenn ihn die Deutsche Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz unter ihrem Gastdirigenten Fabrice Bollon so farbig und bildhaft musiziert wie beim vierten Meisterkonzert. In der Rheingoldhalle hatte Bollon schon mit den ersten Haydn-Takten die Richtung vorgegeben: Kräftig zupackend formt er vor allem sehr satte Streicherklänge und bemüht sich um deutliche, manchmal sogar grelle Farben. Prachtvoll und sehr repräsentativ wirken da selbst die andächtigen Klänge des Mittelsatzes.

Ähnlich rustikal ließ er das Ludwigshafener Orchester dann die achte Sinfonie von Franz Schubert musizieren. Die hat ihren Beinamen „Große“ zwar vor allem bekommen, weil Schubert noch eine zweite, frühere C‑Dur-Sinfonie komponiert hat, die einfach deutlich kürzer ist. Bei Bollon ist das „groß“ aber durchaus entscheidend: Mächtig und wuchtig stapelt er die dicken Akkorde auf das felsefeste Fundament der dröhnenden Posaunen. Ungeheuer massiv wirkt da fast jeder Ton, jede Phrase wie für die Ewigkeit. Fragen oder gar Zweifel findet der Dirigent in dieser Partitur überhaupt keine, befiehlt stattdessen felsenfeste Gewissheiten. Das ist natürlich, gerade im zweiten Satz und schließlich vor allem im Scherzo, eine unerbittliche Vereinfachung. Eine Vereinfachung, die trotz ihrer Verzerrung klanglich durchaus wirken kann, auch wenn im Finale die Kantigkeit und Schärfe dieser Klangkonstruktion leider etwas verloren geht.

Viel faszinierender blieb da Beethovens viertes Klavierkonzert in Erinnerung. Denn Jasminka Stancul spielte das wunderbar schnörkellos und trocken, mit fast heiligem Ernst. Dabei blieb das Konzert im Kern auch bei ihr natürlich unverkennbar romantisch. Aber die zartfühlige Poesie ihrer Phrasierung verband sich wunderbar mit ihrer klaren Tongebung. Vor allem aber gelang der Pianistin und dem Orchester ein erregendes Miteinander – und genau darauf kommt es bei diesem Konzert an. Zumal Bollon aus dem Orchester auch feine Klangfarben kitzeln konnte, die die Staatsphilharmonie in der Rheingoldhalle nicht immer bietet. So ausgewogen und balanciert im Hin und Her der Musik war das wirklich ein intellektuell und emotional aufregendes Spiel – und ganz unabhängig von der Jahreszeit.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Zufriedene Majestäten: Beethoven und Rachmaninow

Von Matthias

Am 28. Januar 2011

In musik

Es sieht reichlich seltsam aus, was für einen kuriosen Tanz Hände und Arme von Yakov Kreizberg da aufführen. Aber es funktioniert: Der Dirigent hat das SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg beim Meisterkonzert in der Rheingoldhalle in jedem Moment fest im Griff – auch wenn seine Schlagtechnik das nicht unbedingt verrät.

Mit riesigen, weit ausholenden Bewegungen schwingt der Dirigent seinen extralangen Stab und steht dann kurz darauf minutenlang fast wie eingefroren und steuert die Orchestermusiker mit winzigsten Bewegungen zweier Finger der linken Hand. Dabei hat er allerdings auch Unterstützung: Kirill Gerstein am Klavier gibt im fünften Klavierkonzert von Ludwig van Beethoven gerne auch den einen oder anderen Impuls. Überhaupt ergänzen die beiden sich hier sehr angenehm: Dirigent und Pianist bevorzugen für das letzte Klavierkonzert Beethovens, das vor fast genau 200 Jahren uraufgeführt wurde, eine weich abgerundete, harmonisch ausgefüllte Lesart, die garantiert nirgendwo aneckt.

Rundum satt und zufrieden tönt der doch oft so rebellische Beethoven hier, ertrinkt fast in der Harmonie, Eintracht und Schönheit dieser Musik. Gerstein spielt das sehr sauber und immer mit unaufdringlicher, fast versteckter Brillanz. Dabei verbirgt er sich und auch die meisten Akzente seines Parts hinter weichem Ebenmaß. Die Musik, die da in der Rheingoldhalle erklingt, ist nicht von dieser Welt – sie kümmert sich aber auch gar nicht darum, sie ist mit sich selbst und ihrer reinen Schönheit schon mehr als zufrieden.
Auch das Orchester lässt sich da nicht lange bitten und schmeichelt auf allen Ebenen. So richtig drehen die Musiker des SWR-Orchesters aber erst bei Sergej Rachmaninows zweiter Sinfonie auf
Auch die wiederum keine im eigentlichen Sinne spannende oder anregende Musik.

