Ein interessantes Programm haben die beiden jungen Musiker mitgebracht: Sie kontrastieren Werke für Cello und Klavier von Johann Sebastian Bach und Felix Mendelssohn Bartholdy. Das passt — immerhin war Mendelssohn Bartholdy ein großer Verehrer Bachs. Davon kann man aber an diesem Abend nur wenig hören. Denn den beiden Musikern geht es nicht darum, zu zeigen, wie geschickt der Romantiker kontrapunktisch arbeitet oder Reverenzen an die Musikgeschichte in seine Kammermusik einbaut. Sie wollen vor allem die Stimmung herbeiholen.

Das macht sich schon gleich zu Beginn, in den „Variations Concertantes“, einem knappen Jugendwerk des fast zwanzigjährigen Komponisten, bemerkbar. Julian Arp und Caspar Frantz spielen das als vergnügliche, kunstvoll gearbeitete Unterhaltung im kleinen Rahmen: Weich perlend verströmen die Variationen gute Laune und zeigen sich dabei als Musik, die nicht viel will – oder zu wollen scheint. Wesentlich deutlicher — und vielschichtiger — wird es aber in Mendelssohn Bartholdys zweiter Sonate für Violoncello und Klavier, in der das Duo die ganze Bandbreite der Gefühle ausschöpft.

Stimmungsvoll spielt das Duo auch zwei Sonaten von Bach. Was anderes bleibt ja auch kaum übrig, bei der doppelten Fehlbesetzung: Bach hat diese Sonaten der Gambe und dem Cembalo zugedacht, nicht dem Cello und Klavier. Dass es jetzt so ganz anders klingt, macht aber wenig. Vor allem bei der zweiten Sonate hat das die neue Klangpracht durchaus Vorteile. Vom zarten, vorsichten Beginn bis zum kraftvollen Ende entsteht dabei eine kleine Geschichte der Bewegung. Am Anfang noch ganz zurückhaltend, vorsichtig tastend die Fühler ausstreckend — ein Aufbruch ins Ungewisse. Das Duo bekommt aber bald Boden unter den Füßen, mit dem zweiten Satz wird der Schritt fest und zuversichtlich. Der dritter Satz erscheint dann als verträumtes Spazieren, fast ein Schlafwandeln, ein Schlendern ohne Ziel und Not. Der Schluss wiederum ist die höchste Form der Bewegung, ganz vom Nutzen befreit: Das Tanzen, neckisch, mit sicher gesetzten Pointen. Dabei sind Arp und Frantz nie effekthascherisch. Denn die Klangverbindung zwischen Cello und Klavier ist eng, fast symbiotisch. Man hört in beinahe jedem Moment, dass sie sich aus gutem Grund „Duo“ nennen: Sie müssen sich nicht einmal mehr ansehen, so gut wissen sie um die Reaktion des Partners. Und das hört man nicht nur in der technischen Souveränität, sondern auch im Gleichklang der Farben und Schattierungen.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

Mendelssohns Streichquartett ist schon deshalb eine gute Wahl, weil es fast in Mainz entstand – auf der Hochzeitsreise des jungen Musikers, inspiriert von den romantischen Landschaften des Rheins und seiner Städte. Die hierbei ausgedachte Musik gibt sich oft sehr zauberhaft, auch in ihren undurchdringlich scheinenden, verschleierten Formen. Dazu passt die beinahe undurchschaubare Entstehungsgeschichte, weil der Komponist immer und immer wieder geändert und verbessert hat.

Davon, von diesen Verwirrspielen, hört man in der Villa Musia vom Eisler-Quartett naturgemäß nichts. Was man aber hört, ist die Inspiration und die Lebensfreude ihres Schpfers. Das Berliner Quartett verliert sich allerdings nicht im romantischen Gefühlsreigen, sondern strebt hörbar nach Klarheit. Deshalb spielen sie die Mendelssohnsche Schöpfung auch mit dichtem Klang, ganz eng verwebt und mit sehr genau ausgearbeiteten Übergängen. Dabei klingen sie zugleich forsch, fast unbekümmert – aber auch das scheint nur so und verrät eher große Kunst als Nachlässigkeit.

