Mit Zinken, Dulcian, eng mensurierten Posaunen und Lauten könnte das, nach allem, was wir wissen, zumindest nahe an den Gegebenheiten um 1600 sein. Aber wie genau das mit dem übereinstimmt, was Monteverdi im Ohr hatte, ist gar nicht so wichtig. Entscheidender ist, dass es den heutigen Zuhörer überzeugt. Und das gelingt Ralf Otto wieder einmal ziemlich gut. Sicher, die ersten Sätze, vor allem die Psalmvertonungen, nimmt er geradezu rasant – da hätte etwas mehr Differenzierung nicht geschadet. Und ja, auch die Textverständlichkeit des Bachchores war schon besser. Aber wer kann heute schon noch so gut Latein, dass er die in italienischer Aussprach gesungenen Bibeltexte ohne Programmheft und Übersetzung verstünde?

Spätestens ab der Sonata und dem Hymnus „Ave maris stella“ war das aber restlos vergessen. Denn hier und vor allem im abschließenden großen Magnificat spielten alle Beteiligten ihre Tugenden voll aus: Der Bachchor sang lebendig, geschmeidig angepasst gleichermaßen kraftvoll und sanft schmelzend. Otto setzte Akzente, trieb das Geschehen immer wieder voran und sorgte für die notwendige dramaturgische Stringenz. Und das Orchester begeisterte mit Spielkultur und nahezu swingendem Drive. Auch Solisten standen auch nicht zurück: Alle sechs trafen sehr elegant die Mitte zwischen Hervortreten mit teilweise virtuosen Partien und rücksichtsvoller Eingliederung in den Gesamtklang. Überhaupt war das ein großer Verdienst Ottos: Das stimmige Konzept für die gesamte Marienvesper hörbar zu machen. Und zwar nicht nur zeitliches Nacheinander von grandioser Herrlichkeit und innig bittender Verehrung, sondern in gegenseitige Befruchtung. Genau so, wie man sich die Marienvereherung von 400 Jahren vorstellt.

(geschrieben für die Mainzer Rhein-Zeitung.)

Dafür wird aber auch wirklich an jeder Stellschraube so lange gedreht, bis das maximal Mögliche Klang wird. Das heißt zum Beispiel, dass möglichst jeder Kontrast stark gemacht wird, manchmal sogar regelrecht überhöht. Denn von diesen Höhepunkten lebt Weilers Interpretation. Zwar bemüht er sich auch in introvertierten Abschnitten um innige Gestaltung. Aber so richtig aufblühen können er und der Figuralchor dann doch immer wieder in den musikdramatischen Höhepunkten, beim Ende des Glorias etwa oder auch im Credo. Das scheint sowieso Weilers zentraler Ansatzpunkt für die Messe zu sein. Denn hier die Differenz zwischen mythisch hauchenden, bis zur Schmerzgrenze gedehnten Abschnitten (vor allem beim „Et incarnatus est“) und der triumphal-verlocken Glaubensgewissheit besonders groß.
Das hat den Vorteil, dass die zwei Stunden, die Bach für seine Messvertonung braucht, im Nu vorüber sind: Ständig passiert etwas Neues, ständig gibt es Abwechslung und andere Reize.
Allerdings genau das auf Dauer auch ein bisschen deas Problem: Das sind – nicht immer, aber über weite Strecken – an sich reizvolle Kontraste und einfallsreiche Details, die aber unablässig gereiht werden und größere Zusammmenhänge manchmal etwas aus den Augen verlieren.

Aber auf jeden Fall ist diese h-Moll-Messe expressive Überzeugungsarbeit von der ersten bis zur letzten Note. Fast missionarisch erscheint das – als wollte uns ausgerechnet Bach, der protestantische Kirchenmusiker schlechthin, zum Katholizismus verführen. Zum Anhänger der lateinischen Messe könnte man nach so einer Aufführung immerhin leicht werden.

