http://www.youtube.com/watch?v=Z2Ey4m_QAPo

http://www.youtube.com/watch?v=U4qHiHG7WrE

http://www.youtube.com/watch?v=aB-FLxglSOA

http://www.youtube.com/watch?v=8ve4i4iy-ag

Die Ästhetisierung des ganzen Lebens ist die zentrale These Greifs. Aber darum spinnt sich ein wunderbarer Kosmos der Beobachtungen und Erklärungen des Alltags der Gegenwart und seiner medialen, ästhetischen und kulturellen Erscheinungen — so etwas wie eine Zeitdiagnose in Schlaglichtern. Da geht es dann auch nicht mehr nur um die eigentliche Ästhetisierung, sondern etwas allgemeiner um das Problem der mediale Vermittlung unserer Erfahrungen und im Besonderen um das Leben in Narrationen: Greif sieht die Menschen der Gegenwart umstellt von Erzählungen, die den Blick auf die „Wirklichkeit” behindern. Da kann man freilich auch anderer Meinung sein: Die narrative und mediale Erfahrung muss nicht unbedingt schlecht sein. Greif neigt sich da manchmal etwas der kulturpessimistischen Sicht zu, die die mediale Vermittlung als Hindernis ansieht, als Abkehr von einem — von Greif selbst durchaus als solchen in seiner Problematik erkannten — idealen Zustand der Unmittelbarkeit.

Aber Essays wie „Rappen lernen” oder auch der „Hochsommer der Sexkinder” sind trotzdem große Kulturkritik: Erklärend, aber durchaus von einem Standpunkt aus kritisch hinterfragend, ohne besserwisserischen Gestus des Alleswissers und alleserklärers allerdings, der sowieso schon weiß, was er von allem hält. In dieser Hinsicht sind das eben Essays im besten Sinne: Versuche, Erklärungen zu finden — Erklärungen z.B. für Phänomene wie das Reality-Fernsehen. Und davon ausgehend immer die Überlegung: Was macht das mit uns? Wie verändert das uns, unsere Haltung, unsere Wahrnehmungen, unsere Einstellungen, unser Verhältnis zur Welt und zu unseren Mitmenschen. In bester Essay-Tradition nimmt Greif sich da als Zweifler und Sucher auch nicht zu sehr zurück, sondern bleibt als Person, als Erlebender und Fragensteller, immer präsent. Dass das außerdem klar formuliert, überzeugend argumentiert und luzide geschrieben ist, gehört unbedingt zum positiven Eindruck dieses empfehlenswerten Bandes.

Mark Greif: Bluescreen. Ein Argument vor sechs Hintergründen. Berlin: Suhrkamp 2011. 231 Seiten. ISBN 978–3-518–12629-5.

das weckt bei mir weniger düstere als vor allem romantische assoziationen, so in der richtung des teufels im „freischütz” etwa. und auch wenn das natürlich eine ganz, ganz andere baustelle ist: kammerflimmer kollektief wird immer romantischer, scheint mir zumindest. dazu passt, dass das format irgendwie popiger, hörerfreundlicher wirkt: beim ersten hören scheint mir das deutlich mehr am „normalen” popsong orientiert als die älteren alben. natürlich ist das kein mainstream, dafür ist das trio einerseits zu verspielt, andererseits zu konsequent im stimmungsbau. denn das ist bezeichnend für sie — und wirkt bei mir romantisch: die mit wenigen strichen gemalten stimmungsbilder, die zartheit der stimmen, die fragilität der klänge (zumindest der meisten). und natürlich ist die fast hemmungslose, nur hin und wieder gebrochene schönheit auch ein romantisches element.