Denn Kreizberg bleibt seiner Methode – und seinem Dirigierstil – treu: Mit gleichzeitig eckigen und sanft wogenden Bewegungen lässt er die Sinfonie zugleich federleicht schweben und erwartungsvoll vibrieren. Das tost und dröhnt oft ganz gewaltig, schwellt immer wieder wunderbar auf und ab – denn wenn Kreizberg etwas kann, dann ist es das geschickteste Phrasieren: Nie kommt die Musik zur Ruhe, nie erschöpft sich sein Drang zum ewigen Weiter. Das ebnet die monumentale Sinfonie allerdings auch hin und wieder ein bisschen ein – alles liegt sozusagen gleichermaßen auf dem Weg, der immer weiter vorwärts führt und nie ankommt. Aber dieser Weg ist ein unbedingt schöner, ein Reigen seligster Melodienkunst in purer Präsenz. Und das klingt großartig – auch wenn es manchmal seltsam anzuschauen ist.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Schön langweilig: Beethoven & Rachmaninov

Von Matthias

Am 19. Januar 2011

In musik

Es sieht reichlich seltsam aus, was für einen kuriosen Tanz Hände und Arme von Yakov Kreizberg da aufführen. Aber es funktioniert: Der Dirigent hat das SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg beim Meisterkonzert in der Rheingoldhalle in jedem Moment fest im Griff – auch wenn seine Schlagtechnik das nicht unbedingt verrät.

Mit riesigen, weit ausholenden Bewegungen schwingt der Dirigent seinen extralangen Stab und steht dann kurz darauf minutenlang fast wie eingefroren und steuert die Orchestermusiker mit winzigsten Bewegungen zweier Finger der linken Hand. Dabei hat er allerdings auch Unterstützung: Kirill Gerstein am Klavier gibt im fünften Klavierkonzert von Ludwig van Beethoven gerne auch den einen oder anderen Impuls. Überhaupt ergänzen die beiden sich hier sehr angenehm: Dirigent und Pianist bevorzugen für das letzte Klavierkonzert Beethovens, das vor fast genau 200 Jahren uraufgeführt wurde, eine weich abgerundete, harmonisch ausgefüllte Lesart, die garantiert nirgendwo aneckt.

Rundum satt und zufrieden tönt der doch oft so rebellische Beethoven hier, ertrinkt fast in der Harmonie, Eintracht und Schönheit dieser Musik. Gerstein spielt das sehr sauber und immer mit unaufdringlicher, fast versteckter Brillanz. Dabei verbirgt er sich und auch die meisten Akzente seines Parts hinter weichem Ebenmaß. Die Musik, die da in der Rheingoldhalle erklingt, ist nicht von dieser Welt – sie kümmert sich aber auch gar nicht darum, sie ist mit sich selbst und ihrer reinen Schönheit schon mehr als zufrieden.

Auch das Orchester lässt sich da nicht lange bitten und schmeichelt auf allen Ebenen. So richtig drehen die Musiker des SWR-Orchesters aber erst bei Sergej Rachmaninows zweiter Sinfonie auf. Auch die ist wiederum keine im eigentlichen Sinne spannende oder anregende Musik. Denn Kreizberg bleibt seiner Methode – und seinem Dirigierstil – treu: Mit gleichzeitig eckigen und sanft wogenden Bewegungen lässt er die Sinfonie zugleich federleicht schweben und erwartungsvoll vibrieren. Das tost und dröhnt oft ganz gewaltig, schwellt immer wieder wunderbar auf und ab – denn wenn Kreizberg etwas kann, dann ist es das geschickteste Phrasieren: Nie kommt die Musik zur Ruhe, nie erschöpft sich sein Drang zum ewigen Weiter. Das ebnet die monumentale Sinfonie allerdings auch hin und wieder ein bisschen ein – alles liegt sozusagen gleichermaßen auf dem Weg, der immer weiter vorwärts führt und nie ankommt. Aber dieser Weg ist ein unbedingt schöner, ein Reigen seligster Melodienkunst in purer Präsenz. Und das klingt großartig – auch wenn es manchmal seltsam anzuschauen ist.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

beethoven und das motorrad

Von Matthias

Am 30. Oktober 2008

In kritik, musik

so, ersteinmal der „offizielle” text, den ich für die mainzer rhein-zeitung geschrieben habe:

Motorräder kommen im klassischen Konzertleben recht selten vor. Aber andererseits sind auch Posaunenkonzerte im traditionellen Repertoire eher dürftig gesät. Was liegt also näher, als diese beiden Seltenheiten zur potenzierten Unwahrscheinlichkeit zu kombinieren?
Der Posaunist Christian Lindberg hat keinen Hinderungsgrund gefunden. Er geht sogar noch einen Schritt weiter: Um das „Motorbike Concerto” von Jan Sandström so richtig authentisch aufzuführen – schließlich ist es eigens für ihn komponiert worden – schlüpft er sogar in eine passende Motorradkluft. Nur das Motorrad fehlt also noch in der Rheingoldhalle. Aber zusammen mit der Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz und deren Dirigenten Ari Rasilainen entfaltete Lindberg immerhin eine täuschend echte Geräuschkulisse.Das Motorrad, das Lindberg hier eloquent und mit vollem Einsatz verkörpert, dröhnt und röhrt, quietscht und braust durch die diversen Landschaften. Sehr pittoresk ist das alles, serviert immer mit einem gehörigen Schuss Komik. Denn Sandström hat hier Programmmusik reinsten Wassers geschrieben. Bekanntermaßen ist ja ein Motorrad mehr als ein bloßes Fortbewegungsmittel, sondern ein regelrechter Lebensstil. Und auf Tour bekommt so einiges mit – so viel, dass auch das „Motorbike Concerto” noch nach allen Seiten von Eindrücken und Einfällen überquillt.¹
Ganz im Gegensatz dazu dann der Klassiker überhaupt, Beethoven. Und gleich noch seine „Über&”-Sinfonie, die Fünfte. Hochtrabende und gewichtige Deutungen umranken und überwuchern das Werk seit der Uraufführung vor ziemlich genau zweihundert Jahren. Aber das schein Rasilainen gar nicht so sehr zu bekümmern. Ohne besonders übereifrige Überhöhung nimmt er sie erst einmal einfach als das, was sie schließlich ist: Musik. Und so offen bleibend, ohne der Vagheit anheim zu fallen, entwickelte die Staatsphilharmonie ein sehr geschlossenes Klangbild. Der Dirigent profilierte sich als fließender Erzähler, der ganze Lebensentwürfe und Geschichten entfaltet.² Ohne Zweifel oder auch nur das leiseste Zögern überstehen die selbst die harten Konfrontationen mit der Realität im dritten Satz. Und immer wieder überwältigend ist natürlich die Wucht dieses unzerstörten Glaubens an die Kraft des Individuums, die das Finale unter der herrisch gebietenden Hand des Dirigenten entfaltet. Und auch wenn die Staatsphilharmonie ausgerechnet auf der Zielgeraden, in den letzten Takten, das Ende schon vorwegnimmt und deutlich an Präzision und Klarheit verliert, bleibt das Zusammenwirken aller Kräfte selbstverständlich immer noch triumphal – anders kann Beethovens Fünfte gar nicht enden.³

Show 3 footnotes

und da haben wir auch schon eines der zentralen probleme: im prinzip hat sandström die form nämlich überhaupt nicht bewältigt. das ist bloß eine einfallslose aneinanderreihung von episoden. anderer probleme sind aber gravierender: die aussage dieser musik nämlich gleich null. eigentlich ist das nur ein sehr aufwändiger kindergarten: sandström erfuhr, was lindberg auf der posaune so alles anstellen kann. und was er schon gehört hat. das hat er dann – weitgehend traditionell (das modernste moment ist die emanzipation des geräusches (aber nur als geräusch, nicht als musikalischer faktor), die aber auch schon seit hundert jahren gegessen ist) – hingeschrieben. technisch mag das ziemlich bis sehr anspruchsvoll sein, der posaunist muss so einiges tun für sein geld. aber das meiste sind eben mätzchen. und die sind musikalisch so überhaupt nicht motiviert. das schlimmste daran ist ja fast, dass so etwas natürlich großen erfolg beim publikum hat: die oberfläche ist halt nett, nicht so arg kompliziert und vor allem sehr sehr pittoresk. denken muss man nicht dabei. das ist wahrscheinlich der größte erfolgsfaktor dieser musik, dass sie denkerischen mitvollzug eigentlich sogar unterbindet, nicht nur nicht fördert oder fordert. ↩
nur so nebenbei: der unterschied zur erzählweise sandströms ist enorm: denn beethoven hat inhalte – so unspezifisch sie im musikalischen ausdrucksverfahren bleiben mögen. sandström hat nur eine bloße bilderfolge, keine narration, keine – inhaltlich gefüllte – erzählung. und das ist ein wesentlicher unterschied. im prinzip nämlich schon die differenz zwischen kunsthandwerk und kunst. oder halt zwischen unterhaltungsmusik und kunst. oder wie auch immer … ↩
nicht besprochen habe ich jetzt die das konzert eröffnenden „egmont-ouvertüre” von beethoven und schließlich ferdinand davis „concertino für posanue” op. 4. letzteres muss man aber eigentlich auch nicht groß erwähnen – ein virtuosenstückchen halt, dass lindberg mit technischer souveränität sehr gelassen herunterspielt. besonders nachhaltig ist die wirkung dieser musik nicht gerade. so eine dutzendware aus dem 19. jahrhundert halt – ganz nett, aber nicht sehr eindrucksvoll. die egmont-ouvertüre hat rasilainen auch eher noch zum warmmachen genutzt. auch das ist ja so eine unsitte des konzertwesens, sich während dem konzert noch einzuspielen, aufeinander einzustellen. passiert aber sehr häufig. und wird oft genug auch entsprechend geplant mit so kurzen füllstücken, damit wesentlich nix wichtiges versaut wird. nagut, so schlimm war’s auch nicht. aber halt auch nicht besonder oder bemerkenswert. ↩