(geschrieben für die Mainzr Rhein-Zeitung)

Spätestens um 21.32 Uhr war es um das Publikum geschehen: Da hob der berühmteste Teil von Gustav Mahlers fünfter Sinfonie an, das Adagietto des vierten Satzes. Und damit hatte der junge Finne Pietra Inkinen mit dem famosen SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg auch die letzten Zweifler unter den Zuhörern in der Rheingoldhalle von seinem Können überzeugt. Denn er wählt nicht den einfachsten Weg – reine Sentimentalität verbietet sich ihm hier, das ist seit der Verwendung dieser Musik für Luchino Viscontis Film „Tod in Venedig“ keinem ernsthaften Musiker mehr eine Option. Aber Inkinen weicht auch nicht einfach ins Gegenteil, die kühl e analytische Exekution des Notentextes aus. Nein, er sucht zu vermitteln, zwischen Kitsch und Wissenschaft, zwischen triefendem Schmalz und knöcherner Erbsenzählerei. Und das gelingt ihm mit dem SWR-Sinfonieorchester ziemlich gut.

Geschmeidig im Ton und flexibel in allen Dimensionen steht ihm von Anfang an und immer wieder die Vielfalt besonders hoch im Kurs: Viel Zeit lässt er dabei freilich weder sich noch Mahlers Musik. Und manchmal laufen auch einige Fäden ins Leere, lässt er die eine oder andere Masche fallen. Insgesamt aber gelingt ihm ein erstaunlich konzises Gewebe, das die Einheit der Vielheit zelebriert: Jede Idee, jede Harmonie mit sich selbst und der Welt, jeder Frieden und jede Erlösung sind in dieser Musik nur vorübergehend. Sie können zwar wieder erscheinen – aber niemals gleich. Stetig treibt der Dirigent sein Orchester nach vorn, drängt immer weiter, auf der Suche nach der nächsten Sensation und dem nächsten Glücksmoment. Und davon gibt es viele. Etwa der Augenblick, in dem die Trompetenfanfare des ersten Satzes vom Totenmarsch zur Elegie wird. Oder die Apotheose im Geschwindmarsch des Finales. Oder das bestens organisierte Chaos des Scherzos.

Auch zusammen mit dem Pianisten Nicholas Angelich in Robert Schumanns Klavierkonzert wurde zuvor schon einiges beglückendes geleistet. Denn auch hier verlieren sich weder Dirigent noch Solist im romantischen Sehnsuchtsbrei. Gerade Angelich befeuert das romantischste aller Klavierkonzerte mit strahlenden Ton sehr deutlich. Diese klare Brillanz, an manchen Stellen strategisch geschickt zurückgenommen, paart sich mit luzidem Orchesterklang und forschen Tempi zu einer sehr selbverständlich gelingenden Einheit. Selbstverständlich, dass die beiden dafür auch entsprechend gefeiert werden.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

Um 9:30 ging es dann in Erbach im Rheingau los. Das Thermometer zeigte schon 20 °C, die Sonne brannte vom wolkenlosen blauen Himmel recht unbarmherzig herunter. Meinen Weg, den ich mir so ausgedacht hatte, fand ich problemlos: Kurz nach dem Bahnhof ab und aus Erbach hinaus durch die Felder in Richtung Kloster Eberbach. Das heißt vor allem: Es ging gleich bergauf. Aber nicht sehr steil. Noch nicht. Kurz vorm Kloster traf ich dann auf das Sträßchen, das mich an die Klosterpforte führte. Dann noch schnell zwischen Schänke und Basilika durchs Kloster und auf der anderen Seite wieder hinaus. Da stand ich dann erstmal, im Wald. Aufgrund von Bauarbeiten an der Klostermauer war da nämlich ziemliches Durcheinander und ich fand keine Rheinsteig-Markierung. Das war nicht so prickelnd. Denn hier kannte ich den Weg ja so gut wie gar nicht – das bin ich nur mal vor Ewigkeiten in die andere Richtung gewandert … Aber die Richtung nach Kiedrich wusste ich noch, also war klar, wo ich suchen musste. Und kurze Zeit später fand ich den Rheinsteig dann auch tatsächlich. Der ging erst einmal bergauf – das macht er ja gerne … Hier aber so richtig: steil und matschig. Ich entschied mich für den Schongang und marschierte zum ersten Mal ein kurzes Stück. Dann ging es aber bald besser, im Wald etwas hinab und wieder hinauf und dann über eine der schönsten Stellen des Rheinsteigs (so weit ich ihn kenne): Die Wiesen oberhalb von Kiedrich. Mit wunderbarem Ausblick über das Tal auf einem ganz altmodischen Wiesenweg, ganz unbefestigt und eigentlich nur von den Wanderern genutzt. Inzwischen kamen mir von denen auch schon die ersten entgegen – es wurden noch einige heute, deutlich mehr als sonst. In Kiedrich habe ich dann minimal abgekürzt, damit ich nicht so viel im Ort rumlaufen musste. Hier wusste ich, was zu kommen hatte (hier kommt man nämlich von Eltville auf den Rheinsteig): Der Aufstieg zum Kiedricher Turm. Der ist so richtig steil. Die ersten paar Kehren bin ich noch gelaufen – schließlich musste ich Wanderer überholen. Nicht sehr klug, wahrscheinlich. Und durchgehalten habe ich es auch nicht. Auch vom Kiedricher Turm hat man einen schönen Ausblick. Vor allem bei solch einem Kaiserwetter.