Dvořáks Klavierquintett hat ebenfalls eine kuriose Entstehungsgeschichte: Entweder wollte er ein Jugendwerk verbessern oder konnte die alten Noten nicht finden – jedenfalls schrieb Dvořák kurzerhand in wenigen Tagen ein neues Quintett. Egal warum, das ist auf jeden Fall ein Glück für uns, weil sich das Eisler-Quartett nun mit Kallle Randalu am Klavier daran erfreuen kann. Und nicht nur bei den Musikern ist die Freude über das eigene Tun groß, auch beim Publikum.

Grund dafür gibt es mehr als genug: Wuchtig, aber nie schwerfällig, mit lebendiger Konzentration auf das Wesentliche demonstrieren sie kraftvoll, wie vielfältig Dvořáks Musik sein kann.

Traurig und heiter, locker und schwärmerisch, nachdenklich und ausgelassen – sie reizen die Palette der komponierten Emotionen weit aus. Und ihnen gelingt dabei ein kleines Kunststück, das gar nicht so klein ist: Sie schaffen es nämlich, ihr genau überlegtes Musizieren so klingen zu lassen, als ob sie die Partitur gerade vollkommen neu entdecken würden. Hier herrscht vom ersten Ton bis zum Schlussakkord eine unverstellte Lebendigkeit und freudige Bewegung vor. Genau von dieser inspirierenden Wirkung müssen auch die Romantiker geträumt haben.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)

Am Beginn stand also Musik von Carl Maria von Weber: Die Ouvertüre und zwei Szenen aus dem Freischütz genau gesagt. Das war eine etwas seltsame Erfahrung. Mysteriös gespenstig entfaltete Schauerromantik im Orchester und szenische Andeutungen der jungen Sänger. Klanglich fein abgeschmeckt und auch auf authentische Wirkung ausgerichtet mit den Natur-Blechblasinstrumenten und dem vibrierenden Grundrhythmus. Aber dann brechen die elektronisch verstärkten und auch verfremdeten Singstimmen in die feinsinnige Klangwelt ein – das muss man wohl nicht verstehen. Doch sehr dramatisch ist das alles, vor allem die Wolfsschlucht-Szene mit Danilo Tepsa, Calin Cozma und Florian Küppers.

Mit sehr viel Freude am virtuosen Spiel stürzt sich Igor Tsinman dann in Mendelssohn Bartholdys Violinkonzert in e-Moll. Er kann sich das aber auch leisten, sicherer Techniker er er ist.

Klar und dicht, in den meisten Teilen sehr unsentimental spielt er – das ist einfach Musik pur, mal wild, mal gedankenverloren träumend. Aber immer jugendlich unbekümmert. Schade nur, dass die robuste Prägnanz des Solisten das fließend begleitende Orchester ganz unverdient in den Hintergrund drängt.

Das kan dafür noch mit der abschließenden ersten Sinfonie von Johannes Brahms ganz alleine brillieren. Das erregte Pulsieren des Anfang setzt sich hier unentwegt fort, im nervösen Hin und Her, in der Unruhe der ständigen Bewegung und der permanenten Unsicherheit der unausgesetzten Hinterfragung aller Positionen und Werte. So, wie Wolfram Koloseus das hier entwickelt, klingt das viel moderner und gegenwärtiger, richtiggehend dekonstruktivistisch eigentlich, als gewöhnlich bei Brahms. Diese Haltung setzt sich dann durch die ganze Sinfonie hindurch fort. So richtig aufblühen kann sie dadurch nie. Auch wenn sich das Orchester redliche Mühe gibt und mit erstaunlicher Klangkultur und großem Engagement durchaus einige Teilerfolge erlangen kann, bleibt es befremdlich. Das Tempo dieser fiebrigen Hast ist immer sehr bemüht und wirkt mehr konstruiert als empfunden. Insgesamt gibt das dann eine oft dämonische, bis zum Wahnsinn aufgetürmt rasende und zerfetzte Sinfonie – eine echte Überraschung.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

Korngolds Musik klingt immer nach Hollywood – nicht, weil er sich populär angebiedert hätte. Sondern weil er in den vierziger Jahren den Sound der Filme maßgeblich prägte. Mit seinen ausgefeilten, trickreichen Instrumentationen, mit seiner flexiblen Handhabung klassischer Formen, mit seiner Einfallsvielfalt – und all das prägt auch das Cellokonzert. Das gibt Müller-Schott viel Raum, sich als Musiker mit vielen Möglichkeiten und Facetten zu präsentieren: Er kann sein Cello wunderbar schmachten lassen, ohne kitschig zu werden. Er kann aber auch ganz unvermittel heftig attackieren und mit feurigem Elan rasen. Er kann aber auch, und das prägt sein Spiel sehr stark, nachdenklich und sehr verständig emotionale Wärme mit analytischer Klarheit verbinden. So gleitet er, sanft begleitet von der Rheinischen Philharmonie aus Koblenz unter Daniel Raiskin, von Stimmung zu Stimmung, von aufbrausendem Überschwang zu zurückhaltender Traumseligkeit.