mit spannung, unglaube und vorfreude sehe ich den letzten titel im tracklisting: „the people united will never be defeated”. und das kleindgedruckte weist tatsächlich sergio ortega & eduardo caraasco als komponisten aus, bei ihnen hieß das natürlich „el pueblo unido jamás serás vencidio”. wie soll das mit dem weich-plätschernden schönheitssound des kammerflimmer kollektief zusammenpassen? das ist schließlich eine art kampflied!
man erkennt es tatsächlich. aber machen tun die drei damit nicht viel: sie spielen es kurz an, tändeln ein wenig herun, und schon bricht das ganze wieder ab. besonders politisch scheint das also nicht gedacht zu sein …

irgendwie hat mit der „teufelskamin” jetzt nicht besonders berührt: wieder nette, auch gute musik, stimmungsstark und feinsinnig — aber wenig bis nichts, was sich in mir festhakt, was bleiben will …

Kammerflimmer Kollektief: Teufelskamin. Staubgold analog 9. 2011.

ein alterswerk ist „mei zuastand”, ohne zweifel. aber gebraucht, gebraucht hätte es das nicht … söllner zuzuhören, wie er sich im „wintertraum” verliert („oin winter in mir, der koi ende mehr nimmt” ) — ich kann mich nicht entscheiden, ob das traurig, folgerichtig oder einfach der lauf der dinge ist …

und dann noch das cover. das sieht söllner aus wie ein alter indianer-häuptling. bald wird er in weisen sprüchen und zungen zu uns reden, unser neuer gott. oder, wenn man ins digipack hinein schaut: söllner als der alte, der weise vom berge, der aus der ferne geruhsam beobachtet und scharf urteilt … — mit solchen klischees spielt nicht nur die verpackung, das atment auch die musik immer. und er wird uns bis zum — nicht mehr fernen — letzten atemzug ermahnen, jetzt doch mal endlich, endlich aufzustehen, mal was zu tun, gegen all die bösen, bösen missstände, und gegen die blöden und böser bolitiger mal so eine richtige revolution anzuzetteln und die macht der liebe zu entfesseln und das universum entscheiden lassen (ja, das ist dann halt söllners privatreligion. dafür muss man sich wahrscheinlich erst ein paar dutzend jahre bekiffen …). inhaltlich war das natürlich schon immer mehr oder weniger quatsch. aber jetzt klingt es leider auch noch so, als ob söllner das selbst so sähe — und dann hat das ganze natürlich überhaupt keinen sinn mehr.

hans söllner: mei zustand. trikont 2011.

Ja, hinter dem scheinbaren Chaos steckt tatsächlich „das“ Hallelujah aus Händels „Messiah“. Allerding ganz leicht überarteitet: Eine Renovierung könnte man die Bemühungen Bernhard Hofmanns nennen. Denn seine Bearbeitung soll den Klassiker mal wieder auffrischen: Er macht Pop, was schon immer Pop war und ist – nur dass es sich jetzt auch für das 21. Jahrhundert so anhört. Und in dieser Hinsicht findet dann plötzlich alles seinen Platz, steht jede Note und jede Pause ganz richtig und fängt – mit ein bisschem Durchblick und Übung – auch wirklich leicht zu grooven an. Vor allem rhythmische Sicherheit und Festigkeit der Sänger sind dafür allerdings unabdingbare Voraussetzung, sonst wird es schwierig, das lebendig werden zu lassen. Auch ein klangkräftiges, sicheres Bassgrundierung ist unablässlich. Aber das ist bei Händel ja auch nicht viel anders. Jedenfalls hat Hofmann für seinen sechstimmigen Satz die wesentlichen Momente des Originals – etwa die Unisoni bei „For the Lord God“ — bewahrt und ziemlich geschickt in sein Arragenment eingebaut, der zugleich klassischer Chorsatz und Popsong sein will.

Eine durchaus vorsichtige, ja sehr behutsame Renovierung ist das also: Ein frischer Anstrich für ein altes Haus – die Substanz ist die gleiche, an manchen Stellen sieht es trotzdem auf einmal ganz anders und neu aus, bietet der wahrscheinlich bekannteste Chorsatz der Musikgeschichte wieder ein neues Hörerlebnis. Ohne Zweifel ist das eine angenehme Überraschung – und ein wunderbares Zugabenstück.

(geschrieben für die neue chorzeit.)