Aber mit Pause war nix, ich hatte ja noch einige Kilometer vor mir. Zunächst durch die Weinberge, dann aber bald wieder in den Wald. Da ging es dann lustig auf und ab, mit mehr oder weniger viel Schlamm – teilweise war es ganz schön rutschig. So ging es dann auf und ab, meist durch den Wald, mit kurzen Wiesenstücken – so war die pralle Sonne noch gar nicht so „schlimm“. Irgendwann kam dann auch schon Schlangenbad – nach einigen Unsicherheiten bei verschiedenen Kreuzungen, wo ich mir nicht mehr sicher war, in welche Richtung der Weg ging – und beim Laufen gleichzeitig nach den Markierungen Ausschau halten und auf die ganzen Schlammlöcher und Stolperfallen des Weges zu achten ist anstrengend. Aber es hat ja immer geklappt – nur ganz kleine minimale Verlaufer waren dabei. Durch Schlangenbad ging es dann, inklusive unangenehmer Treppen im „Kurpark“.

Nach Schlangenbad, das war mir noch in Erinnerung, geht es erst einmal wieder hoch. Das ging dann aber tatsächlich noch einigermaßen, obwohl meine Beine mittlerweile schon deutliche Ermüdung meldeten. Dabei war noch nicht einmal die 20-km-Marke geknackt. Aber die meisten Aufstiege hatte ich jetzt hinter mir, hinter Georgenborn ging es ersteinaml bergab (allerdings so steil, dass es auch keinen Spaß machte). Und den schlimmsten gab es nicht mehr: In Frauenstein wurde die Wegführung zum Goethestein hinauf geändert und somit die steilste Passage – wenn ich mich recht erinnere, waren das vorwiegend Treppenstufen – umgangen. So war ich schneller als gedacht am Goethestein – die nächste Etappe, sozusagen. Allerdings, obwohl es jetzt flach wurde – es lag noch ein gutes Stück Weg vor mir. Zunächst durch die Weinberge, kreuz und quer, damit ja möglichst wenig Asphalt oder Beton dabei ist. Dann durch die Gärten vor Schierstein. Da konnte ich an einer Quelle noch einmal auftanken und mich erfrischen. Inzwischen hatte die Sonne und die ungewohnte Wärme nämlich erheblichen Tribut gefordert: Mein Singlet hatte schöne weiße Ränder, die Haare klebten in alle Richtungen, die Arme waren auch schon reichlich klebrig. Irgendwo dort in den Gärten verlor ich dann endgültig den offiziellen Rheinsteig aus den Augen. Aber das war dann egal, jetzt ging es eigentlich nur noch am Rhein hinauf in Richtung Mainz – vorbei auch am Biebricher Schloss, dass vom Wiesbadener Pfingstturnier in Beschlag genommen war. Inzwischen war der Weg zwar nicht mehr so anspruchsvoll – jetzt musste ich höchstens Spaziergängern ausweichen –, das Laufen wurde aber nur bedingt leichter. Denn die Ermüdung schlug jetzt doch ganz schön kräftig zu. Aber ein paar Kilometer noch – das sollte doch zu schaffen sein. Bis Mainz ging es auch. Aber auf der Theodor-Heuss-Brücke wurde mir langsam klar, dass nach den 42 Kilometern ziemlich sicher Schluss sein würde. Schluss war dann auch, aber sogar etwas früher. Irgendwo knapp vor dem Kilometer 41 ging mein Kreislauf in die Knie – und bevor ich im Laufen umkippte, machte ich der Qual lieber ein Ende und marschierte den Rest nach Hause.