Seine gradlinige, fest positionierte Spielweise hatte auch schon das D-Dur-Konzert von Joseph Haydn geprägt und stark gemacht. Denn noch mehr als bei Korngold ließ Müller-Schott die Ecken und Kanten der Musik an ihrem Platz. So konnte er eine wunderbar entschlackte, pointierte Spielart des Konzertes entwickeln, die in seinem minimal angerauhten, knackigen Ton sehr lebendig wurde. Lebendiger jedenfalls als der Orchesterpart, der stets etwas arg stromlinienförmig, ein bisschen zu glatt daherkam.

Leider änderte Raiskin das auch für Felix Mendelssohn Bartholdys dritte Sinfonie nicht mehr wesentlich. Die „Schottische“ entfaltete mit der Rheinischen Philharmonie zwar durchaus ihren Effekt. Mit mehr klanglicher Klarheit wäre aber noch viel mehr möglich gewesen. So blieb es bei einer soliden Aufführung, die weder das Potenzial der Sinfonie noch das des Orchesters voll ausreizte.

die semestereröffnung nahmen die dozenten lieber selbst in die hand ;-) mit recht. es wurde nämlich ein ziemlich schönes, überraschend gutes konzert — obwohl die ja nicht regelmäßig als ensemble zusammenspielen, fanden sie zu einer sehr starken, gelungenen einheit:

Kraft und Sensibilität sind zwei Elemente, die sich in der Musik Felix Mendelssohn Bartholdys zu einer ganz besonderen Einheit verbinden. Das macht dieses Jahr, in dem sein 200. Geburtstag ausgiebig gefeiert wird, mit seinen vielen, vielen Aufführungen sehr deutlich. Auch die Hochschule für Musik wollte da nicht hintenanstehen und hat zur Eröffnung des Wintersemesters mit einem reinen Jubiläumsprogramm in ihren Roten Saal geladen. Und als wäre es geplant gewesen, haben die drei Dozenten um Manuel Fischer-Dieskau, der mit diesem Abend zugleich auch seine neue Veranstaltungsreihe „Campus Concerts“ startet, mit gerade einmal drei Werken ganz viel von der Bandbreite des Mendelssohnschen Schaffens vorgeführt.

Fischer-Dieskau, von Connie Shih am Klavier begleitet, eröffnet mit der zweiten Cello-Sonate: Ein kraftvoll bis stürmisches Drängen, sehr spannungsgeladen und dramatisch inszeniert, mit Effekt und Aplomb gespielt. Dagegen wirkte dann die eigentlich unfertig gebliebene, in verschiedenen Versionen überlieferte Violinsonate in F-Dur abgeklärt und subtil. Das lag natürlich auch an der lockeren Lässigkeit, mit der sich die Geigerin Anne Shih der Musik fast widerstandslos auslieferte.