rebell oder nicht? markus groh in mainz

Von Matthias

Am 25. September 2008

In kritik, musik

Internationale Pianisten aus Deutschland – nein, das ist kein Widerspruch. Denn alle Künstler, die der SWR für die zehnte Auflage seiner Konzertreihe „Internationale Pianisten“ nach Mainz holt, sind weit über die Grenzen ihres Heimatlandes erfolgreich. Auch Markus Groh, der die Jubiläumssaison im Frankfurter Hof eröffnen durfte. Und Erfolg hat er zu recht: Sein Mainzer Auftritt zeigt den jungen Pianisten als Musiker von Rang. Und auch als Rebell, der zwar im konventionellen Frack kommt, auf seinen Pferdeschwanz aber auch nicht verzichtet. Dieser Akkord von Aufbegehren und Tradition ist allerdings mehr als eine bloße Äußerlichkeit, er prägt sein Spiel durch und durch.
Denn er sucht sich immer seinen eigenen Weg – ob es um die „Drei Intermezzi“ von Brahms geht, um eine Beethoven-Sonate oder um Erwin Schulhoffs „Cinq Études de Jazz“: Konventionen sind für ihn nie selbstverständlich, sondern müssen erst einmal auf den intellektuellen und musikalischen Prüfstand. Denn das ist die andere Seite von Markus Groh: Er ist nicht nur ein gestandener Virtuose. Im Gegenteil, die gewandte Beherrschung der Klaviertechnik ist reine Nebensache. Ihm geht es immer auch darum, die Strukturen der Kompositionen hörbar zu machen, möglichst jeden einzelnen Ton – und wirklich jeden ganz für sich – so zu spielen, dass sein Publikum quasi mit dem Mikroskop und dem Fernglas gleichzeitig auf das Werk schauen kann. Und das gelingt ihm ohne Zweifel. Die Brahmsschen Intermezzi sind selten so klar, so vollkommen logisch und nachvollziehbar zu hören. Dafür haben sie bei anderen Pianisten mehr Gefühl, mehr emotionalen Überschwang. Denn Groh bleibt immer sehr cool. Beethovens G‑Dur-Sonate op. 31/1 verliert im Zuge dessen ziemlich viel von ihrem Esprit und Humor.
Die italienische Abteilung der „Années de Pèlerinage“ von Liszt dagegen berührt ihn hörbar viel mehr. Hier gibt es auf einmal Momente, in denen sich Groh in der Musik fast zu verlieren scheint, in denen er vollkommen aufgeht im Klang – das gab es vor der Pause so nicht. Überhaupt der Klang: Da hat er einiges zu bieten, wenn er will. Vor allem die Präzision, mit der er die sanft gleitenden Übergänge gestaltet, ist faszinierend. Und seine dynamischen Fähigkeiten beeindrucken mit einer fast unerschöpflichen Differenzierung und Genauigkeit. Doch die Hingabe, mit der Groh Liszt entfaltet, verleitet ihn dennoch nie zu emotionalen Kurzschlüssen: Immer bleibt seine großen Stärke, seine Fähigkeit, der Musik kristallne Klarheit zu schenken etwa, ungebrochen. Und das ist so großartig, dass er trotz seines langen Programmes natürlich nicht ohne Zugaben von der Bühne darf.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)