Gut vier Stunden war ich unterwegs – also nicht gerade sehr schnell. Irgendwo ist meine Form abhanden gekommen. Dazu kam jetzt auch noch der Mangel an Wasser – getrunken habe ich wohl kaum mehr als 1,5 Liter – das war, gerade bei diesem Wetter, halt doch einfach zu wenig … Aber trotz aller Qual – es war dennoch wieder schön, so lange unterwegs zu sein, so einen schönen und abwechslungsreichen Weg bei so grandiosem Wetter unter die Füße zu nehmen.
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Einen „Klassiker unter den Tubakonzerten“ nennt das Programmheft Ralph Vaughan Williams‘ 1954 komponiertes Concerto. Nun, unter den Blinden ist der Einäugige König, könnte man einwenden: So arg viele Tubakonzerte gibt es eben nicht. Schon gar nicht bekannte. Aber dieses Concerto aus der Feder des englischen Komponisten bleibt davon unberührt. Denn es würde sich auch in größerer und stärkerer Konkurrenz behaupten. Das bewies jetzt der junge Tubist Carl Woodcroft – ebenfalls aus England –, den die Rheinische Orchesterakademie Mainz für ihr ganz der englischen Musik des 20. Jahrhunderts gewidmetes Programm gewonnen hat. Das Concerto nahm da als Rarität eine zentrale Stellung ein. Aber nicht nur als Kuriosum. Denn sowohl die ROAM mit ihrer Dirigentin Marion Leleu als auch Woodcroft machten sich zu wahren Botschaftern dieses Werkes. Mit Charme und Akribie spielten sie wie Vaughan Williams mit dem kompositorischen Material: Denn auch wenn es ziemlich schmissig und eingäng sich gibt, das Tubakonzert führt abwechslungsreich allerei musiklaische Technik vor. Und natürlich das Instrument, die Basstuba. Hinter dem (und seinem Notenpult) verschwindet Woodcroft fast. Aber akustisch ist er dafür umso präsenter: Klug gliedert er sich in den Orchesterklang ein, um an den entscheidenden Stellen einen Schritt nach vorn zu tun. Seine klare Artikulation, die weiche Tonkaskaden und das wunderbar samtige Pianissimo auch in der dunkelsten Tiefe heben ihn klanglich deutlich heraus. Das Orchester ist dabei aber weit mehr als bloßer Hintergrund oder reiner Sparringpartner. Denn Vaughan Williams verteilt sein Material dicht auf so ziemlich alle Beteiligten – eine Chance, die auch die ROAM nutzt.

Mehr noch als in den „Four Sea Interludes“ von Benjamin Britten, die das Konzert im Schoss eröffneten. Die blieben nämlich etwas unbefriedigend verschwommen – ihre geheimnisvolle Stimmungsmagie hatte so kaum eine Chance. Viel weniger jedenfalls als Edward Elgars Enigma-Variationen. Auch wenn man die menschlichen Vorbilder, die Elgar hier mit Variationen eines Themas charakterisiert, nicht kennt: Die Musik ist so beredt, dass sich die Wissenslücke leicht schließt. Und Marion Leleu und die ROAM sind gut geeignete Vermittler: Pointiert, mit ironischer Keckheit und sanft schmelzendem Spott, aber auch mit Mut zur pathetischen Größe bringen sie das gekonnt auf den Punkt – und spielen dabei locker die ganze Bandbreite der Möglichkeiten vom robusten Lärmen bis zum feinsinnigen Tongespinst und wieder zurück aus.