Das war zwar sehr niveauvoll, verblasste vor dem zweiten Teil aber sehr. Je länger man diesen drei Musikern nämlich beim ersten Klaviertrio aus Mendelssohn Bartholdys Feder lauschen durfte, desto klarer wurde es: Dies hier war der eigentliche Anlass, das eigentliche Ziel des Konzertes. Ein rauschender Höhepunkt war das, der die Interpreten selbst ganz begeisterte – und das zu Recht. Denn ihnen gelang das kleine Kunststück, zugleich sehr konkrete und sehr entrückte Musik zu machen: Inhaltlich sehr genau – aber meilenweit entrückt vom grauen Alltag, von den Banalitäten des Lebens glitten sie fast wie im Traum in weicher Harmonie und organischer Klangentfaltung durch die Mischung aus intensiver Spannung und wohliger Geborgenheit. Aber sie blieben eben doch immer mindestens mit einem Fuß auf dem Boden der Tatsachen. Nie wichen sie ganz und gar in das Reich der Feen aus – was das Trio zumindest in den Mittelsätzen durchaus erlaubt hätte. Nein, hier bleibt das ein formvollendet Psychogramm einer unruhigen, suchenden Seele. Aber eben immer einer wirklichen Seele, nicht einer fiktiven Traumperson. Dadurch, in dieser Kombination, wird das Trio ganz nahegehend und anrührend. Selbst wenn sie durchweg diesseitige Musik machen: Sie wird ihnen nie banal. Nur müssen weder sie noch Felix Mendelssohn Bartholdy hier Transzendenzen bemühen: Die reine Kraft der romantischen Musik, ihre energische Wiederbelebung, der Mut sowohl zum derben Strick als auch zum zartesten Klangtupfer eröffnet ein gewaltiges Feld – das übergroße Reich der empfindenden Seele mit ihren kraftvollen Empfindungen.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

Sanft weht die zarte Cellomelodie durch den Salon im ersten Stock, flutet durch das Treppenhaus und das ganze Anwesen, mitfühlend verfolgt von der Violine und zart untermalt von der Klavierstimme: Die Villa Musica ist aus dem Sommerschlaf erwacht.

Ganz angemessen geschieht das mit einem Konzert des hauseigenen Ensembles Ville Musica, also den routinierten Meistern der Kammermusik, die hier nicht nur ihre Erfahrung und ihr Wissen an junge Künstler weitergeben, sondern auch das Publikum an ihrem Können teilhaben lassen.

Das lässt sich gefallen. Denn aus der Sommerpause kommt das Ensemble, das ja nur lose gefügt ist und in verschiedenen Besetzungen arbeitet, mit frischem Elan zurück. Flott, fast unbekümmert, mit knackiger Frische und der ensembletypischen Mischung aus Genauigkeit und Lässigkeit, aus Gemeinsamkeit und individueller Überzeugungskraft an jedem Instrument lassen sie Haydns Klaviertrio Nr. 42 in C-Dur, eines der späten Meisterwerke nach seiner zweiten Englandreise, sehr, sehr lebendig werden. Gewiss, eine Mindestdistanz bleibt immer spürbar, das kann man vor allem im Andante sehr gut merken, so ganz haben sie sich dieses Trio nicht zu eigen gemacht. Aber dann blitzt doch wieder der Schalk zwischen den Saiten hervor – zumindest einen kleinen, aber häufigen Erscheinungen.

Dieses frische Musizieren, die unverbrauchte Interpretation kann man auch in Paul Hindemiths Klarinettenquartett deutlich spüren. Forsch und tatendurstig stoßen die Vier hier ein ums andere Fenster in andere Welten auf, lassen Einblicke in Traum und Imagination zu, ermöglichen das unbeschwerte Schweifen im Reich der Vorstellung. Mit immer neuen, energischen Schüben sorgen sie dafür, dass jeder die Gelegenheit bekommt, diese Grenze zu überschreiten und hinüber zu schauen in die Welt der Kunst. Dazu mischen sie den pfiffigen Witz Hindemiths, seine weiten Melodien und schroffen Klangballungen mit großer Ausdauer und feinem Gespür für die wohlgeformte Dramaturgie. Und genau das macht Felix Mendelssohn Bartholdys erstes Klaviertrio am Schluss des Konzertes zum Hit des Abends. Denn das Konzertfinale gelingt dem Ensemble eindeutig am besten, am lebendigsten und intensivsten. Patrick Demenga lässt sein Cello hier noch einmal besonders weich und bestimmt brummen, Muriel Cantoreggi geigt auf– und herausfordernd, drängt spielerisch immer wieder voran. Und Yuka Imamine am Klavier gibt ihre feine Zurückhaltung wenigstens teilweise auf. Die Mittelsätze erzählen so zart und quirlig feingesponnene Elfengeschichten – typisch Mendelssohn Bartholdy eben. Und die Rahmensätze binden das in großer Offenheit, vom Ensemble Villa Musica mit Gespür für die richtige Dosis Größe und Majestät, klangliche Abrundung und lebendige Nuancierung realisiert, prächtig und klangvoll zusammen.

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung)

(geschrieben für die mainzer rhein-zeitung.)