Darüber hätte Robert Schumann sich bestimmt gefreut: Wenn er gehört hätte, wie Lena Neudauer seine Phantasie für Violine und Orchester spielt. Zusammen mit dem Philharmonischen Staatsorchester unter Catherine Rückwardt, das dem vor 200 Jahren geborenen Komponisten standesgemäß mit einem Konzert gratulierte. Leider vor überwiegend leeren Sitzen in der Phönixhalle. Und das ist nun wirklich ausgesprochen schade, dass diese Hommage an den Orchesterkomponisten Schumann so wenig Resonanz gefunden hat. Verdient hätte sie nämlich ein ausverkauftes Haus. Schließlich kam hier fast alles zusammen, was ein wunderbares Konzerterlebnis garantiert: Ein gut aufgelegtes Orchester, eine inspirierte Dirigentin und eine außergewöhnliche Solistin. Denn Lena Neudauer macht Schumanns selten gespielte späte Konzertphantasie zu einem wirklich phantastischen Ereignis. Mit überirdisch scheinender Präzision führt sie die „Phantasie für Violine und Orchester“ vor, mit hyperkontrollierter Bogenführung und höchster intonatorischer Genauigkeit. Aber, und das war das wirklich faszinierende, ihr Können reicht weit über technische Vollkommenheit hinaus. Denn ihre Perfektion ist nie trocken, sondern als Mittel der Gefühlsdarstellung und Empfindung grandios treffsicher ausgenutzt. Pure Natürlichkeit und hohe Kunst in einem ist das – Widersprüche, die nicht jeder Solist so nahtlos und scheinbar unproblematisch vereinen kann wie Neudauer.

Gerahmt wurde diese Phantasie von der ersten und letzten Symphonie Schumanns. Die Frühlingssinfonie, sein erster Versuch, dem kaum etwas versuchendes anhaftet, ließ Rückwardt pulsierend treibend spielen. Und das Orchester machte mit schlankem, klarem Klang die impulsive Seite sehr stark. Die Frühlingssinfonie ist so kein verträumtes romantisches Traumgespinst, selbst die idyllischen Mittelsätze sind ganz wirklich – mit einem minimalen Schuss romantischer Verklärung.
Wesentlich gesteigert wurde dieses frühlingsfrische Frohlocken in Schumanns vierter Symphonie, zwei Jahre vor seinem Tod vollendet. Mit dem typischen Hang zu grandiosen, leicht überreizten Steigerungen ließ Rückwardt dem Überschwang hier reichlich Raum – genau so, wie es sich für Schumann gehört. So wurde das wunderbar großartig, ein kleines bisschen pathetisch und klanglich reichhaltig ein perfekter Abschluss für das Geburtstagskonzert.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

am samstag morgen brauchte ich dann zwar recht lange, bis ich endlich mal in die gänge kam. aber sobald ich dann gegen halb zehn auf dem liegerade saß, ging es mir bestens. warum auch nicht? – die sonne schien vom blauen himmel herab, es war noch nicht sehr warm, aber angenehm; mich erwartete eine schöne tour und ich hatte eigentlich den ganzen tag zeit. also ließ ich es sehr unhektisch angehen und rollte los – über die theodor-heuß-brücke durch kastel, in kostheim über den main und dann ersteinmal in richtung bischofsheim geradelt. so weit war das überhaupt kein problem, hier kannte ich mich ja noch ungefährt aus. von bischofsheim ging es dann erst einmal nach groß gerau. und zwar immer geradeaus. wirklich geradeaus. denn die l3482 macht hier keine krumme sachen.

hinter groß gerau wollte ich eigentlich auf der b42 über weiterstadt nach darmstadt weiterfahren. aber das schien mir dann dort nicht mehr so opportun: die budnesstraße war arg viel befahren, mit wenig platz für radler. und zufällig traf ich dort, kurz vor der a67, auch auf den fahrradweg nach darmstadt. also habe ich den genommen und blieb westlich der autobahn. der radweg führte mich dann über griesheim nach darmstadt rein. und war so ein radweg, den ich nicht besonders mag. denn immer wieder die scharfen ecken, nur um ein feld weiter wieder die ursprünglich richtung aufzunehmen – da wird der schöne rhythmus immer wieder unterbrochen. immerhin war wenig verkehr – außer den spargelerntebusse, die in großen staubfahnen durch die felder bretterten, war ich alleine. nur die sonne ließ mich nicht im stich – inzwischen war es warm geworden, so dass ich froh war, mich des langärmligen oberteils entledigen zu können. mit kurzer hose war ich ja sowieso unterwegs.

in darmstadt wollte ich dann besonders schlau sein und die enge und viel befahrene heinrichstraße (es war schließlich samstag!) umgehen. das hat mich allerdings einen kleinen umweg gekostet – irgendwann war ich auf einmal auf der b3. die hat zwar einen schönen radweg, führt aber leider nicht dahin, wo ich hin wollte. irgendwann war ich dann aber glücklich am böllenfalltor und konnte das schöne stück durchs mühltal unter die räder nehmen. dann ging es durch ober-ramstadt – natürlich wieder schrecklich verstopft mit den doofen blechdosen – in richtung hahn. dort, am anstieg hinter ramstadt, dem ersten richtigen hügel dieser tour, merkte ich doch langsam, dass ich schon einige kilometer in den beinen hatte – 43, um genau zu sein. außerdem bekam ich hunger. also oben erst einmal eine erste kurze pause gemacht, den ausblick genossen und die erste banane verspeist. dann ging es wieder hinab, schön flott den wind um die nase wehen lassen, nach hahn, um gleich wieder den nächsten hügel richtung groß-bieberau in angriff zu nehmen. der entschädigte auch wieder mit einer schönen abfahrt in den ort hinein. schön steil vor allem. unten, zwischen den häusern, war dann natürlich wieder blechbüchsen-stau. aber das kannte ich inzwischen ja (wenn ich in groß-bieberau bin, ist immer stau ;-)) und bin ganz frech auf dem bürgersteig dran vorbei ;-). und schon war ich im gersprenztal. also fast daheim, sozusagen.

aber noch nicht ganz. bis brensbach ging es schön locker auf dem fast schon anachronistischen mehrzweckstreifen an der bundesstraße. und dann eben hinauf, hinüber ins mümlingtal. ich hatte mir ausgesucht: von brensbach über böllstein nach michelstadt hinunter. das war eine gute wahl, denn der aufstieg von brensbach nach böllstein dürfte, meiner erinnerung und meinem empfinden nach, der flachste übergang von der gersprenz zur mümling sein. er zieht sich zwar ein bisschen, aber sehr steil ist er nur in ganz kurzen stücken. das war auch ganz gut so, denn wie ich dort merkte, war meine schaltung nicht mehr richtig eingestellt und ich kam nicht ins kleinste kettenblatt. hinauf gekommen bin ich dann aber doch, freilich mit deutlich mehr krafteinsatz als mir lieb war. und die sonne heizte hier ganz schön ein – irgendwie hatte ich da auch mehr wald in erinnerung …

kurz vor böllstein, an der hohen straße, legte ich dann (fast schon traditionell) am dortigen parkplatz meine zweite rast ein, bei der auch die zweite banane dran glauben musste. jetzt, nach 66 kilometern, merkte ich die anstrengung doch schon ziemlich. auch bei der abfahrt war’s dann zu spüren: besonders schnell wurde ich nicht mehr, für die großen gänge fehlte einfach die notwendige kraft, um da noch ordentlich tempo zu geben. und die strecke der b47 über rehbach und steinbach ist auch nicht besonders steil. richtig anstregend wurde es dann aber erst bei den letzten mini-erhebungen zwischen michelstadt und erbach und beim schlussanstieg in erbach selbst. aber da hatte ich das ziel ja schon vor augen. nach 83 kilometern war ich dann angekommen. gebraucht hatte ich dafür noch nicht einmal vier stunden. mit dem zug sind es auch schon mehr als zwei … allerdings habe ich nach dem zugfahren nicht so viel pudding in den beinen. und am nächsten tag weder muskelkater in den oberschenkeln noch einen leichten sonnenbrand auf den armen (der verwundert mich allerdings schon …)

das profil sieht fast schlimmer aus als es war:

aber das habe ich ja oben schon erwähnt. und außerdem wusste ich ja, was auf micht zukommt.

und das ist die gesamte strecke (hier auch bei gpsies: mainz-erbach):

Man merkt aber auch, dass der Domkapellmeister sich für diese Aufführung eine ziemlich junge Solisten-Riege engagiert hat. Und zwar ebenfalls durchaus positiv. Denn die Sänger, insbesondere die sowieso von Bach quantitativ und qualitativ hier sehr bevorzugten Männer, beleben mit ihren frischen und energischen Stimmen die Passion enorm. Zudem singen sie auch mit Mut zum Risiko, zum musikalischen Wagnis. Insbesondere der Evangelist von Thomas Volle wird so zu einem engagierten, beteiligten und unmittelbar betroffenem Erzähler, der selbst noch mitten im Geschehen steht und seine Zuhörer da auch direkt hinein führt. Der Jesus von Clemens Breitschaft wirkte gegen diesen frischen Zugang fast etwas altväterlich – sehr abgeklärt, fast entrückt und menschlicher Pein weit enthoben. Mechtild Bach und Heike Wessels ergänzten das passend mit Hingabe und Wärme.

Aber eigentlich ist in der Johannes-Passion mehr der Chor als die Solisten die Hauptperson – mit den Chorszenen und vor allem den Chorälen, den Meisterwerken Bachscher Satzkunst. Solide und engagiert, in den Chorälen manches zwar sehr getragen und bedeutungsvoll inszeniert. Aber nichtsdestotrotz bei Domkantorei in besten Händen – bis hin zum gelungenen Finale, der treffenden Kombination aus großem Gestus im Chor „Ruht wohl“ und der grandiosen Steigerung des zart beginnenden Schlusschorals „Ach Herr, lass dein lieb Engelein“, der energisch-satt im ewigen Lob Christi kulminiert.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

Am Beginn stand also Musik von Carl Maria von Weber: Die Ouvertüre und zwei Szenen aus dem Freischütz genau gesagt. Das war eine etwas seltsame Erfahrung. Mysteriös gespenstig entfaltete Schauerromantik im Orchester und szenische Andeutungen der jungen Sänger. Klanglich fein abgeschmeckt und auch auf authentische Wirkung ausgerichtet mit den Natur-Blechblasinstrumenten und dem vibrierenden Grundrhythmus. Aber dann brechen die elektronisch verstärkten und auch verfremdeten Singstimmen in die feinsinnige Klangwelt ein – das muss man wohl nicht verstehen. Doch sehr dramatisch ist das alles, vor allem die Wolfsschlucht-Szene mit Danilo Tepsa, Calin Cozma und Florian Küppers.

Mit sehr viel Freude am virtuosen Spiel stürzt sich Igor Tsinman dann in Mendelssohn Bartholdys Violinkonzert in e-Moll. Er kann sich das aber auch leisten, sicherer Techniker er er ist.

Klar und dicht, in den meisten Teilen sehr unsentimental spielt er – das ist einfach Musik pur, mal wild, mal gedankenverloren träumend. Aber immer jugendlich unbekümmert. Schade nur, dass die robuste Prägnanz des Solisten das fließend begleitende Orchester ganz unverdient in den Hintergrund drängt.

Das kan dafür noch mit der abschließenden ersten Sinfonie von Johannes Brahms ganz alleine brillieren. Das erregte Pulsieren des Anfang setzt sich hier unentwegt fort, im nervösen Hin und Her, in der Unruhe der ständigen Bewegung und der permanenten Unsicherheit der unausgesetzten Hinterfragung aller Positionen und Werte. So, wie Wolfram Koloseus das hier entwickelt, klingt das viel moderner und gegenwärtiger, richtiggehend dekonstruktivistisch eigentlich, als gewöhnlich bei Brahms. Diese Haltung setzt sich dann durch die ganze Sinfonie hindurch fort. So richtig aufblühen kann sie dadurch nie. Auch wenn sich das Orchester redliche Mühe gibt und mit erstaunlicher Klangkultur und großem Engagement durchaus einige Teilerfolge erlangen kann, bleibt es befremdlich. Das Tempo dieser fiebrigen Hast ist immer sehr bemüht und wirkt mehr konstruiert als empfunden. Insgesamt gibt das dann eine oft dämonische, bis zum Wahnsinn aufgetürmt rasende und zerfetzte Sinfonie – eine echte Überraschung.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

Sie sind bringen alle zusammen: Singende Kinder, kreischende Teenies mit und ohne Eltern, alte Fans, die schon beim ersten Konzert dabei waren genau wie zahlreich neu enthusiasmierte, solche mit Partitur unterm Arm und diejenigen, die schon im Tour-T-Shirt erscheinen und signierte CDs als Trophäen heimtragen. Bei den Wise Guys ist einfach jeder zu Hause. Und die fünf sind überall dort daheim, wo ein Bühne und einige gut gelaunte Zuhörer zu finden sind. In Mainz passiert das öfters. Jetzt wieder mal in der Phönix-Halle, um ihr neues Album vorzustellen. Das heißt „Klassenfahrt“ – ein wunderbarer, passender Titel für das Quintett. Die auch nicht mehr ganz so jungen Herren aus Köln werden nämlich einfach nicht so richtig erwachsen. Dafür haben sie viel zu viel Spaß am Rumalbern. Und am Singen. Und ganz besonders, wenn sie beides verbinden können. Zum Beispiel in der Rap-Parodie „Hamlet“, in der zumindest zwei aus ihrer Mitte, Sari und Ferenc, mal die ganz harten Kerle geben. Das erfordert einige Umstellung, denn eigentlich sind die Wise Guys viel zu nett für so etwas. Deshalb ist das auch nicht gerade der Höhepunkt des Konzertes. Davon gibt es aber mehr als genug andere – mit den alten Hits wie „Es ist nicht immer leich ich zu sein“ oder dem unvergessenlichen „Radio“. Aber auch mit neuer Musik und neuen Texten, wie immer vor allem von Dän und Eddi.
Denn, das zeigt „Klassenfahrt“ sehr schön, die Wise Guys bleiben sich treu. Und das heißt, dass sie weiterhin sehr nette, hitverdächtige Popsongs schreiben. Dass sie die als A-Cappella-Gruppe halt ausschließlich mit ihren Stimmbändern produzieren, ist da fast zufällig. Und gar nicht so wichtig. Hauptsache, die gute Laune kommt. Dafür brauchen sie nie viel: Eine eingängige Melodie, ein unbedingt gereimter Text, etwas Augenzwinkern: Und fertig ist schon die Rock-Hymne „Latein“, die den Klassenprimus zum Helden macht. Zumindest für diesen Song. Überhaupt ihr ungebrochener Optimismus. Das wird manchmal fast zu viel, wenn sie immer noch und wieder nur an das Gute glauben – selbst „Am Ende des Tages“, mag er noch so ruppig gewesen sein. Und das „Schlechte Karma“ wird natürlich auch umgehend überwunden. Das sind eben die Wise Guys: unverdrossen gut drauf. Das es musikalisch einfallsreichere und stimmlich raffiniertere Gruppen gibt, macht da gar nix. Denn wenn die Wise Guys dann zum Beispiel „Wo der Pfeffer wächst“ anstimmen, könnten sie sich ganz entspannen und aufs pantominische Singen verlegen – das Publikum singt gerne und rundum begeistert an ihrer Stelle. Aber das tun sie natürlich nicht. Sondern legen noch einen Zahn zu und rocken auf der Bühne mal so richtig ab. Schließlich wollen ja alle Spaß haben – und das „ganz ohne Drogen“, wie es einmal heißt. Aber irgendewie sind die Wise Guys doch auch eine Droge. Man kommt einfach nicht los von ihnen.

ja, so war das. und ich habe noch ein bisschen mehr drüber nachgedacht. vielleicht ist ja der erfolg der wise guys in deutschland das beste zeichen für ihr mittelmaß – in zeit und ort –, für die zufriedenheit der musiker & des publikums mit der bequemen mitte, dem ewigen sowohl-als auch: ein bisschen witz, ein bisschen nachdenklichkeit, ein bisschen gut, ein bisschen böse, ein bisschen freud und ein bisschen leid. aber halt nichts richtig … nichts wirklich zu ende gedacht oder geführt. und das nervt nach einer weile – mich zumindest: diese ewigen halbheiten, die – das unterstelle ich – durchaus berechnet, zumindest beabsichtigt sind: nämlich aus der orientierung am größten gemeinsamen nenner. die offensichtliche ästhetische (und intellektuelle) belanglosigkeit ist die folge davon. und damit ist die musik nicht nur nachrangig, sondern auch voll zufrieden: das streben nach besonderem, nach außergewöhnlichem hat sie längst aufgegeben. das aber macht sie (fast) blödsinnig (ok, das ist vielleicht ein wenig hoch gegriffen) massenkompatibel. nur eben auch langweilig und vorhersehbar. da ist für mich einfach kein kitzel, kein reiz mehr dran – weder musikalisch noch inhaltlich irgend etwas überraschendes, neues.

schon die besetzung weist ja darauf hin: fünf männerstimmen – aber keine extreme. kein wirklich tiefer bass und kein ordetnlicher hoher tenor. auch keine beatbox oder wirklich gute vocal percussion. und, das ist die kehrseite, deswegen sind sie ja auch so wunderbar zum mitsingen geeignet. aber das liegt natürlich auch an den einfachst gebauten songs, den übersichtlichen arrangements und vor allem den eingängigen, unkomplizierten, eigentlich sogar simplen melodien.